La escena teatral 2012 (y III): Eventos

Uno de los eventos más importantes del año pasado fue el regreso del Festival Internacional de Teatro en homenaje a José Ignacio Cabrujas. Organizado por una fundación vinculada al Ateneo de Caracas, el festival tuvo una programación variada sin dejar de lado la presencia nacional. Los mejores trabajos fueron: Tercer cuerpo del grupo Timbre 4 (Argentina), Diciembre de Teatro en el blanco (Chile), La razón blindada de Malayerba (Ecuador) y Amarillo de Teatro Línea de sombra (México). Hubo montajes destacados de Alemania, Bolivia y España. El Teatro Chacao y el César Rengifo de Petare destacaron como sedes.

En el interior del país, el Festival de Teatro de Occidente y el de Oriente llegaron a sus ediciones 30 y 37, aunque siguen sufriendo inconvenientes presupuestarios. La agrupación Ciudad Puerto Teatro realizó el II Encuentro Internacional de Teatro "Arribando al Puerto de Maracaibo" con presentaciones en el Teatro Baralt y el Centro de Arte Lía Bermúdez, además de funciones en instituciones educativas y comunidades del lugar.

El Festival Teatral de Autor (FESTEA), organizado por Pathmon producciones, dio espacio a grupos nóveles nacionales e internacionales con su homenaje a los dramaturgos del teatro del absurdo: Eugene Ionesco, Jean Genet y Harold Pinter.

En otro ámbito, la Compañía Nacional de Teatro se convirtió en el Centro Nacional de Teatro. Como nuevo ente, realizó la coproducción de 25 espectáculos en todo el país: Josefina La Cantora (Edo. Anzoátegui), Yo soy San Fernando de Apure (Edo. Apure), Después de la batalla (Edo. Aragua), Maisanta, El americano (Edo. Barinas), Romance del papalote que quería llegar a la luna (Edo. Bolívar), Muero, luego existo (Edo. Carabobo), El perseguido (Edo. Cojedes), Mis días en Paita (Edo. Delta Amacuro), Lo que dejó la tempestad (Edo. Falcón), Alma (Edo. Guárico), Páramo (Edo. Lara), Ánimas, velorios y calaveras (Edo. Mérida), Sangre (Edo. Miranda), Woyzek (Edo. Monagas), La esquina del miedo (Edo. Nueva Esparta), La colección del peregrino (Edo. Portuguesa), Profundo (Edo. Táchira), Cash, Pluto o la riqueza (Edo. Trujillo), Entre sirenas y mariposas (Edo. Sucre), A propósito del tiempo (Edo. Vargas), Íntimamente Zárraga (Edo. Yaracuy), Bifronte (Edo. Zulia) y Berruecos, El último dragón, Las bacantes (Todas del Dtto. Capital). Luego, organizó una muestra de estas coproducciones en los teatros de Caracas. Algunos trabajos estuvieron bien realizados pero otros demostraron la necesidad de una supervisión mayor a los espectáculos y más rigor en la escogencia de las propuestas. 

En espera de los eventos de este año.

La escena teatral 2012 (II): La dramaturgia

Hubo variedad en la dramaturgia exhibida durante el 2012. Dentro de las nuevas creaciones nacionales, se destacaron: 3 noches para 5 perros de Gustavo Ott, Yo soy Carlos Marx de Gennys Pérez y La novia del gigante de Luigi Sciamanna. Además, estuvieron en cartelera clásicos como El acompañante de Isaac Chocrón y Las tijeras de Paul Williams, junto a Muñequita linda de Luis Britto García.

Otras obras nacionales fueron: Casting express de Marcos Purroy, De todas todas de José Simón Escalona, El diablo en misa de Gilberto Agüero, Girasoles de silencio de Elizabeth Yrausquin de Postalian, Las siamesas de José Antonio Barrios y Tinto de verano de Rubén León. 

El interés por la dramaturgia de moda en Broadway se sintió con High de Matthew Lombardo y Una lluvia constante de Keith Huff, aunque sus montajes (Mimi Lazo producciones y Grupo Actoral 80) fueron desacertados. También se exhibieron viejos éxitos como Más allá de la terapia de Christopher Durang y La ratonera de Agatha Christie. 

