Publicidad teatral a través de la Red

Más allá de la publicidad tradicional, aquella que se aprovecha de la Red para difundir la cartelera teatral ha tenido gran auge en los últimos años.

Una de los sitios web más representativo es: “vayaalteatro.com”. En él, se puede encontrar información acerca del teatro para adultos, para niños, algunas presentaciones en el interior y otros espectáculos escénicos. Además, cuenta con diferentes secciones como: Galería teatral, Historia de nuestras salas y otros espacios para el reportaje y la crítica teatral, así como también una serie de guías sobre las escuelas de teatro, danza, talleres y concursos.

Mucho más reciente, es la presencia de: “alteatrosi.com”, otra iniciativa web que difunde la cartelera de Caracas. En este sitio, se destaca la búsqueda por día, género, teatro  o general; e incluye las secciones: Teatros, Concursos y Galerías.

Como parte de la divulgación del Festival de Teatro de Caracas, se creó el sitio “Puro Teatro Ccs” (teatroccs.org.ve), un espacio que se ha convertido en el medio para conocer las presentaciones en el centro y oeste de la ciudad.

Otros sitios de mayor amplitud son: “hoyquehay.net” y “tuparadacultural.com”. Ambos poseen un apartado dedicado a la información teatral que comparten con otras áreas para el entretenimiento y el ocio.

Por otro lado, la publicidad que se realiza a través de las redes sociales también compite con la tradicional, debido a la gratuidad del servicio, sin descontar que es necesario tener acceso a una conexión a Internet.

Siendo la red social de mayor presencia a nivel mundial, “Facebook” es la más utilizada para la difusión teatral en Venezuela. La creación de perfiles, grupos y eventos sirven para estar al tanto de lo que se está realizando. Los jóvenes creadores, y algunos de vieja data, ha utilizado los grupos: “Teatreros” y “Cómplices del teatro”, para hacer publicidad a su trabajo.

La segunda red en importancia es: “Twitter”, en la que casi todos los espacios y grupos teatrales tienen perfiles. Asimismo, se han aprovechado los blogs con sitios emblemáticos como: “ommproduccion.jimdo.com” y “caracasdosmascaras.blogspot.com”. Debo resaltar que todos los sitios web y los blogs, tienen presencia en facebook y twitter. En cambio, la red “Google+” no ha tenido una incidencia importante.

Por último, el auge de los teléfonos inteligentes ha facilitado el acceso a la información. Con las redes sociales a la mano, una mejor calidad de navegación móvil y el desarrollo aplicaciones descargables, el teatro que se realiza en Venezuela está más cerca de sus potenciales espectadores. Falta que ellos se decidan a asistir.

Acompañante peligroso

En la Sala Cabrujas de la Fundación Cultural Chacao, AMARCOR Teatro presentó El acompañante de Isaac Chocrón, dirección de Daniel Mago.

A menos de un año de la muerte de Chocrón, uno de sus textos volvió a escena para demostrar una vez más la importancia de su dramaturgia. Estela es una cantante de ópera venida a menos que vive aislada del lugar donde reside y que recibe a José, un joven que viene a optar por el puesto de pianista. Entre ellos, se sucede una entrevista que descubrirá los caracteres de sus protagonistas y en la que cantante y acompañante sacan a flote sus verdades por encima de la falsa apariencia que muestran.

La dirección se planteó a partir del estilo realista del texto. Los desplazamientos escénicos se desarrollaron en base a las situaciones que se presentan. De igual manera, los elementos escenográficos fueron los necesarios para la acción y se correspondieron a la época que marca el argumento: un piano con su banco, un mueble largo, un equipo de sonido con tocadiscos y una silla.

Sin embargo, la orientación que el director dio a los personajes se distancia del texto. El contraste entre Estela y José está marcado por la superioridad que ella demuestra sobre él. Ella se considera una diva y presume de conocer más de la vida, él es un joven de pueblo que esconde lo que realmente sabe y sus intenciones con ella. Esto no percibió cabalmente.

La diferencia entre los personajes se sintió más por aquello que dicen y que está escrito en el texto, que por lo que sienten o reflejan en su manera de vestir. El personaje de Estela pudo marcar más la prepotencia que justifique la posterior reacción de José y su desagravio planificado. Asimismo, José se comportó de una forma más comedida y, pon ende, contraria a la forma inculta que ella, constantemente, le echa en cara. Si él hubiera actuado de un modo menos educado, los monólogos en los cuales se presenta cómo en realidad es tendrían mayor significación en escena.

