Entre lo novedoso y lo tradicional

Novedoso: La agrupación laboratorio Mushka Kuminata junto al grupo Coco y Nene hermanos presentaron dos trabajos de teatro físico en el Teatro Luis Peraza de Los Chaguaramos. Estos colectivos han optado por buscar otros lenguajes dentro de la actividad teatral al prescindir de la palabra y darle preponderancia a la expresión corporal. Lo cotidiano adquiere otro nivel, una nueva interpretación, una lectura diferente a lo común en las propuestas de El hogareño y el estreno de Un mal encajado. En la primera, el tema del poder y la sumisión es evidente, aunque al final se llegue a un acuerdo. Una mujer dirige como si fuera un perro a una bolsa que camina para presentar a un amo y su criado que exteriorizan sus diferencias resaltando el miedo a no cumplir con el deber por parte del criado y la pedantería del amo, aunque al final puedan compartir un original ejercicio de malabarismo a cuatro manos. En la segunda, lo lúdico es el punto de partida para que una pareja resuelva sus conflictos. Mujer y hombre llevan al extremo la pelea e intercambio de roles en donde una cuchara es arma, objeto del deseo y símbolo del poder hasta que la relación llega a lo extremo cuando da origen a la presencia de un bebé que termina siendo devorado por los dos personajes. Los dos interpretes principales, Sophía Rodríguez y Wilson Raúl Vargas, demuestran una extraordinaria capacidad corporal con el uso de la danza, la manipulación de objetos y la acrobacia para representar cada situación escénica y hacerla comprensible. La presencia de nuevos lenguajes y de agrupaciones que los exploren siempre es importante en el ambiente teatral venezolano.
Función: 27 de Noviembre de 2008
Tradicional: Cultura Chacao presenta Tostao en la Sala José Ignacio Cabrujas de esta fundación, ubicada en Los Palos Grandes. Esta es la segunda temporada del montaje realizado a partir del texto original de Soledad Morillo Belloso que cuenta la historia de la primera taza de café que se tomó en Chacao. La primera temporada estuvo impregnada por la tradición e historia de este municipio, tanto que el Estudio Coral Chacao, dirigido por el maestro Raúl Delgado Estévez, acompañó el relato con composiciones de la emblemática Escuela de Chacao, movimiento pionero de la música en la Venezuela del Siglo XVIII. Ahora, la época decembrina adquiere relevancia con la adaptación de Ramón Esteban Martínez, quien le da más teatralidad a la pieza al plantear un conflicto y resolución que no estaba presente anteriormente. La agrupación coral sigue participando con canciones navideñas para demostrar una vez más su excelencia. Virtudes Gil, apropiadamente interpretada por Diana Volpe, es la protagonista que guía al público a través de un viaje en donde el pasado, las costumbres y la gastronomía se mezclan para fortalecer la memoria de un municipio. Ella se acompaña de la fiel criada Elvira Remedios Gil, compuesto con hilaridad por Rosa Mirabal, quien apoya el relato e intenta producir un cambio en Virtudes. El vestuario de Raquel Ríos y la escenografía de Daniel Hernández reflejan correctamente la época. La dirección artística de Francisco Salazar y la coordinación general de Iván Oropeza y Betsy Cáceres articulan todos los elementos de este sencillo pero apreciable trabajo.