Dentro de la dramaturgia europea, se presentaron Las criadas de Jean Genet, Las neurosis sexuales de nuestros padres de Lukas Bärfuss, Por la cara de Giorgos Dialegménos,  Sexo de René Pollesh y Versus de Rodrigo García. Los clásicos de Shakespeare Hamlet (Skena) y La tempestad (Veneteatro) se montaron con altibajos. 

Del ámbito latinoamericano, estuvieron presentes: El banquete infinito de Alberto Pedro Torriente (Cuba), Josefina la viajera de Abilio Estévez (Cuba),  La maleta de Julio Mauricio (Argentina), Nuestra Señora de las nubes de Arístides Vargas (Argentina – Ecuador) y Pedro y el capitán de Mario Benedetti (Uruguay). 

La agrupación Rajatabla presentó El más mejor de Roberto Azuaje para concluir con su Segunda Muestra de Dramaturgia Nacional en homenaje a Rodolfo Santana, quien falleció a finales del año pasado y dejó un legado importante. Asimismo, montaron Muerte accidental de un subversivo latinoamericano, versión de Santana de la obra de Darío Fo (Italia). El grupo está organizando la tercera muestra. 

Los grupos Hebu Teatro y el Teatro del Contrajuego volvieron a trabajar juntos, sin embargo su montaje Ochos rubias platinadas no tuvo la calidad acostumbrada. Luego, Hebu realizó un homenaje al dramaturgo sueco August Strinberg con dos piezas emblemáticas: El pelícano y La señorita Julia, y el Contrajuego montó Las amargas lágrimas de Petra Von Kant de Fassbinder y junto al Circuito de Arte Cénica, Después de la lluvia de Sergi Belbel. 

La temática juvenil tuvo presencia con: La enfermedad de la juventud de Ferdinand Bruckner (Hebu Teatro), Flechas del olvido de Sanchis Sinisterra (TET), Detrás de la avenida de Elio Palencia (Akan Tribu teatral) y una nueva versión de Cuando quiero llorar no lloro, basada en la novela homónima de Otero Silva (Rajatabla). 

Por último, la comedia ligera no tuvo piezas que destacar.

La escena teatral 2012 (I): Los espacios

En Caracas, los espacios para el teatro han mantenido su diversidad.

En el terreno privado, el Trasnocho Cultural se sostiene con sus dos salas, aunque la calidad de los espectáculos que se presentaron y el público han disminuido. El Centro Cultural BOD Corpbanca ha tenido mejor oferta y afluencia de espectadores, seguido por el Teatro Escena 8, Teatro Premium y Teatrex.

Un fenómeno importante ha sido el uso de los salones y bares de los hoteles capitalinos para las presentaciones. El Hotel Embassy Suites y el Eurobuilding son los pioneros, mientras que el Hotel Meliá anunció que tendrá programación. También, se han mantenido los locales nocturnos que, convertidos en salas, han diversificado la oferta. El Teatro Bar y Urban Cuplé están a la cabeza.

Por su parte, la actividad de los sitios vinculados al Estado es variable. Las tres salas de Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (CELARG) han reducido su programación y público. Los precios de las entradas están a la par de las salas privadas y el estado de los espacios es deplorable. La Sala Experimental tiene problemas de aire acondicionado y posee un mobiliario que está deteriorado. De igual manera, la Casa del Artista tiene poca afluencia de público y poca publicidad.

El Gobierno del Distrito Capital, la Alcaldía del Municipio Libertador y FUNDARTE crearon el “Circuito de Teatro de Caracas” que incluye a los espacios de vieja data del centro y oeste de la ciudad como el Teatro Alberto de Paz y Mateos, Teatro Nacional, Teatro Municipal y las tres salas de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE), junto a los recuperados Teatro Catia (en el sector homónimo), Teatro Cristo Rey (en el 23 de Enero) y Teatro Principal (frente a la Plaza Bolívar). De todos ellos, el Alberto de Paz y Mateos no ha tenido una programación constante, está muy dañado porque sus áreas se usan como depósito y no posee una adecuada publicidad. Además, el Municipal tiene serios problemas de acústica que deben resolverse.

Por otro lado, el Teatro Luís Peraza, Teatro San Martín y la Sala Rajatabla han tenido programación de sus agrupaciones residentes con algunas externas. En cambio, el Teatro Teresa Carreño fue discontinuo este año.

En el sector de Chacao, el Teatro Municipal de Chacao mantuvo programación teatral y musical dentro de la cual destacó el Festival Internacional de Teatro. De igual forma, la Sala José Ignacio Cabrujas fue un sitio importante para presentaciones, lecturas dramatizadas y otros eventos. Por su parte, el Teatro César Rengifo sigue a la vanguardia en el Municipio Sucre.

