Cambio de avenida

En la Sala Río Teatro Caribe de San Bernardino, la agrupación Akan Tribu Teatral presenta Detrás de la avenida, texto de Elio Palencia y dirección de Jonell Páez.

Después de ser asaltado, Gualo, estudiante de letras y escritor, es ayudado por Peggy, un transformista que sobrevive como trabajadora sexual. Entre ambos surgirá una amistad que transforma a Gualo, lo aleja de su novia Marieu y lo enfrenta al chulo Chato y al policía Corona.

El texto propone tres niveles en el argumento: la historia de Gualo y su novia, el vínculo entre éste y Peggy con las intervenciones del Chato, y el interrogatorio que realiza Corona. El diseño de escenografía, propuesta del director, maneja esto acertadamente con un espacio superior que refleja el cuarto de Marieu, uno intermedio donde sucede casi toda la acción y que representa el refugio donde vive Peggy, y otro inferior en el que una silla simboliza el cuarto de interrogatorio. Los tres ambientes se conectan con una rampa inclinada desde el superior hasta el inferior para aludir al descenso del protagonista hasta su destino incierto.

La dirección busca equilibrar los movimientos de los actores en cada lugar, aunque algunos son incómodos e injustificados, no se aprovecha el estatismo y los intérpretes se solapan. Por su parte, el diseño de vestuario de Freddy Mendoza proyecta el propósito de cada rol, sin embargo no se conecta del todo. Los vestuarios de plástico de Marieu, de diferentes materiales de Peggy y el estilo de Corona se corresponden con el sentido de los personajes pero las vestimentas de Gualo y el Chato lucen desvinculadas de los anteriores.

Lo anterior, ubica la estética entre lo simbólico y expresionista porque la unión de los elementos conforma la atmósfera requerida y, además, refleja del estado interior de los personajes: la plasticidad de Marieu, la vida hecha pedazos de Peggy y la desolación final de Gualo.

En las actuaciones, Jonell Páez como Gualo se percibe honesto y preciso en las intenciones. Se destaca el trabajo de Ricardo Sánchez como Peggy porque se conecta con su sensibilidad y demuestra fuerza y claridad en sus matices, si bien puede aprovechar más la expresividad de las manos y corregir algunos vicios de inexperiencia en su uso. Julio Viso caracteriza a Corona con intensidad y veracidad demostrando comprensión del rol. Por último, Germán Manrique es veraz y pertinente como el Chato y Kimberling Longueira puede conectarse mejor con las diferentes emociones que experimenta Marieu.

En definitiva, un trabajo honesto y acertado que marca el inicio de esta agrupación teatral y abre la expectativa a sus próximas producciones.

Función: 16 de Septiembre de 2012

Frustraciones femeninas

En el Teatro San Martín de Caracas, la Asociación Cultural Urbe presenta Tinto de verano, texto y dirección de Rubén León.

La obra coloca en escena a cinco mujeres que se unen para efectuar un atraco pero terminan enfrentándose con circunstancias externas. Está estructurada por una escena inicial y otra final en las que todas participan, pero las escenas intermedias, escritas en forma de monólogos, son las más importantes. En cada monólogo, los personajes revelan sus frustraciones y deseos para justificar las razones que llevan a cometer un delito.

Las protagonistas son una mujer que desea asumir su homosexualidad, una obstinada del perfeccionismo de su esposo, una cansada de la rutina con su familia, una que se considera fea cuyo padre está a punto de morir de cáncer y una que deseaba ganar como reina de belleza. Sin embargo, estos conflictos personales tienen como trasfondo a Venezuela a finales de la década de los 80 del siglo pasado, por eso la pieza culmina con el recuerdo del llamado: “Caracazo”. Esto último es quizás la relación más débil que establece el texto porque el desenlace luce abrupto debido a que no plantea el contexto social del país desde el principio.

La dirección propone una apropiada estética simbólica que da forma a cada escena en correspondencia con la estructura y el argumento. La escenografía es sencilla pero funcional porque sirve para representar los sitios de encuentro entre los personajes y, principalmente, los vestidores del local que van a asaltar y en los que cada mujer se cambia de ropa para colocarse un uniforme. En este espacio, se desarrollan los monólogos frente a un espejo imaginario, que se extiende hacia los espectadores con un rectángulo en el piso para facilitar la teatralidad. El vestuario refleja el estilo de la época y la iluminación de Gerónimo Reyes concentra cabalmente el foco en cada actriz.