Función: 28 de Noviembre de 2008

Encuentros y desencuentros

Encuentro: En varias salas de Caracas se realizó el Encuentro Teatral para la Juventud y por la Integración organizado por el IAEM (Instituto de la Artes Escénicas y Musicales) que pertenece al Ministerio de la Cultura. De los grupos provenientes de varios países, pude apreciar tres montajes con diferentes niveles de creación. El grupo de teatro La Candelaria de Colombia presentó De caos & deca caos, un trabajo de creación colectiva en el que critican a la clase burguesa desarrollando pequeñas historias en diez escenas, si bien cuatro en ellas se quedan en lo externo y evidente sin profundizar en los conflictos que plantean. El grupo Justo Rufino Garay de Nicaragua y el Teatro de los Andes de Bolivia trajeron dos obras relacionadas con la violencia de género y sus consecuencias en los hijos. De Nicaragua, Sopa de muñecas plantea una puesta en escena expresionista muy bien lograda en movimiento e iluminación, aunque las actuaciones se observan sobreactuadas y poco orgánicas. De Bolivia, ¿Te duele? demuestra la trayectoria de su director César Brie que sabe concatenar actuación, puesta en escena, iluminación y escenografía. Estos encuentros adolecen de una verdadera campaña de difusión que permita abarrotar las salas en cada una de las funciones, como siempre sucede cuando este ministerio organiza congresos, convenciones o reuniones en cualquier ámbito de la cultura y solo unos pocos asisten.
Funciones: 18, 19 y 20 de Noviembre de 2008
Desencuentro: La compañía teatral Prometeo viene presentando en la Sala Experimental del CELARG el montaje de Rosa de dos aromas, original del mexicano Emilio Carballido, con producción general y dirección de Noel de la Cruz. El argumento de esta pieza se refiere a dos mujeres que coinciden en una sala de espera para encontrarse con su esposo preso, el cual resulta ser el mismo hombre. De esta forma, luego de una serie de desencuentros deciden unir fuerzas para sacarlo de la cárcel, aunque al final opten por su beneficio personal y como venganza para todas aquellas mujeres que ha sido traicionadas por sus parejas. De la Cruz resuelve cada escena con pocos elementos y apela a la imaginación del espectador para recrear cada uno de los espacios en donde se desarrolla la acción. Con dos sillas y dos mesas como instrumentos principales logra representar la sala de espera, un apartamento, una cafetería y una peluquería, apoyándose en su preciso diseño de iluminación y demostrando que las convenciones teatrales se imponen a un excesivo e innecesario realismo en la escena. Por otro lado, este director guía sabiamente a sus actrices hacia la organicidad, manejo de intenciones y composición pertinente de sus personajes. Sin embargo, el mayor logro lo alcanza Mariana Gil como Marlene, que vocal y corporalmente refleja el maquillaje y vestuario extravagante con el que se propone el personaje. Gabriela, la mujer legal, (personaje que asume también Marianella Oviedo) fue interpretada por Danique Weil quien sortea varios problemas de dicción y de manejo del ritmo escénico. Para ella no fue una buena función. En el ambiente teatral venezolano se ha hecho presente cada vez más estas obras de pequeño formato que muchas veces dicen más que otras producciones con presupuestos holgados pero vacías en contenido.