Como se ve, el teatro tiene sus espacios.

Pasiones dionisiacas

En el Teatro Nacional, el grupo La Bacante y el Centro Nacional de Teatro presentaron Las bacantes de Eurípides, última coproducción del Proyecto de Teatro para todos los venezolanos 2012, con creación musical, escenografía, iluminación y dirección general de Diana Peñalver.

El dios del vino y del teatro, Dionisos, adquiere forma humana para llegar a la ciudad de Tebas y castigar la insolencia de su rey, Penteo, que niega su origen divino. Dionisos, tomando una forma inofensiva, aparece ante Penteo, y le convence para que, disfrazado de mujer, vaya a observar a las bacantes, mujeres tebanas que habían huido de la ciudad y están poseídas por el dios.

La dirección crea una puesta en escena actual cargada de feminidad porque todos los roles son interpretados por mujeres. La representación ofrece el tono y ritmo justo en cada una de las intervenciones de los personajes y del coro. Asimismo, el montaje evoca la forma escénica originaria apoyada en la dirección de arte de Efrén Rojas y Raquel Ríos. Los colores térreos dominan la imagen de espectáculo.

En las actuaciones, se percibe la habilidad de la directora para trabajar el uso de máscaras en la creación de los personajes principales y la gestualidad que remiten a la forma de representación de la tragedia. Se destacan las interpretaciones de Simona Chirinos como Tiresias y Claudia Nieto como Cadmo porque ambas ofrecen un trabajo de matices y gestos muy acordes con los roles. Son secundadas por la fuerza que exhibe Verónica Arellano como Ágave y la franqueza de Lismar Ramírez como Dionisos. En cambio, Catherine Tadger como Penteo requiere reforzar las intenciones y precisión gestual.

El trabajo actoral más complicado lo conforma la representación del Coro en el que participa todo el elenco junto a otras intérpretes. En su mayoría, el Coro logra la sincronización energética, vocal y corporal que se requiere, aunque puede ajustar la integración de la dicción y la proyección vocal en los momentos iniciales y cuando se ubica de espaldas, además de equilibrar sus intervenciones en segundo plano cuando los otros personajes son el centro de la acción. Pese a esto, la imagen que proyecta el Coro manifiesta la posesión de la que son víctimas las mujeres, tiene un carácter instintivo que se refleja en su corporalidad y mantiene una apropiada intensidad. Resalto el constante movimiento circular que remite al espacio que poseía el coro griego en la puesta en escena clásica.

En conclusión, un trabajo bien realizado que presenta una encomiable visión contemporánea de este clásico y demuestra que los dioses griegos también poseen pasiones humanas. 

Función: 9 de Diciembre de 2012 

Neurosis terapéutica

En el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, se presenta Más allá de la terapia, texto del norteamericano Christopher Durang, producción ejecutiva de Andrea Miartus y dirección de Luigi Sciamanna.

Esta comedia pone en escena una crítica ácida acerca de la terapia psicológica y de los terapeutas. Un hombre y una mujer se conocen gracias al anuncio de periódico que él publica y se conectan emocionalmente en sus necesidades y, en especial, en sus problemas psicológicos. Ambos asisten a consulta con dos terapeutas que parecen más locos que sus pacientes porque sufren tantas neurosis como ellos. Todo esto crea una trama humorística que refleja la locura de la sociedad urbana contemporánea y que se resuelve cuando los involucrados se dan cuenta que la solución está en sus manos y no en la terapia.

La dirección se concentra en la actuación como eje principal del montaje. Los espacios donde sucede la acción se resuelven con el uso de la iluminación y de la ambientación compuesta por dos sillas, una mesa y otros elementos que los mismos actores introducen y sacan de escena. Esto último aprovecha la revelación de la teatralidad que, además, se apoya en varias intervenciones que invitan al público a opinar sobre lo que sucede en escena. Por su parte, el vestuario de Ghislaine Latorraca ofrece un estilo a cada personaje y la selección musical apoya cabalmente a cada escena y refuerza su tono, gracias a las composiciones de Bixio, G. Gershwin, Mozart, A. Lloyd Weber y Barry White.

