EN LAS TABLAS

La escena teatral 2011 (3): Propuestas

2012-01-25T13:13:00.001-04:30

La propuesta más interesante en el ámbito teatral del 2011 fue el nacimiento del Festival de Teatro de Caracas. Los festivales sirven de vitrina para los grupos de todo el país y este evento albergó una gran variedad de espectáculos de Caracas y, con mayor relevancia, del interior.

Por otro lado, el Festival de Teatro de Occidente, con sede principal en Guanare, y el de Oriente, realizado en Barcelona y Puerto La Cruz, volvieron a escena pese a los inconvenientes presupuestarios que sufren cada año. La celebración de las ediciones 29 y 36, respectivamente, vuelve a demostrar el compromiso de sus organizadores de no perder estos eventos necesarios para sus regiones. Asimismo, el grupo Ciudad Puerto Teatro de Maracaibo produjo el I Encuentro de Teatro "Arribando al Puerto de Maracaibo" de carácter internacional.

De los diversos encuentros que se llevaron a cabo en la capital del país, destaco el arribo a sus primeros diez años de la Muestra Internacional de Teatro y Títeres en las comunidades de Caracas. Su trabajo por lo comunitario, sin verdadera distinción de clases y posiciones, sigue a la vanguardia gracias al esfuerzo del Instituto de investigaciones para el desarrollo del arte en Venezuela (IIAVE), su ente organizador.

En otro ámbito, la Compañía Nacional de Teatro sigue apoyando a las regiones con coproducciones que pretenden rescatar las tradiciones de las comunidades, así nacieron los trabajos: Caústica noche y Madre vieja. Además, produjeron Fecunda zona, creado a partir de Silva a la agricultura de la zona tórrida de Andrés Bello, estrenaron El coro de los desiguales en el estado Barinas y remontaron Cabaret: reinas de la noche. La creación colectiva, el taller montaje, la poesía, el canto y la danza parecen ser los nuevos objetivos de una institución que ha dejado de lado algo primordial para el teatro: el texto. La imagen es más importante que el contenido en sus espectáculos.

En el área de apoyo a las nuevas agrupaciones, el Festival Teatral de Autor, organizado por Pathmon producciones, volvió a realizarse. En esta ocasión, fueron homenajeados los dramaturgos nacionales: Javier Moreno, Elio Palencia y Paul Williams.

Por su parte, el Teatro San Martín presentó la primera edición de “Miradas: Nuevos directores a escena”. Esta muestra sirvió para descubrir el aprendizaje adquirido por un variado grupo de nuevos creadores después de un año de taller de dirección.

Por último, otro evento de importancia fue el X Encuentro de institutos de formación teatral con la Escuela Nacional de Artes Escénicas César Rengifo a la cabeza.

En espera de las propuestas de este año.

La escena teatral 2011 (2): La dramaturgia

2012-01-25T13:07:00.002-04:30

La dramaturgia escenificada durante el 2011 fue variada. Los textos nacionales más destacados fueron: Diógenes y las camisas voladoras de Javier Vidal, presentada por MJM Producciones, y Petroleros suicidas de Ibsen Martínez (Grupo Actoral 80). Otra obra de Martínez que se montó fue Como vaya viniendo, vamos viendo.

El Grupo Actoral 80 también presentó: Baraka de María Goos, Gorda de Neil LaBute y Excusas de Joel Joan y Jordi Sánchez. Por su parte, el Teatro San Martín y Textoteatro llevaron a escena la conmovedora Lírica de Gustavo Ott. Este trabajo fue más interesante que sus propuestas: Otelo 4x4, versión de Shakespeare, y Momia en el closet, sobre la muerte de Evita. También de Ott, Repico representó Monstruos en el closet, ogros bajo la cama.

El grupo Rajatabla continuó con la Segunda Muestra de Dramaturgia Nacional dentro de la que presentaron Mi reino por un sueño de José Antonio Barrios y Agridulce de Glener Morales, aunque se irrespetó la estructura original de las piezas.