Función: 22 de Noviembre de 2008

Un director alemán y un montaje brasileño

Desde Alemania: El importante director Frank Castorf, encargado de la compañía teatral berlinesa Volksbühne, se encuentra en Caracas para ofrecer un taller en torno a La misión, pieza del notable dramaturgo Heiner Müller. Asimismo ha venido dictando varias conferencias sobre el teatro que dirige y su significativo trabajo teatral. Una de sus conferencias se realizó en el Centro Cultural Chacao de El Rosal con el apoyo del Göethe Institut. En este evento, los asistentes pudimos disfrutar de sus diversas opiniones sobre el teatro y conocer de buena fuente acerca de la estructura teatral alemana y su vinculación con las comunidades. Dentro de las reflexiones de Castorf, la frase que más me llamó la atención tiene que ver con la sociedad actual, debido a su clara relación con el contexto teatral venezolano e incluso con el modo en que nos desligamos de lo que sucede en el país. Parafraseando, dijo que al no seguir los juegos de la sociedad, aparece la indiferencia. Nuestro teatro juega a esa indiferencia con los acontecimientos del día a día, no se compromete totalmente a hablar de la realidad y por eso podría calificarse de “teatro de evasión” como expresó una mujer en las intervenciones posteriores a la conferencia. A través del uso de una serie de metáforas (en muchas de ellas juega con la ironía y lo cómico), este prestigioso director conecta al teatro con la vida, con el compromiso de decir sin miramientos. Por esto, adquiere relevancia la presencia de creadores extranjeros que tengan trayectoria como Castorf.
Presentación: 18 de Noviembre de 2008
Desde Brasil: Un grupo de UNIRIO (Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro) trajo a Venezuela la pieza Depoimentos às Terras do Brasil, a cargo del reconocido director venezolano Orlando Arocha. Este montaje se basa en documentos que registran las confesiones recogidas en actas durante la época de la inquisición portuguesa en Brasil y es producto de la investigación para crear un espectáculo de dramaturgia colectiva. La puesta en escena tiene al estatismo como punto de partida. Cada uno de los personajes se sienta en una silla para expresar su confesión, se van despojando al hablar de lo que consideran es un pecado cometido y llegan hasta el absurdo de manifestar situaciones o frases que nada tienen que ver con la culpa. Al principio, cada personaje usa pequeños gestos, muy comedidos, lo que luego aumenta progresivamente para hacer más externa y evidente la confesión. Esto hace que el ritmo escénico sea llevado por la elocuencia del texto acompañado de la sutilidad en los movimientos hasta que la gesticulación se impone o refuerza lo que se dice para permitir al público comprender las situaciones y poco a poco profundizar en ellas. El elenco conformado por Alexandre Rudáh, Camila Bastos, Cátia Weiler, Clara Colin, Flávio Ozório, Marcello Vilar, Mona Magalhães, Nina Vincent, Pedro H. M. Lopes, Rodrigo Alves Reinoso, Sandra Rodríguez y Tatiana Sobral ofrece naturalidad a sus personajes aun cuando haya poca o mucha intensidad en sus intenciones permitiendo que sea muy real lo que expresan. Las propuestas de vestuario y escenografía de esta obra le dan un sentido contemporáneo cuando todavía vivimos en Latinoamérica con el miedo a expresar nuestra ideas.
Función: 15 de Noviembre de 2008

Seducción y Sexismo en Latinoamérica

El antiguo Instituto Universitario de Teatro (Iudet) circunscrito dentro de la nueva Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte – teatro) ofrece desde hace algunos años, a todos aquellos que posean experiencia teatral, la posibilidad de obtener el título de Licenciado en Teatro en diferentes menciones. Este programa denominado Profeser por “Profesionales en servicio” incluye dentro de sus estudios una asignatura que se denomina “Montaje Profesional” y un grupo de sus primeros graduandos presentó el espectáculo Don Juan en San Juan, una versión realizada y dirigida por Costa Palamides, basada en los textos de Tirso de Molina, Moliére y Zorrilla. La historia de este famoso personaje se ubica en Latinoamérica y parte desde Venezuela para hacer de las suyas en Puerto Rico, Argentina y Brasil. En la versión se trata de mantener la esencia del texto original a través del uso del verso y de desarrollar hábilmente la historia completa en una hora, desde una serie de escenas en que varias mujeres son engañadas por Don Juan hasta su muerte producto de una venganza que proviene del más allá. Esta lectura de la trama funciona, en especial por ubicar a nuestro continente como contexto y por acompañarla de la música de cada país, al igual que puede observarse la viveza, la corrupción y la creciente reivindicación de la mujer, aspectos que rodean al latinoamericano actual para bien o para mal, según se vea. La mayor responsabilidad lo llevan los graduandos de la mención actuación, destacando a Delbis Cardona como Don Juan que emplea el cuerpo como medio expresivo y la voz de forma muy impostada al principio, aunque luego se presenta más desenvuelto cuando logra la naturalidad necesaria. También se encuentra Ludwig Pineda como el fiel criado Catalinón, oportuno en voz y cuerpo. El resto del elenco integrado por Daifra Blanco, Ximena González, Doris Hoyos, Lesbia Landínez, Gloria Núñez y Gryselt Parra conforman a las mujeres traicionadas y que al final consiguen vengarse, junto a César Renavales. Este grupo posee buena energía y disposición, sin embargo se les hace cuesta arriba el trabajo de decir el verso, lo que adquiere mayor dificultad debido a que debieron utilizar un acento caribeño, portugués o sureño para sus personajes, haciendo complicado el entendimiento de lo que decían. En cambio, su desempeño en el canto consiguió mejores resultados al interpretar una variada selección musical que ubica la público en el sitio donde se desarrolla la acción. De la mención gerencia y producción, Orlanis Barreto en la asistencia de dirección, la producción artística de Karl Hoffman e Illary Valdéz, la producción técnica de Dennis Alves y Firelley Blando, la producción gráfica de Carlos Rojas y la producción general de Carmen Jiménez demuestran la experiencia ganada a lo largo de los años y complementada con estos estudios. Los acompaña en el vestuario Katherine García, estudiante de la mención diseño, que bosqueja con certeza cada atuendo en los diferentes ambientes que se propusieron. Este producto se debe al trabajo constante de Palamides que con una puesta en escena sencilla articuló un montaje que comienza una nueva etapa en los procesos de formación de la naciente Unearte – Teatro.