Por su parte, el vestuario se acercó más al estilo de Estela con ropajes casi operáticos, salvo en la parte final, y José estuvo ataviado con un correcto traje gris. El diseño de iluminación de Gerónimo Reyes crea ciertas atmósferas para marcar las situaciones más relevantes pese al limitado equipamiento de la sala.

En relación con lo que señala la dirección, las actuaciones están ajustadas. María Teresa Haiek como Estela presentó la forma del personaje y un buen manejo de los matices. Domingo Balducci como José fue veraz y sincero en las intenciones de su rol.

 

En definitiva, un trabajo con una producción correcta pero que podría adentrarse más en la esencia del conflicto que propone el texto.

 

Función: 18 de Agosto de 2012

¿Qué queda después de la lluvia?

En la Sala de teatro 2 del CELARG, el grupo Circuito de Arte Cénica presenta  Después de la lluvia, texto del catalán Sergi Belbel, coordinación de producción de Fernando Azpurua y Patricia Ramírez, y dirección de Ricardo Nortier.

En la azotea de un edificio de oficinas, funcionarios de distinto rango y condición social se reúnen para fumar a escondidas y en contra de las políticas de la empresa. Se confiesan entre ellos mientras fuman, aunque este vicio no es tan terrible como la vida que llevan.

Belbel crea una comedia agridulce que, como la mayoría del buen teatro contemporáneo, muestra los vínculos que se establecen entre los seres humanos. Le coloca nombres genéricos a los personajes como las Secretarias: rubia, pelirroja, castaña y morena. Con esto, los convierte en símbolos, no solo por la responsabilidad que representan sus cargos, sino porque cualquiera podría verse reflejado en ellos.

En correspondencia con el texto, la dirección se sitúa en la estética simbolista. El sentido de cada escena está bien manejado y en concordancia con el ritmo que marca la entrada y salida de los personajes. El concepto escenográfico, propuesto por el director, es funcional y sus espacios son aprovechados al máximo en la recreación de las situaciones. Además, refleja la locura presente en el argumento a través de la rampa inclinada por la que se deslizan los actores para salir de escena. Del mismo modo, el diseño de vestuario de Joaquín Nandez se percibe apropiado porque propone una uniformidad de colores para resaltar el uniforme de la empresa, sin bien le da un estilo particular a cada rol.

Las actuaciones están niveladas. Beatriz Valdés aprovecha todas las aristas de la libertina e indiscreta Secretaria Rubia. Es secundada por la eficacia de Eulalia Siso, la intensidad y veracidad de Malena González y la pertinencia de Rossanna Hernández, que interpretan a las Secretarias Pelirroja, Castaña y Morena, respectivamente. Por su parte, Haydée Faverola ofrece la forma corporal y vocal que requiere la Directora Ejecutiva. Destaco el trabajo correcto de Nortier como el Jefe Administrativo, la franqueza y fuerza de Agustín Segnini como el Programador Informático y la naturalidad de Jesús Cova como el Mensajero Local.

El montaje finaliza con la necesidad que tienen los personajes de emparejarse, de establecer una relación sin importar que sea frágil y, por ende, destinada al fracaso. La lluvia que por fin llega trae esperanza a su vida sin sentido, pero si ya transitaste la tempestad, ¿qué queda después de la lluvia? Por debajo de la risa de los espectadores, se debe esconder una mueca de amargura.

Función: 9 de Agosto de 2012

Absurdo teatral (II de II)

La novena edición del Festival Teatral de Autor (FESTEA) culminó con la participación de diversos grupos que celebraron “El universo del absurdo” a través de la dramaturgia de Jean Genet, Eugene Ionesco y Harold Pinter.

Durante la segunda semana, el teatro de Ionesco fue el protagonista con tres propuestas de una de sus piezas más conocidas: La lección. Este texto muestra el símbolo de la relación entre profesor y alumno a través de las posiciones contrastantes, el juego de palabras y las situaciones al límite que caracterizan al dramaturgo.

La primera versión, titulada La advertencia, fue realizada en tono de farsa por el Teatro Universitario UNESR y el grupo Centro Escénico. La dirección de Nino Villezuá debió conducir mejor la progresión dramática del texto.