Hebu Teatro y el Teatro del Contrajuego celebraron el centenario del nacimiento de Tennessee Williams con los montajes de Un tranvía llamado deseo y de diversas piezas cortas del autor, pero su experimento más interesante fue la escenificación de una selección cuentos.

Otros experimentos dramatúrgicos importantes fueron: Hay que tirar las vacas por el barranco, a partir de un libro de Ricard Ruiz Garzón (Teatro del Contrajuego), Machete caníbal de Francisco Denis y Arved Schultze (Río Teatro Caribe) y Paria, sobre los aforismos de Azorín (La Bacante).

A la par de las nuevas tendencias, Teatro Forte escenificó Goya de Rodrigo García, censurada por la directora de Cultura Chacao, y Amén de Carlos Be. Asimismo, resalto los montajes de Vino la Reina de Karin Valecillos (Tumbarrancho teatro) y Escándalos personales, a partir de escritos de Chejov (Grupo Emergente).

Otras piezas nacionales que se exhibieron fueron: El último credo de Lali Armengol, Bolívar doméstico de Roberto Azuaje, El fantasma de Bonnie de Edgar Moreno Uribe, Dos de amor y El largo camino del Edén de José Gabriel Núñez, Implicados de Marcos Enrique Prieto, Esa espiga sembrada en Carabobo y Joaquina Sánchez de César Rengifo, La disculpa de César Rojas, El juego de Mariela Romero y La peluca del fraile de Carlos Sánchez.

Dentro de la dramaturgia extranjera se destacaron: Un informe sobre la banalidad del amor de Mario Diament, La muerte y la doncella de Ariel Dorfman, La maña de Damián Dreizik, Contra el progreso de Esteve Soler, Flores de papel y Tras una puerta cerrada de Egon Wolff.

Por último, no faltó la comedia fácil con El cavernícola, Hombre casado busca, Fuga y Toc toc.

La escena teatral 2011 (1): Los espacios

2012-01-25T13:03:00.002-04:30

La actividad teatral concentrada en Caracas se realizó en diversos espacios. En el ámbito privado, el emblemático Trasnocho Cultural estuvo a la cabeza con sus dos salas, seguido por la variedad de locales que posee el Centro Cultural BOD Corpbanca y, en menor grado, el Teatro Premium y Teatrex.

El Teatro Luisela Díaz cerró sus puertas debido a varias decisiones contraproducentes que tomó la junta directiva del Caracas Theater Club. Sin embargo, sus administradores no se rindieron y, ahora, manejan el Teatro Escena 8 que renovó su programación.

Otros espacios privados son el Teatro Bar y Capital Jazz que han servido especialmente para la exhibición de stand up comedy y propuestas disímiles de siguen funcionando de público. De igual forma, hubo presentaciones en algunos salones de reconocidos hoteles capitalinos.

Por su parte, la actividad en sitios administrados por el Estado se sigue concentrando en el Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos, aunque su oferta esté llena cada vez más de trabajos de mediana calidad. En cambio, el Teatro Alberto de paz y Mateos y la Casa del Artista se han vuelto inexistentes.

También, se encuentran las tres salas de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE). Su entrada libre a los espectáculos atrae mucho público en detrimento de su vecina Sala Rajatabla. En la misma zona está el Teatro Teresa Carreño que tuvo un renacimiento gracias a la presencia de dos musicales dentro de la programación de este año.

En correspondencia con esto, el teatro volvió al centro de Caracas. El Teatro Municipal tuvo una actividad intermitente porque se usa todavía para actos proselitistas, si bien la reinauguración del Teatro Principal y la reapertura del Teatro Nacional, después de su restauración, ampliaron la oferta para este sector de la ciudad.