Función: 2 de Noviembre de 2008

Una posición del teatro histórico

En la Sala de teatro 1 de Celarg se presentó el monólogo Allende, la muerte de un presidente del periodista argentino Rodolfo Quebleen. Este autor emplea documentos y grabaciones obtenidas del 11 de septiembre de 1973 para recrear el momento culminante del golpe militar en contra del presidente chileno Salvador Allende, aunque deja abierto el desenlace cuando no toma posición acerca de si fue asesinado o se suicidó. El montaje de la obra es dirigido por Luis Fernández y producido por Mimí Lazo. El reto este unipersonal lo asume Roberto Moll, quien posee muy buena energía y crea de manera orgánica su interpretación, sin embargo parece requerir más apoyo en la dirección actoral porque el personaje posee una gama de emociones que se queda muy plana sin conseguir la transición entre una y otra, lo que se percibe diferente cuando las inflexiones de voz del actor nos acercan al drama del personaje, algo que puede reforzarse. De la misma manera es importante tomar el cuenta el manejo de la utilería, que luce torpe a ratos. Uno de los problemas que poseen los monólogos es que no se basan en el diálogo, sino que el desarrollo de la acción se relata hacia el público. A pesar de darle peso algunas situaciones en primer plano o en el borde del escenario, la puesta en escena de esta pieza pretende que el actor se exprese como si estuviera encerrado en el despacho en que Allende pasó sus últimos momentos y se ubique frente al público solo al final de la representación. Esto no permite apreciar el desplazamiento escénico debido a que el actor se esconde detrás de la escenografía en reiteradas ocasiones cuando se sienta, se traslada hacia atrás o emplea el piso; si bien los movimientos constantes por todo el escenario reflejan el estado de intranquilidad que debe haber vivido Allende al encontrarse en esa situación. La propuesta del espacio escénico se observa muy contemporánea, en especial por el diseño de mesas y sillas, pero logra de buena manera representar el despacho al emplear objetos como teléfonos de la época que, aunque son anacrónicos, sirven para el desarrollo del argumento. Esto se apoya en iluminación de José Jiménez que emplea varias de las posibilidades de la luz blanca para darle mayor sentido a los estados emocionales de personaje, como usar un solo foco que refuerza la soledad que siente o cuando el uso de la luz lateral lo reviste de dureza. Solo crea un ambiente rojo que hace evidente su lucha por los derechos sociales. Dos proposiciones de la puesta en escena lucen injustificables y efectistas, cuando un personaje designado como soldado empieza la obra con una vestimenta manchada de sangre y se traslada llevando un mesa rodante con recipientes médicos, lo que no significa nada dentro del desarrollo posterior del monólogo, además del final en el que una especie de sangre artificial cae al escenario cuando la frase que concluye el espectáculo transmite por sí sola la imagen de mártir que asume Allende. Más allá de todo esto, el texto funciona como reconstrucción histórica y en la premisa que pretende comunicar, especialmente para el grupo social al que se pudo haber orientado la selección de esta pieza, lo que se aprecia en la reacción del público al momento del aplauso.