Luego, el Grupo Trascendencia de Barquisimeto presentó la segunda visión, dirigida por Gregorio Milano. El concepto de este montaje fue el mejor logrado del festival. El sentido del texto se vio reflejado en la ambientación de libros y periódicos viejos, el vestuario de tonos oscuros y la proyección de palabras que iban desapareciendo durante la representación. Las actuaciones manejaron la simbología de los personajes, pero debieron conectarse más en lograr un ritmo progresivo.

Finalmente, la Compañía Teatral Lúdica de Brasil presentó una visión cargada de fuerza, claridad estética y actuaciones convincentes. La experiencia de sus intérpretes se dejó ver en escena.

Proveniente también de Brasil, la Compañía Teatral Parafonía trajo una creación colectiva a partir de La cantante calva de Ionesco. Situaciones bien manejadas y juegos metateatrales demostraron lo mejor del teatro del absurdo y sirvieron para redescubrir este clásico.

Por otro lado, la agrupación Sobretablas de Venezuela llevó a escena El rinoceronte, escrita también por Ionesco y dirigida por Jennifer Morales. La iluminación y música destacaron en este trabajo que reinterpretó las escenas de un texto que muestra el conflicto entre el individuo y la masa social, sin embargo requirió mayor integración del elenco.

Desde República Dominicana, Octubre Teatro montó una versión expresionista de Las criadas de Genet, aunque el concepto fue más resaltante que la interpretación. Las actuaciones se percibieron externas y en el terreno del teatro aficionado sin aprovechar la estética propuesta. Su mayor virtud fue el inicio y el final porque reflejaron los hilos que unen a las relaciones entre amos y criados.

Para el año que viene, el festival celebrará 10 años y estará dedicado a la dramaturgia de los venezolanos: José Gabriel Núñez, Johnny Gavlovski y Rubén León.

Funciones: 30 y 31 de Julio, 1, 2, 3 y 4 de Agosto de 2012

Absurdo teatral (I de II)

La agrupación Pathmon producciones organiza la novena edición del Festival Teatral de Autor (FESTEA) titulada: “El universo de lo absurdo” y está dedicada al francés Jean Genet, el rumano Eugene Ionesco y el inglés Harold Pinter.

Durante el festival, varias agrupaciones de jóvenes creadores tienen la oportunidad de exhibir sus propuestas en torno a las piezas de estos autores dramáticos. El Teatro Alberto de Paz y Mateos, el Teatro Nacional y el Espacio Artenativo son las sedes de las presentaciones.

En la primera semana, la dramaturgia de Pinter fue la más representada con tres visiones diferentes de El amante. La pieza es un clásico dentro de la obra de este premio Nobel de literatura porque critica a la clase burguesa con la historia de una pareja de esposos que consiente tener amantes. Sin embargo, la realidad del conflicto se descubre luego de un juego de apariencias.

La primera visión vino de la mano de EG Producciones y el Teatro Profesional de Lara, dirigida por Giusseppe Grasso. Titulada Mi amante, el director convirtió la obra en un musical y propuso unas actuaciones cercanas a la farsa, aunque cargadas de veracidad.

Luego, el grupo Arte latente, dirigido por Dionys Fuentes, exhibió una propuesta que no profundizó en el sentido de la obra. Colocó en escena a dos parejas que realizaron un juego de espejos mal resuelto y cuya interpretación se percibió externa, plana y sin ritmo.

Por último, Guarro teatro ofreció una visión contemporánea cargada de la intensidad y locura que subyace en el texto. La dirección de Francisco Díaz toma en cuenta las unidades de acción presentes en el medio la pieza y alrededor de la aparente tranquilidad de inicio y final.

Por otro lado, Horus teatro montó El montaplatos de Pinter. La dirección de Jaime Feliú no supo manejar el ritmo y ofrecer una visión actual que controle la progresión del conflicto y la verdad actoral, aunque presentó una ambientación muy pertinente.

También de Pinter, el grupo Trascendencia de Barquisimeto presentó Sketches de revista, con dirección de Julio Guerrero. Un trabajo preciso dentro la estética simbolista que decodifica el trasfondo de los textos cortos que lo conforman, junto a una introducción apropiada y un texto que refleja con ironía el habla de la juventud actual. Resalto el trabajo honesto y comprometido de sus jóvenes integrantes: María Helena Castañeda, Victoria Escalona, Iraidelis Figueroa, Diomar Silva, Carlos Durán y Francisco Moreno.

Para la segunda semana del festival, estarán las Compañías Teatrales Lúdica y Parafonia, provenientes de Brasil, además de Otoño Teatro de República Dominicana.