En las actuaciones, se destacan Verónica Arellano como Sabrina, la madre que está agobiada de la rutina, y Rosalía Blanco como Sinfonía, cuyo sueño era ganar como reina de belleza. La primera realiza un trabajo orgánico que equilibra con certeza el drama y la comedia, y la segunda interpreta con veracidad las diferentes situaciones que relata. Valentina Cabrera y Jennifer Morales son intensas y francas como Alex, la mujer que desea asumir su condición, y Alicia, la joven que se considera fea, respectivamente. Por último, Mariana Alviárez como Kelly, la esposa obstinada del marido, ejecuta un excepcional trabajo corporal pero se percibe externa en su conexión con los sentimientos.

En definitiva, un trabajo bien realizado que debería acercar al público a este espacio del oeste de la ciudad.

Función: 9 de Septiembre de 2012

Banquete político

En la Sala Rajatabla, Teatro K Producciones presentó El banquete infinito, texto del cubano Alberto Pedro Torriente, producción artística de Jesús Hernández, producción general y dirección de Morris Merentes.

Un gobierno es derrocado y otro asume el poder. Se cambia un sistema por otro que quiere llamarse distinto y no usar las mismas palabras. Jerarca, el líder anterior, es sustituido por Paradigma, el nuevo, y lo acompañan en el poder: Averrara, una luchadora que quiere erradicar el hambre, Perogrullo, un payaso que fue asesor fue líder anterior, y tres militares travestidos: Virilprimera, Virilsegunda y Viriltercera.

Con este argumento arriesgado y cargado de símbolos, se propone una excepcional puesta en escena que refuerza la propuesta del texto con las acciones e intenciones de los personajes. Sin embargo, la atmósfera se diluye después de las primeras escenas porque es necesario mantener el ritmo y la energía que lleva el protagonista, profundizar en los símbolos que expresan los personajes y transmitir lo que el texto connota. Al final, la atmósfera se recupera impulsada por el desenlace.

La ambientación es consistente gracias al diseño de escenografía y vestuario de Josmary González. Los elementos escénicos fueron realizados con metal y crean un espacio frío y rígido. Una mesa central, la silla del líder y un balcón son los focos escénicos. El vestuario delinea con certeza a cada personaje, sobre todo a los militares y a Perogrullo, quienes también llevan un maquillaje significante.

Las actuaciones están correctas. Luis Carlos Boffill diferencia sus roles. Se enfoca en la intensidad para el Jerarca y en el sentido de los matices para Paradigma, aunque ambos sean en esencia el mismo. Julio César Marcano es veraz en su rol de Perogrullo y Varinia Arráiz es pertinente en sus intenciones como Averrara, al igual que Orlando Paredes en su trabajo vocal y corporal como Virilprimera. Por su parte, Tony Ochoa como Virilsegunda puede manejar mejor la intensidad sin vociferar y Christian Ponte como Viriltercera posee fuerza y veracidad.

Por último, es imposible no relacionar los símbolos de la realidad cubana que plantea el autor y el entorno latinoamericano, Venezuela incluida. Aunque se cambie de gobierno, los dirigentes políticos forman parte de un banquete infinito que consume los recursos del Estado y olvida los deberes con el pueblo, conglomerado o gente, como quiera llamarse. Además, cargan sus discursos de eufemismos y frases sin sentido para conectarse con sus seguidores. Por todo esto, quedo en espera de nuevas presentaciones de esta arriesgada propuesta.

Función : 2 de Septiembre de 2012

Publicidad teatral a través de la Red

Más allá de la publicidad tradicional, aquella que se aprovecha de la Red para difundir la cartelera teatral ha tenido gran auge en los últimos años.

Una de los sitios web más representativo es: “vayaalteatro.com”. En él, se puede encontrar información acerca del teatro para adultos, para niños, algunas presentaciones en el interior y otros espectáculos escénicos. Además, cuenta con diferentes secciones como: Galería teatral, Historia de nuestras salas y otros espacios para el reportaje y la crítica teatral, así como también una serie de guías sobre las escuelas de teatro, danza, talleres y concursos.

Mucho más reciente, es la presencia de: “alteatrosi.com”, otra iniciativa web que difunde la cartelera de Caracas. En este sitio, se destaca la búsqueda por día, género, teatro  o general; e incluye las secciones: Teatros, Concursos y Galerías.