Función: 1 de Noviembre de 2008

Un pasado generacional y otro mitológico

Generación: En la sala experimental del Celarg, se presenta una nueva temporada de Lo que Kurt Cobain se llevó de Karin Valecillos con dirección de Jesús Carreño. Esta obra de la agrupación Tumbarrancho teatro tiene como argumento la historia de tres jóvenes que rondan los treinta años y se sienten marcados por todo lo que representó el líder del grupo musical Nirvana, por eso se reúnen cada año a celebrar el día de su muerte para discutir sin en realidad se suicidó o fue asesinado por su esposa. El día en que se sucede la acción dramática es el día en que todo cambiará, en que cada personaje reflexionará de cómo ha llevado su vida y dejará atrás a una generación que soñó maneras cambiar el mundo si bien nunca alcanzó nada. Con una puesta en escena realista que se refleja en la escenografía y el vestuario, la dirección de Carreño logra que la interpretación se mueva en el terreno de lo natural y verdadero para que el público pueda comprender los conflictos que viven los personajes y fije una posición. Los instantes de estatismo buscan darle más peso a las emociones de Ariadna, Ricardo y Cheo, representados por Natalia Paolini, Giovanni García y el mismo Carreño, respectivamente. De ellos, destaca la organicidad y fuerza de García, junto a la sinceridad e hilaridad de Carreño. Paolini consigue el realismo de la propuesta, sin embargo en los momentos de intensidad se observan problemas de respiración y tensión en la voz. El acompañamiento musical de Abogados de Murphy y la sutil iluminación de Alfredo Caldera se acoplan a esta reflexión de una época.
Función: 24 de Octubre de 2008
Mitología: También en el Celarg, pero en la Sala de Teatro 2, vuelve a escena la pieza infantil El popol vuh de Xiomara Moreno Producciones. La temporada será a partir del 1 de Noviembre, aunque ya han tenido varias funciones especiales. Esta obra es una adaptación de Xiomara Moreno sobre el libro que contiene el mito de creación de los indígenas mayas. En él se desarrollan varias historias acerca de lo que tuvieron que pasar los dioses antes que pudieran hacer de maíz a los seres humanos. El elenco se presenta equilibrado en el desempeño actoral con Nelson Lehmann interpretando El Hombre de Maíz, especie de narrador que permite al público adentrarse en cada relato, acompañado por Mayte Parias como la Diosa abuela, Roberto Romero como el Dios Hermano Maestro Mago y Héctor Castro como el Dios Hermano Brujito, tres personajes protagonistas debido a que llevan la acción y serán los encargados de crear a los hombres y mujeres. También participan Raúl Hernández como el Gran Gigante, Gavilán y Murciélago junto a Jesús Vieira encargado de los personajes antagonistas como lo son Gran Guacamayo y el Rey de Xibalba. La uniformidad estética del espectáculo, que atrapa por su colorido al público infantil, se da gracias a la escenografía de Valentina Herz y el vestuario de Raquel Ríos, además de lo tocados y títeres de David Morales. La dirección de Javier Moreno resuelve de manera satisfactoria cada escena y le da fluidez al desarrollo de las historias. Este montaje recibió el Premio Municipal de Teatro 2005 y Mejor producción en los premios del TIN -Teatro Infantil Nacional-, por lo que se constituye en una opción recomendable para niños y niñas.

Función: 24 de Octubre de 2008

El teatro in-visible invade a Caracas (y III)