Otros sectores que se han visto beneficiados son Chacao y Petare. El primero con la Sala José Ignacio Cabrujas y, especialmente, con el estreno del Teatro Municipal de Chacao, ubicado en El Rosal, que diversificará la oferta teatral en el venidero año. En el segundo, se reabrió el Teatro César Rengifo que, además, resolvió el problema del acceso al público a esta zona popular porque facilita el traslado con autobuses desde dos centros comerciales del municipio. Esta misma estrategia debería emplearse en tres lugares de actividad discontinua durante el año: la sede del Ateneo de Caracas, el teatro de la Asociación Cultural Humboldt y la sala Río Teatro Caribe.

Otros recintos discontinuos: Aula magna de la UCV, Altosf, Sala A-teatro, Fiec y Teatro Luis Peraza.

Hay espacios para el teatro.

Beckett en proyecto

2011-12-20T15:15:00.003-04:30

En diversos espacios del Ateneo de Caracas, se presentó Proyecto Beckett. Cinco directoresjóvenes mostraron su visión en igual número de obras escritas por el PremioNobel irlandés Samuel Beckett. A lo largo del recorrido, el público confronta algunosde los textos más simbólicos del autor en una propuesta que entra en loscánones del llamado teatro experimental.

El primer montaje apreciado fue Actosin palabras, que refleja el control sobre el ser humano. La dirección deLuis Alberto Rosas hace evidente este control porque amarra al protagonistacomo una marioneta y coloca en escena a otro personaje, interpretado cabalmentepor Fedora Freites, quien se encarga de dirigirlo con silbidos. Ambos se vistende “clown” para demostrar el ridículo en el que cae el personaje principal. Laactuación de Yrwuins Escobar debe expresar mejor con el cuerpo la necesidadreal de sus acciones. En definitiva, una correcta reinterpretación con algunosdetalles.

La segunda propuesta fue Aliento,dirigida por Daniel Dannery. La imaginación es puesta a prueba con lassensaciones que pueden producirse en un cuarto lleno de basura donde se oyeprimero una frase repetitiva, luego una escena de sexo y finalmente el llantode un bebé. Cada espectador puede recrear la historia que desee a partir de laextrañeza que ocasiona este trabajo dirigido al inconsciente.

La tercera estación fue Monólogo,dirigido por Vladimir Vera. La joven Amanda Gómez que acompaña al público comoguía coloca un video en el que las bocas de Gala Garrido y Naia Urresti nosleen, primero con desespero y luego con sensualidad, dos estados un ser humanoque diserta sobre la muerte. En este trabajo se vislumbra con mayor claridad lacarga simbólica de la dramaturgia del autor, aunque el desconcierto siempreestá presente.

El mejor trabajo fue Bajo el puente,con dirección de Morris Merentes. Varios pordioseros dicen poemas del autor mientrasrealizan acciones en un ambiente que refleja la vida del venezolano que vive enla calle. Esto se refuerza con el canto de tonadas de Simón Díaz. Lasinterpretaciones de Varinia Arraiz, Dayana Carmona, Mauro Costero, Jesús JavierHernández y Christian Ponte poseen intensidad y veracidad.

Por último, la propuesta más débil fue Noyo, dirigido por René Guerra. El sentido real del texto se pierde con elabuso de lo multimedia y una representación sin matices. Hay que saberreinterpretar el minimalismo que propone el autor.

Enconclusión, una vez más queda demostrado que la dramaturgia se adelanta en eltiempo. Los temas de la literatura de Beckett poseen una vigenciaextraordinaria en la actualidad.

Función: 10 de Diciembre de 2011

Excusas y frustraciones

2011-12-20T15:08:00.000-04:30

El Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (CELCIT),sede Venezuela, y el Grupo actoral 80 presentan Excusas, texto de los catalanes Joel Joan y Jordi Sánchez ydirección de Melissa Wolf. En el horario vespertino del Espacio Plural delTrasnocho Cultural, se exhibe este montaje que muestra los desencuentros de dosparejas de treintañeros.