Funciones: 25, 26, 28 y 29 de Julio de 2012

Tempestad multimedia

En el Teatro Municipal de Chacao, la agrupación Cirque parallel presentó La tempestad, un espectáculo visual – musical, idea original y guión de Ximena Borges con producción, dirección e imagen del artista plástico Jacobo Borges.

Esta propuesta escénica se ubica en el terreno de lo multimedia porque integra los elementos propios del teatro y el uso de las nuevas tecnologías. A lo largo de diez interpretaciones musicales de creaciones de Handel y Mozart, la soprano Ximena Borges nos guía por la calma anterior, el desencadenamiento, el ímpetu, la culminación y posterior equilibrio de una tempestad, acompañada visualmente por la obra plástica de Jacobo Borges. Así, padre e hija crean un trabajo de sensaciones visuales y auditivas.

La escenografía está constituida por cubos blancos que se ubican en hileras o cuelgan para contrastar con la horizontalidad del escenario y la cantante usa un vestuario negro que acompaña con capas de colores. La historia es desarrollada junto a proyecciones concebidas por Jacobo Borges que presentan cada escena y plantean un impresionante juego visual.

Sin embargo, la forma de lo visual  y las impresiones del sonido se imponen sobre el contenido. Tiene mayor fuerza aquello que se ve, el disfrute de lo plástico y el efecto que produce la interpretación en vivo del canto y la música que lo acompaña por encima de un argumento que se desarrolla de manera sutil y que podría ser más contundente.

De ahí, que este espectáculo requiere de una revisión en la dirección escénica para dar mayor justificación a los desplazamientos la cantante, a las acciones y emociones que realiza con su cuerpo y al sentido de los movimientos de la escenografía. Las expresiones y traslados de Ximena Borges sobre el escenario lucen muy marcados pero no internalizados, así como el decorado se mueve sin relación a la escena que está ocurriendo y se utiliza más como un soporte para las proyecciones. Solamente, en la escena en que la tempestad se desata, se propone un movimiento giratorio que refleja cabalmente la intensidad de la lluvia y las corrientes del agua.

Por otro lado, debo destacar la encomiable capacidad vocal de Borges como Soprano y su vigor para interpretar a Handel y Mozart, acompañada del Ensamble RicercArte: Boris Paredes, Inés Bravo, Berushka Paredes, Alexander González, Manuel Hernández y Rubén Guzmán. Este colectivo musical se convierte en otro pilar más de la escena con su trabajo pertinente.

Pese a los detalles, el espectáculo demuestra un esfuerzo de producción con una propuesta original que pocas veces se ve en la escena capitalina. Un riesgo que debe aplaudirse.

Función: 20 de Julio de 2012

Exiliados de la memoria

En la Sala José Ignacio Cabrujas de Cultura Chacao, Producciones Con los pies en la tablas presenta Nuestra Señora de las nubes, texto original de Arístides Vargas, producción de Indira Jiménez, versión y dirección de Luis Bernal.

Bruna y Oscar son dos exiliados que recuerdan con nostalgia a Nuestra Señora de las nubes, su país. En sucesivos encuentros, durante los que deben hacer memoria para reconocerse de nuevo, representan historias de los habitantes de su tierra para conectarse con un sitio al que ya no pertenecen.

El texto sigue la línea poética de este dramaturgo en la que los actores interpretan varios personajes a la par de una trama central. El país llamado “Nuestra Señora de las nubes” simboliza un sitio que no tiene asidero, un estado mental de algo que se evoca. Representa la condición de los exiliados que van perdiendo la memoria del lugar al que pertenecían y los recuerdos se convierten en un recreación de lo vivido porque no se pueden reconstruir.

La dirección trabaja con el espacio vacío que va cambiando con el uso de dos maletas grandes y elementos de utilería que los actores sacan de ellas. Esta estética, que forma parte del diseño de escenografía y asesoría de Armando Zullo, revela la teatralidad y se corresponde con la forma en que los recuerdos van apareciendo en el texto. Por su parte, el vestuario de Efrén Rojas ofrece un estilo realista en los protagonistas y da rasgos simbolistas a los otros personajes, mientras que el equipamiento de la sala limita el diseño de iluminación de José Pérez.

Además, el director crea una planta de movimientos que resuelve el contenido lírico del texto y ofrece variedad en cada situación. Sin embargo, todavía hay que ajustar el ritmo en las escenas finales y, en especial, en las pausas entre las escenas. Los cambios de ambientación y de vestuario se hacen más lentos con el transcurrir de la representación, lo que perjudica el sentido y la fuerza del desenlace.