Concluyó la VII Muestra Internacional de Teatro y Títeres en la Comunidades de Caracas, permitiendo la proyección de un gran número de colectivos teatrales de todo el país y del exterior con la difusión de sus propuestas, que tuvieron como escenarios distintos puntos culturales y salas convencionales ubicadas en las parroquias capitalinas. El Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela, con Alberto Ravara en la dirección general, denomina a esta muestra como “la fiesta de los invisibles”, debido a que los participantes nacionales son muchas veces desconocidos por el público en general, pese a que algunos poseen varios años de trayectoria. Por eso, se le da cabida en la programación para que puedan dar a conocer lo que hacen o han hecho a lo largo del tiempo. Un segmento de la actividad teatral que abarca este festival lo constituye el teatro de títeres y marionetas, dentro del cual es necesario resaltar la labor de dos agrupaciones. La primera es Manos a la obra; proveniente de Córdoba, Argentina; con Neum y el libro secreto, escrita e interpretada por Rubén Di Mauro. Este trabajo de títeres resalta por la admirable capacidad de manejo de los muñecos, el amplio registro vocal que posee el interprete para diferenciar a cada personaje y la manera sutil en que lo didáctico se cuela dentro de la historia. La segunda es Charlot Teatro de Muñecos que, desde el Estado Zulia, trajo el montaje de marionetas denominado Villafañe. Con diferentes juegos escénicos, Manuel Parra y Yurnel Silva muestran sus habilidades como marionetistas al manipular varios personajes que muestran la importancia del estudio, la confianza en sí mismo y las consecuencias de la mentira. Si bien es preciso recortar un poco el prólogo y no abusar de la interacción con la audiencia infantil, la aparición de los actores dentro del teatrino para discutir el desarrollo de la historia y la salida de los personajes para desplazarse entre el público demuestran lo bien pensado que está el espectáculo para el disfrute de niños y niñas. Entre otros trabajos que destacan se encuentra el grupo Tempo - Teatro Estable de Misiones Posadas – de Argentina con el montaje de Aeroplanos, escrita por Carlos Gorostiza y dirigida por Luis Andrada. En él, dos viejos amigos recuerdan el pasado y tratan de sobrellevar el presente a pesar de la enfermedad de uno de ellos y el desprecio familiar del otro. Guillermo Fascetto y Bubi Demaio representan con propiedad y naturalidad a los dos amigos que se encuentran sentados en la mayoría del desarrollo de la pieza, demostrando que sólo unos excelentes actores mantienen el interés del público por su actuación y que Andrada asume en la dirección un evidente estilo relista por el sentido del texto. No puedo dejar de nombrar a Expresión mágica, una oportuna obra teatro de calle presentada por Sociedad Urbana de Carabobo, que critica varios aspectos de la civilización actual. El cierre que estuvo a cargo de Río Teatro Caribe con Sueño de Golpe, donde exploran las relaciones entre hombres y mujeres a través del imponente uso de lo que llaman danza aérea. Espero que esta muestra se siga realizando en beneficio de los grupos que participan y del teatro venezolano.

Funciones: 14, 15, 16 y 19 de Octubre de 2008

El teatro in-visible invade a Caracas (II)