Una pareja está formada por Jesús y Begoña. Él desea vivir de la formalibertina que demuestra su mejor amigo pero se conforma con amar a su esposa ysus trabajos esporádicos. Ella manda sobre su marido y tiene una relaciónextramarital que le ofrece lo que no tiene. La otra está integrada porChristian y Susana. Él lleva una vida de excesos que esconde a su novia yprefiere irse a acostar con otra que compartir con ella. Ella consiente tenerun novio infiel y no quiere dejarlo aunque limite su crecimiento profesional.

Al principio, esta combinación de situaciones tiene apariencias de teatroligero, pero se va convirtiendo en una comedia agridulce. El nacimiento de unbebé y una separación abrupta van a evidenciar la necesidad de un cambio. Pero,cuando se vive con la excusa de que todo está bien, la frustración lleva acometer actos irracionales.

La puesta en escena juega con el hiperrealismo. Los elementosescenográficos reflejan correctamente el apartamento donde ocurre la acción. Eneste espacio, el desplazamiento escénico se concatena con cada situación que sepresenta, no importa que el escenario se desequilibre y las acciones sedesarrollen en un solo lado, lo que se complementa con los detalles del manejode la utilería.

La verdad de las actuaciones se logra porque se busca naturalidad en eldecir, se repiten frases como sucede cuando se habla en la vida real, sepermite la equivocación, se usan expresiones venezolanas actuales y seimprovisa en ciertas situaciones. En este sentido, el trasfondo del texto estámuy bien manejado, sin embargo, hay que cuidar algunos excesos de laimprovisación porque no aportan nada.

En las actuaciones, se destaca Jesús Cova porque integra notablemente gestoy voz para transmitir las emociones del sometido Jesús. Angélica Arteaga, comoBegoña, ofrece el tono justo y con fuerza en sus intenciones. Wadih Hadaya,como Christian, mantiene una buena intensidad, si bien debe estar atento a losmatices, y Ana Alicia Pérez maneja acertadamente las emociones por las que pasaSusana.

Esimportante comentar lo difícil que es la asistencia de público en este horariodel Espacio Plural. Debe reforzarse la publicidad o proponer un cambio de horaporque no hay excusas para no ir a disfrutar de este montaje.

Función: 3 de Diciembre de 2011

Teatro para Caracas

2011-12-20T15:01:00.000-04:30

Durante dos semanas se realizó el Festival de Teatro de Caracas. Organizadopor el Gobierno del Distrito Capital y la Alcaldía de Caracas, el festivalrescató mucho de los espacios olvidados del centro de la ciudad, además deutilizar otros ya reconocidos. Los lugares para el teatro de sala fueron elTeatro Nacional, Teatro Municipal, Teatro Principal, Teatro Cristo Rey, SalaJosé Félix Ribas del Teatro Teresa Carreño, Salas Juana Sujo y Doris Wells dela Casa del Artista, las tres salas de la Universidad de las Artes, la salaprincipal del Teatro San Martín, SalaRajatabla, Celarg, el Nuevo Circo y el auditorio del Museo Boliviano. Por suparte, el teatro de calle y otros géneros se presentaron en parques, plazas,bulevares y museos.

Más de 80 compañías exhibieron sus trabajos, sin embargo quedan detallesimportantes por resolver para la continuidad del evento. Primero, proponer unaprogramación que permita apreciar más espectáculos durante el día. Variosmontajes a la misma hora o con una hora de diferencia entre uno y otro es unerror. En segundo lugar, se debe ofrecer amplitud y rigor en la escogencia delas agrupaciones. Esto implica que se dé la oportunidad de selección acualquier colectivo, aunque se escojan aquellos trabajos de calidad.

Además, es necesario invitar a los estudiantes de las escuelas de teatro yde las universidades para que asistan a las conferencias, foros y talleres deformación. La plaza Diego Ibarra del centro de Caracas, rebautizada con elnombre de “Ciudad Teatro”, fue el sitio que albergó estas actividades, así como también la presentación deconciertos. Esto último puede replantearse para que sean las funciones deteatro de calle las que atraigan al público y no la música.