Las actuaciones se muestran equilibradas. Todos los intérpretes se perciben sinceros y manejan apropiadamente las intenciones de sus roles en correspondencia con su voz y corporalidad. Se destacan los trabajos de los protagonistas: Andrea Miartus como Prudencia y Paúl Gámez como Bruce, al que todos llaman Alfredo. Estos son secundados por Sheila Monterola como la Doctora Wallace y Alexander Solórzano como el Doctor Bracamonte. En el mismo nivel, se encuentran los trabajos de Jean Carlos Rodríguez como Bob y Juan Carlos Martínez como Andrés. Sin embargo, todo el elenco abusa en cierto punto de la improvisación para lograr la risa del público. Esto es innecesario si se comprende que el texto mantiene su progresión dramática y logra por sí solo la comedia. El uso de varias referencias a Venezuela y la actualización de otras es algo indispensable, pero muchas de las improvisaciones alargan la escena final, por ejemplo, y esto desdibuja un poco su intención.

En definitiva, un montaje que presenta varios niveles de neurosis en las relaciones humanas y demuestra que su control queda de parte de la persona que las experimenta.

Función: 2 de Diciembre de 2012

Una muestra nacional

La Compañía Nacional de Teatro, ahora convertida en el Centro Nacional de Teatro, organizó la “Muestra de 24 coproducciones de teatro 2012”. En el marco del Proyecto de teatro para todos los venezolanos, esta organización presentó, en las salas capitalinas, una variedad de trabajos que se estrenaron en todas las regiones del país como resultado de una convocatoria realizada para coproducir un espectáculo en cada estado.

Durante la última semana de presentaciones, pude cotejar las propuestas de Barinas, Miranda, Táchira, Vargas, Yaracuy y Zulia. De Barinas, la agrupación A puro teatro presentó Maisanta, el americano. La historia del revolucionario Pedro Pérez Delgado, conocido como Maisanta, fue resumida en este trabajo que logra una apropiada plasticidad en la ambientación, el vestuario y la iluminación. Estos elementos, junto a la música llanera en vivo, sirvieron para reflejar al llano venezolano, aunque las actuaciones lucieron externas.

De Miranda, provino el trabajo Sangre, escenario interior de una mujer. La representación estuvo constituida por monólogos que pretenden valorar la feminidad pero colocan en escena a mujeres perturbadas. La excesiva carga poética de los textos contrastó con el inicio y final, las actuaciones fueron poco convincentes y el vestuario pasado de moda.

Por otro lado, La agrupación Siglo XXI de Vargas trajo un montaje poco logrado de A propósito del tiempo de Carlos Gorostiza, mientras que Salamandra teatro de Táchira consiguió transmitir la esencia de clásico: Profundo de José Ignacio Cabrujas, si bien requiere más ritmo.

Yaracuy y Zulia presentaron Íntimamente Zárraga y Bifronte, respectivamente. Los dos espectáculos lograron crear una serie de sensaciones y emociones en el público. El primero, con la literatura de yaracuyano Rafael Zárraga que se vio reflejada en la ambientación, vestuario, música, coreografía y atinadas actuaciones de los integrantes de la Agrupación Teatral Coordinación. El segundo, con un espectáculo a medio camino entre la danza y el teatro que presentó un interesante juego onírico donde la pasión estuvo por encima de la razón.

La muestra hizo evidente muchas fallas de la anterior administración de la Compañía. Se hace necesario más rigor en los criterios de selección, una mejor supervisión de los montajes y, en especial, la orientación necesaria a los colectivos o individualidades de menor experiencia para que no desluzcan frente a la trayectoria de otros. Este es el reto de la nuevas autoridades del ahora Centro y tengo que desearles buena suerte porque el teatro venezolano será el beneficiado.

Funciones: 21, 22, 23, 24 y 25 de Noviembre de 2012

Teatro en Europa (y II)

Mi travesía teatral incluyó solamente Madrid y Londres. Además de los trabajos que confronté en la columna pasada, tuve la oportunidad de asistir a tres musicales.

El musical, hijo lejano de la ópera, mezcla la interpretación, la danza y el canto para crear un espectáculo total. Algo que sorprende de este género, es la capacidad que tiene para permanecer en cartelera durante años. Una de las razones que infiero es su presencia en ciudades turísticas, pero también resalto el riesgo y la capacidad de sus productores, la calidad de las propuestas y, sobre todo, la posibilidad de disponer de una sala que es adaptada a las necesidades del show. El turismo facilita la presencia de público, mientras que los demás aspectos hacen posible que se disfrute de un trabajo excepcional. Sin embargo, resalto el último aspecto porque el escenario del teatro es transformado en su totalidad para que funcione la maquinaria, tramoya y las trampas que cambian la escenografía y para sacar provecho al máximo de la iluminación.