Continúa la VII Muestra de Teatro y Títeres en las Comunidades de Caracas. El teatro de calle ha tenido un sitial importante porque su misma particularidad le permite presentarse en espacios no convencionales de las distintas parroquias que abarca la programación. El grupo español Tres Tristes Tigres, que había escenificado un montaje para sala, presentó un sencillo y sincero espectáculo didáctico denominado Cuenta gotas, en el que relatan y representan (ayudados por el público) dos historias sobre la importancia y conservación del agua. César Novalgos y Jorge Mazo captan la atención con su naturalidad, al mismo tiempo que se valen de diferentes elementos de utilería, magia y juego escénico para entretener y transmitir su mensaje. El colectivo artístico Alter Ego realizó una divertida representación usando la técnica del clown, en la que un payaso y su contraparte femenina juegan con diversas escenas propias del circo como los malabares con fuego, domar un león que representa el mismo actor, el lanzamiento de dagas y la lectura de una carta de amor, que se cargan de confusión y risa para agradar a los espectadores. Quizás la interpretación femenina requiere más fuerza en contraste con la impresionante capacidad histriónica del payaso protagonista. El grupo de teatro Guarura llevó a escena, en Contares y decires, varios cuentos que tratan sobre cómo los indígenas de América justifican su contacto con la naturaleza. La propuesta debe ser revisada en su puesta en escena porque la distribución de los actores no permite que se aprecie correctamente lo que se narra, aunque ubican acertadamente los elementos de vestuario y utilería alrededor de un espacio delimitado por una tela, de tal forma que sea evidente la convención teatral, si bien la última historia rompe con lo planteado al principio y no cierra el espectáculo. En los espacios convencionales o salas de teatro, he podido apreciar otras opciones. El grupo de teatro Océano de Cuba representó Extraños en la Noche de Esthers Suarez Duran, donde un joven y un viejo consiguen el sentido de la vida por la relación de solidaridad que se establece entre ellos. Pese a algunas fallas de concentración y dicción, además de una escenografía que debía orientarse más a lo simbólico lograron conectar a la audiencia. La compañía Las 2 Teatro de Argentina traen el unipersonal Estrella negra de Adriana Genta, en el que una actriz emplea el cuerpo como principio de la emoción para narrar la realidad de una esclava negra que cree posible conseguir su libertad, sin embargo nunca podrá librarse de la marca de la esclavitud. Con una puesta en escena que se desarrolla entre lo sutil y lo evidente, se sucede una especie de ritual sustentado por el juego de proximidad y alejamiento del público, el empleo de elementos escénicos simbólicos y la entrega actoral de Mónica Sartori. La dualidad de luz y sombra con el uso de velas y una iluminación sugerente, junto al apoyo sonoro en vivo, me permiten considerar este trabajo como uno de los más relevantes de la muestra. La organización de IIAVE -Instituto de Investigaciones para el desarrollo del Arte en Venezuela- sigue apostando por hacer visible el teatro que no consigue espacios para presentarse.

Funciones: 8 y 13 de Octubre de 2008

El teatro in-visible invade a Caracas (I)

Desde la semana pasada se está realizando la VII Muestra Internacional de Teatro y Títeres en las comunidades de Caracas, organizada por IIAVE -Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela-. Esta muestra se ha convertido en una experiencia valiosa para las parroquias de la capital del país debido a que sus habitantes pueden acercarse a diversas perspectivas del arte teatral. Con agrupaciones caraqueñas, del interior del país y una representación internacional, espacios convencionales y no convencionales sirven para la difusión del llamado “teatro invisible” o aquellos colectivos artísticos que no han podido entrar en los circuitos comerciales o salas establecidas. Uno de estos grupos es el Ateneo Casa del Arcoiris que posee 19 años de trabajo continuo y presenta el montaje de teatro de calle denominado Las historias que me contaron con dirección de Janeth Colmenares. Un toldo ubicado en el Boulevard de Sabana Grande fue el lugar donde fragmentos de Don quijote de la mancha, El principito, El flautista de Hamelin, La liebre y la tortuga, y El conejo y el mapurite ofrecieron un logrado espectáculo que mantuvo a la expectativa a los espectadores que se acercaron. Como bien ofrecen en el prólogo, esta obra pretende estimular la lectura de varios clásicos de la literatura y por eso emplean al teatro como medio a través del cual se puede alcanzar. Luego de explicar las razones sobre la existencia e importancia del arte de la representación, cuatro actrices interpretan pedazos de cada historia consiguiendo una continuidad dramática entre ellas. La composición vocal y corporal que realizan las actrices diferencia apropiadamente a cada personaje en una puesta en escena creativa que se vale de un colorido vestuario, variados elementos de utilería y originales máscaras. Desde España, el grupo Tres tristes tigres presenta una versión de La zapatera prodigiosa de Federico García Lorca. Esta pieza me hizo reflexionar sobre las categorías del clasificación del teatro, la actuación y la formación del público. El montaje visto puede ser considerado teatro para niños es su país de origen, pero no en Venezuela. Varias escenas hacen referencia a la violencia, la muerte y otras alcanzan momentos impulsivos, lo que no es propio en las piezas infantiles que se montan aquí. De igual forma, la actuación se presenta muy natural, salvo en algunas caracterizaciones, cuando estamos acostumbrados a algo con más pasión, incluso Lorca como autor dramático no escapa de la pasión que le imprime a sus personajes. Y por último, las variedades lingüísticas del español impide que los niños comprendan el texto; lo que, junto a la impaciencia y poca capacidad de atención de algunos, hace evidente la necesidad de formar al espectador de teatro desde pequeño. Con las destacadas actuaciones de Jorge Mazo y Diana Cristóbal que interpretan varios personajes, acompañados de César Novalgos y Bego Iribas que se ven naturales por la exigencia de sus roles, la sencilla puesta en escena de Javier Pena se complementa con un simple pero funcional dispositivo escenográfico y un vestuario que usa el color para cada rol. Puede que lo invisible del teatro se haga visible gracias a esta muestra.