Como parte de la divulgación del Festival de Teatro de Caracas, se creó el sitio “Puro Teatro Ccs” (teatroccs.org.ve), un espacio que se ha convertido en el medio para conocer las presentaciones en el centro y oeste de la ciudad.

Otros sitios de mayor amplitud son: “hoyquehay.net” y “tuparadacultural.com”. Ambos poseen un apartado dedicado a la información teatral que comparten con otras áreas para el entretenimiento y el ocio.

Por otro lado, la publicidad que se realiza a través de las redes sociales también compite con la tradicional, debido a la gratuidad del servicio, sin descontar que es necesario tener acceso a una conexión a Internet.

Siendo la red social de mayor presencia a nivel mundial, “Facebook” es la más utilizada para la difusión teatral en Venezuela. La creación de perfiles, grupos y eventos sirven para estar al tanto de lo que se está realizando. Los jóvenes creadores, y algunos de vieja data, ha utilizado los grupos: “Teatreros” y “Cómplices del teatro”, para hacer publicidad a su trabajo.

La segunda red en importancia es: “Twitter”, en la que casi todos los espacios y grupos teatrales tienen perfiles. Asimismo, se han aprovechado los blogs con sitios emblemáticos como: “ommproduccion.jimdo.com” y “caracasdosmascaras.blogspot.com”. Debo resaltar que todos los sitios web y los blogs, tienen presencia en facebook y twitter. En cambio, la red “Google+” no ha tenido una incidencia importante.

Por último, el auge de los teléfonos inteligentes ha facilitado el acceso a la información. Con las redes sociales a la mano, una mejor calidad de navegación móvil y el desarrollo aplicaciones descargables, el teatro que se realiza en Venezuela está más cerca de sus potenciales espectadores. Falta que ellos se decidan a asistir.

Acompañante peligroso

En la Sala Cabrujas de la Fundación Cultural Chacao, AMARCOR Teatro presentó El acompañante de Isaac Chocrón, dirección de Daniel Mago.

A menos de un año de la muerte de Chocrón, uno de sus textos volvió a escena para demostrar una vez más la importancia de su dramaturgia. Estela es una cantante de ópera venida a menos que vive aislada del lugar donde reside y que recibe a José, un joven que viene a optar por el puesto de pianista. Entre ellos, se sucede una entrevista que descubrirá los caracteres de sus protagonistas y en la que cantante y acompañante sacan a flote sus verdades por encima de la falsa apariencia que muestran.

La dirección se planteó a partir del estilo realista del texto. Los desplazamientos escénicos se desarrollaron en base a las situaciones que se presentan. De igual manera, los elementos escenográficos fueron los necesarios para la acción y se correspondieron a la época que marca el argumento: un piano con su banco, un mueble largo, un equipo de sonido con tocadiscos y una silla.

Sin embargo, la orientación que el director dio a los personajes se distancia del texto. El contraste entre Estela y José está marcado por la superioridad que ella demuestra sobre él. Ella se considera una diva y presume de conocer más de la vida, él es un joven de pueblo que esconde lo que realmente sabe y sus intenciones con ella. Esto no percibió cabalmente.

La diferencia entre los personajes se sintió más por aquello que dicen y que está escrito en el texto, que por lo que sienten o reflejan en su manera de vestir. El personaje de Estela pudo marcar más la prepotencia que justifique la posterior reacción de José y su desagravio planificado. Asimismo, José se comportó de una forma más comedida y, pon ende, contraria a la forma inculta que ella, constantemente, le echa en cara. Si él hubiera actuado de un modo menos educado, los monólogos en los cuales se presenta cómo en realidad es tendrían mayor significación en escena.

Por su parte, el vestuario se acercó más al estilo de Estela con ropajes casi operáticos, salvo en la parte final, y José estuvo ataviado con un correcto traje gris. El diseño de iluminación de Gerónimo Reyes crea ciertas atmósferas para marcar las situaciones más relevantes pese al limitado equipamiento de la sala.

En relación con lo que señala la dirección, las actuaciones están ajustadas. María Teresa Haiek como Estela presentó la forma del personaje y un buen manejo de los matices. Domingo Balducci como José fue veraz y sincero en las intenciones de su rol.

 

En definitiva, un trabajo con una producción correcta pero que podría adentrarse más en la esencia del conflicto que propone el texto.

 

Función: 18 de Agosto de 2012