Las actuaciones se perciben correctas pese a las dificultades de interpretar varios roles pequeños. Alma Blanco como Bruna es pertinente en sus matices y ofrece una energía e intención distinta en cada papel. Luis Bernal como Oscar es veraz en la forma sosegada de asumir el rol. Por momentos, debe controlar la tensión que muestra para que los cambios entre un personaje y otro fluyan mejor.  Ambos, deben cuidar un poco la dicción en las escenas que requieren mayor velocidad en el decir. 

En conclusión, un trabajo cabal y honesto que refleja los sentimientos de quienes han tenido que abandonar su patria y de aquellos que, por diferentes razones, podrían sentirse exiliados en su propio país.

Función: 15 de Julio de 2012

Casting a la fuerza

En la Sala experimental del Centro Cultural BOD-Corpbanca, el Centro de Directores para el Nuevo Teatro presenta Casting express, escrita y producida por Marcos Purroy, y dirigida por Daniel Uribe.

La obra trata del secuestro a Sonia Ibarra, una reconocida actriz de televisión, por parte de Charly Boom, un extra. Apoyado por Lucy Reynolds, su novia, el secuestrador le presenta un casting a la víctima con la intención de demostrar sus habilidades histriónicas y, así, conseguir que lo contrate para un papel importante, pero todo se resuelve con un juego de mentiras y traiciones a favor del rating televisivo.

El argumento toca temas del negocio del espectáculo, como la actriz de trayectoria que desea mantener su carrera, los extras que buscan la fama a toda costa y la cadena televisiva que desea conseguir el rating sea como sea. Además, ofrece guiños a tópicos más bajos pero comunes en esta industria: el artista reconocido de edad madura que se acuesta con jóvenes, las infidelidades entre parejas del mismo medio o los productores que ofrecen trabajo a cambio de sexo.

El texto está bien construido en la estructura clásica del teatro: unidad de acción, de lugar y de tiempo. La acción corresponde al casting y su desarrollo, el lugar es el sótano de la casa en la que vive Charly y el tiempo se desenvuelve de forma lineal con algunas pausas.

La dirección maneja una estética realista que se aprecia en la resolución de las situaciones, aunque agrega innecesariamente una coreografía y una canción que no aportan nada a la trama. La ambientación está representada por el sótano decorado con elementos que recuerdan a los musicales norteamericanos. De igual manera, esto se observa en el vestuario que le da un estilo de elegancia a Sonia, Charly refleja la forma de vestir de Chaplin y Lucy está vestida más juvenil.

En la actuaciones, se destaca Wilfredo Cisneros como Charly porque demuestra un buen manejo de la voz y el cuerpo. Siempre mantiene la intensidad y veracidad sin desaprovechar los estados de perturbación y franqueza por los que pasa el personaje. Por su parte, Sonia es interpretada de forma cabal por Julie Restifo. Ella mantiene el equilibrio entre el miedo del secuestro y la molestia que le produce hasta que revela su verdadero ser: la vanidad. Por último, Josette Vidal como Lucy se percibe correcta en la corporalidad y enérgica en el decir pero debe ajustar esa fuerza a las intenciones del personaje. No es solamente decir el texto con fuerza, sino acompañarlo del matiz ideal sin exagerar. 

En definitiva, una comedia de final agridulce que da a conocer una parte del llamado “show business” local.

Función: 6 de Julio de 2012

Rostros de la vejez y la mediocridad

En la Sala de teatro 2 del CELARG, la agrupación Artgnosis presenta Por la cara, texto del griego Giorgos Dialegménos, producción de Karla Fermín y dirección de Costa Palamides.

El argumento trata de una actriz retirada que vive con su hermana y pasa el día comentando sobre sus recuerdos y la rutina que vive hasta que se le presenta la oportunidad de trabajar en un comercial de televisión. Una historia que, a primera vista, parece sencilla pero que posee un trasfondo más amplio.

La trama se adapta al entorno venezolano sin cambiar su esencia. Dividida en tres actos, al principio trata sobre la rutina de la vejez y la terrible pérdida de la memoria que conlleva. Las dos hermanas recuerdan su vida pasada, sus conflictos y lidian con otro hermano cuyo pensamiento se ha degradado. Luego, la ilusión de participar en el comercial les cambia la rutina pero la mediocridad del director de televisión y su incapacidad de darse cuenta de esto augura un final desastroso. Este pronóstico adquiere más fuerza con la presencia del otro protagonista del comercial, vestido de forma patética como Santa Claus y cuyo pasado sale a la luz. El sueño frustrado y la vuelta a la rutina son los temas del final.