Los musicales que la mayoría conoce son los que se realizan en Broadway, zona de Nueva York, sin embargo muchos ignoran que casi todos tienen su origen en el West End de Londres. Uno de los que pude apreciar fue la versión de Billy Elliot, escrita por Lee Hall, guionista original de la película, con música de Elton John y dirigida por Stephen Daldry, también director del film. La esencia del argumento se mantiene pero se refuerzan los deseos del protagonista con escenas y coreografías agregadas que se benefician de las composiciones musicales. La mejor escena es la parte en que Billy baila la suite del “Lago de los cisnes” con su imagen adulta.

También en Londres, disfruté de uno de los musicales del momento: Wicked. Este trabajo recrea lo que podría ser el origen de la bruja del Oeste y su amistad con la bruja del Este de la tierra de Oz. Una joven hija de un gobernador es despreciada por el color verde de su piel, aunque es inteligente y tiene habilidad para la magia. La escenografía y el vestuario son sorprendentes porque reflejan la fantasía propia de la historia. Con tintes melodramáticos, todo concluye con un giro que posibilita el final feliz para la protagonista.

Por último, en Madrid asistí a la impactante versión de El rey león, dirigida por Julie Taymor. Los personajes se convierten en títeres, marionetas y monigotes que permiten apreciar a los actores que los manipulan y les dan vida con su voz. Esta revelación de la teatralidad se refuerza con la escenografía y demás elementos simbólicos que proyectan a África y sus paisajes.

 

El periplo teatral europeo concluyó con estos musicales.

Funciones: 14, 15 y 16 de Noviembre de 2012

Teatro en Europa (I)

Por diversas circunstancias, estoy en Madrid y he disfrutado de dos espectáculos dentro de la variada cartelera teatral de la ciudad.

El grupo Simbolia presentó uno de sus "actos íntimos" llamado Orgíame, la depravación del yo. Este trabajo es presentando en espacios no convencionales como galerías, salas de casas y cuartos de hotel. Está basado en un personaje de Orgía de Pier Paolo Pasolini y es creado por el actor Santi Senso cuyo nombre es tan simbólico como el del grupo.

El acto íntimo consiste en una serie de monólogos que intentan conectar al espectador con un juego de sensaciones y emociones que empieza por la vista y el oído para terminar en el tacto. El actor se transforma en un niño que juega entre sombras bajo una sábana y cuenta historias con los espectadores como participantes debajo de ella. Luego, se transforma en un hombre reprimido sexualmente que domina a uno de los espectadores y concluye con la liberación completa a través del travestismo.

La audiencia participa activamente dentro del acto y se conecta con la fina ironía y expresividad del actor, pero la intención metateatral se agota rápidamente y se puede perder el interés. El teatro como síntesis pretende concentrar la información, premisa o tema del que trata en un tiempo limitado y se ajusta para transmitir un mensaje. En esta oportunidad, se logra pero el tiempo del trabajo se alarga y tiende a cansar hasta que se llega al final. Comprendo que cada público determina y cambia la propuesta, pero el tiempo puede limitarse en aras de ser más contundente.

En el sorprendente Centro de Arte "Matadero", el grupo residente Naves del Español presenta Los hijos se han dormido, versión de La gaviota del ruso Antón Chéjov, escrita y dirigida por Daniel Veronese. Este director argentino ha logrado fama con su capacidad de reinterpretar a varios clásicos del teatro o de poner en escena obras desconocidas de grandes autores. En esta ocasión, mantiene el nombre original de los personajes, el lugar y la esencia de la acción, pero apela a una visión contemporánea que juega con romper y revelar la teatralidad.

Los actores que empiezan la acción esperan al público y le dan la bienvenida para luego transformarse en los personajes de un drama terrible. Sorprende la capacidad de la dirección para mantener el trasfondo chejoviano, mezclar el paso del tiempo entre actos y manejar los múltiples conflictos de la obra sin descuidar el central: la madre castradora y el hijo sentimental incapaz de accionar para liberarse de su sombra. El elenco se luce con unas interpretaciones atinadas, intensas y reales.

El periplo teatral europeo continua.

Funciones: 10 y 11 de Noviembre de 2012