Funciones: 4 y 5 de Octubre de 2008

Se dice mucho o se dice poco

Decir mucho: En la Sala José Ignacio Cabrujas de la Fundación Cultural Chacao se presentó la Agrupación Teatral Coordinación, proveniente del Estado Yaracuy, con el montaje de Ella imagina, basado en el texto de Juan José Millas y dirigido por Armando Holzer. Esta pieza es un monólogo donde una mujer se regodea viajando por las posibilidades que le permite su mente hasta el punto de obsesionarse con el hombre que la hizo adentrarse en su pensamiento y salta de una idea a otra en busca de él. Pese a la originalidad de muchas de las reflexiones que ella inventa durante todo el tiempo de representación, el texto es reiterativo y pesado hacia la mitad y el final, debido a que el público pierde interés en la búsqueda repetitiva del hombre que la obsesiona y porque se sabe de antemano que, por ser creación de su mente, nunca lo encontrará. La dirección va desde la simpleza de la interpretación, cuando ella cuenta sus obsesiones desde una cama, para luego proponer que cada una de las acciones que imagina se realicen de manera literal y así tratar de sustentar las reiteraciones del texto, lo que se logra hasta cierto punto gracias al creativo dispositivo escenográfico que muestra a cada ambiente producto de la imaginación, aunque podría haber más uniformidad estética y de acabado en los elementos y el vestuario que usa la actriz. Elsy Loyo como Ella posee una extraordinaria capacidad interpretativa con fuerza y manejo de intenciones, si bien debe evitar su necesidad de agradar al público para que participe durante el monólogo. Sigue siendo importante que grupos del interior puedan presentar sus propuestas en las salas caraqueñas.

Función: 21 de Septiembre de 2008
Decir poco: En la sala experimental del Celarg se presenta La fiesta del italiano Spiro Scimone con dirección de Orlando Arocha. Esta obra es una producción independiente de Diana Volpe y Tulio Cavalli, algo resaltante porque este tipo de experiencias no son frecuentes en el ambiente teatral. La pieza presenta a un hombre y una mujer que celebran 30 años de casados, aunque viven un matrimonio desgastado con conflictos banales o situaciones en lo que no se dice tiene mayor peso. Junto a ellos, vive su hijo que desprecia al padre, aunque se parece mucho a él, y trata de ayudar a la madre con los gastos del hogar. El desarrollo del argumento fluye adecuadamente, aunque el final luce abrupto. Se comprende que el momento culminante es la reunión de celebración, pero de ahí al final quedan abiertas muchas suposiciones sobre el futuro de la unión y el destino del hijo. La dirección de Arocha, encargado también de la ambientación escenográfica, crea una puesta en escena hiperrealista, muy acorde con el sentido de la pieza, en la que los desplazamientos escénicos son los necesarios para que se desarrolle la acción en un espacio con elementos y decorados marcadamente realistas (Paredes y pisos ornamentados, nevera, televisor, plancha, etc.), además de orientar el trabajo actoral hacia esta estética. Diana Volpe como La madre, Elio Pietrini como El padre y Albi de Abreu como El hijo logran tres interpretaciones ajustadas con sus personajes al darle mucha naturalidad a la actuación e intensidad cuando se hace necesario. En definitiva, una acertada propuesta independiente.

Función: 26 de Septiembre de 2008