La dirección realiza una puesta en escena realista enmarcada en una escenografía sencilla conformada por un gran estante al fondo, dos sillas y dos mesas pequeñas ubicadas ambos lados del escenario. El primer acto, sin conflicto aparente, se desarrolla poco a poco aunque podría poseer más ritmo en la discusión de las hermanas y, de esta manera, tener correspondencia con el segundo acto en el que todo fluye mejor. El desenlace mantiene el tono justo. Por otro lado, la propuesta de iluminación podría ser más demostrativa de las situaciones.

Las actuaciones están equilibradas. Nirma Pietro y Norma Monasterios como Susana y Teodora Rodríguez, las hermanas, se perciben honestas. Asimismo, ocurre con los trabajos veraces de Ludwig Pineda como Germán Cardona, el director, y Adolfo Nittoli como Lucas. Los acompaña la labor pertinente de Karla Fermín en su pequeño rol de Sofía, asistente del director. Destaco la presencia del maestro Gonzalo J. Camacho que realiza una interpretación sutil y cabal de Basilio Rodríguez, el hermano que ha perdido la memoria.

El título del texto alude a la razón por la que el director del comercial escogió a sus protagonistas: por su cara. Los rostros ofrecen las primeras impresiones de las personas, pero muchas veces no reflejan sus secretos. En este trabajo, aparecen rostros de la vejez y la mediocridad, semblantes que están muy presentes con acentos diferentes en la realidad venezolana.

Función: 30 de Junio de 2012

Relaciones al límite y textos irrespetados

En el Teatro Trasnocho, el Grupo Actoral 80 presenta Una lluvia constante, texto de Keith Huff y dirección de Héctor Manrique, y Mimi Lazo Producciones exhibe High (Alto), escrita por Matthew Lombardo y dirigida por Luis Fernández.

Ambos textos de autores norteamericanos tratan sobre las relaciones humanas llevadas al límite y con consecuencias fatales para uno de sus protagonistas. El primero pone en escena a dos policías cuyo sentido de la amistad es la agresión y la traición. El segundo trata de la fe y la adicción cuando una monja intenta ayudar al sobrino de un cura.

En Una lluvia constante, el director escenifica cabalmente los relatos de los policías enmarcados en una escenografía que refleja la decadencia de sus vidas, aunque Héctor Manrique e Iván Tamayo lucen repetitivos de sus anteriores trabajos actorales. Tamayo mantiene un mismo tono y propone una intensidad que surge de forma inverosímil. Manrique da mayor variedad a los matices del personaje pero rompe los momentos dramáticos con gestos e improvisaciones que llevan innecesariamente a la comedia. La tensión del conflicto debe ir aumentando con la trama pero ambos se muestran tan intensos desde el principio que no permiten que esto suceda.

En High, se propone una escenografía minimalista y simbólica que se aprovecha en todos sus espacios y contrasta con lo degradante de la historia, si bien el desplazamiento actoral es muy básico y poco significante. En las actuaciones, Carlota Sosa luce desconcentrada y imprecisa en el texto, además de conectarse de forma externa con los sentimientos del personaje. Luis Fernández maneja mejor las intenciones, aunque se ubica repetidamente de espaldas al público e injustificadamente asume el rol de asistente de escena porque arregla y organiza todos los elementos de escenografía y utilería durante la representación. Christian McGaffney ofrece un interesante trabajo vocal y corporal que daña cuando se enajena y grita sin que nada de lo que dice se entienda. 

Lo más preocupante de ambos montajes es que adolecen de un respeto hacia el texto original debido a que su estructura y progresión se rompe con lo que, en el medio teatral, se denomina “morcillear”. Este término se refiere a las frases que buscan la risa fácil del espectador y que se agregan sin justificación durante la representación. Por esto, me pregunto: ¿dónde queda la capacidad de un actor para ser preciso en su trabajo y respetar la creación de un dramaturgo? Que un personaje crezca a lo largo de una temporada no significa que se deba improvisar y dañar un texto, significa que hay una mayor conexión y entendimiento del rol.

Funciones: 24 de Junio de 2012, ambos montajes.