Por último, es importante revisar la información que se publica de las agrupacionesy entregar programas de mano en cada presentación. Fue desconsiderado que losnombres de muchos dramaturgos no aparecieran en el catálogo del festival. Esto,aunado a la falta de los programas, aumenta el desconocimiento del público comúnsobre el quehacer teatral.

Despuésde 12 años, el Gobierno del Distrito Capital y Fundarte, ente cultural adscritoa la Alcaldía de Caracas, han señalado uno de los caminos que deben seguir laspolíticas culturales en torno al teatro. En cambio, el Ministerio del poderpopular para la Cultura y su Instituto de las artes escénicas y musicales(IAEM) tienen todavía una gran deuda con el sector. Cuando el Estado comprendaque el arte, en todos sus sentidos, no es solo entretenimiento sino uno de lospilares fundamentales del ser humano puede que desarrolle verdaderas políticas quese mantengan en el tiempo.

(Publicado en el Diario Tal Cual)

Especial "Festival de Teatro de Caracas 2011" - 2: Una crónica de despedida

2011-11-27T03:25:00.001-04:30

La segunda y última semana del Festival de Teatro de Caracas ofreció unavariada oferta de espectáculos de toda índole.

En el Teatro Nacional, el grupo Rajatabla volvió a presentar Promoción honor a mis padres, texto deElio Palencia y dirección de Rufino Dorta. El drama de una juventud con anhelosy frustraciones mantuvo su fuerza gracias al excepcional trabajo de puesta enescena y sus correctas actuaciones.

Río Teatro Caribe repuso en su sede el espectáculo Machete Caníbal, dramaturgia de Francisco Denis y Arved Schultze ydirección del mismo Denis. Un interesante trabajo de investigación sobre lasmúltiples visiones del mito de “El Dorado” que adquiere consistencia gracias alacompañamiento musical del grupo Quinto Aguacate.

Dos propuestas que tienen como base la mitología griega se presentaron enel festival. El Taller Experimental del Teatro llevó a escena Yocasta, de León Febres-Cordero,dirigido por Santiago Sánchez. La sala principal del Teatro San Martín recibióel diálogo entre dos hermanos que saben que no pueden escapar de su destino.Los mitos no cambian.

Por otro lado, Caverna, una delas coproducciones de la Compañía Nacional de Teatro, volvió a Caracasproveniente del Estado Mérida. El montaje, dirigido por Gabriel Torres, serealizó en el relativamente nuevo Espacio ArteNativo. Por su carácterexperimental, muchas de las situaciones escenificadas sobre “El mito de lacaverna”, de Platón, se quedan en elterreno de lo abstracto, sin embargo la iluminación y la música en vivoproducen varias atmósferas sugestivas.

El grupo Repico escenificó Monstruosen el closet, ogros bajo la cama, de Gustavo Ott, con dirección de ConsueloTrum. El público que asistió a la Sala Rajatabla presenció una recreación delatentado ocurrido el 11 de Septiembre de 2001 en contra de las Torres gemelasde Nueva York. La dirección creó una adecuada propuesta simbolista que diluyeun poco las fallas de un texto poco teatral, si bien las actuaciones son lamayor virtud del montaje.

Otros espectáculos de calidad que volvieron a escena durante el festivalfueron: Doce cosas imposibles antes deldesayuno, de Teartes, El desconocido,de la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa y Paria, de La Bacante.

En definitiva, el Gobierno del Distrito Capital y Fundarte, ente adscrito ala Alcaldía de Caracas, han señalado uno de los caminos que deben seguir laspolíticas culturales en torno al teatro. Los directores, productores, actores,diseñadores, técnicos, críticos y otras personas vinculadas al quehacer teatralagradecen el evento.

En espera de la próxima edición…

(Para el Diario Ciudad Ccs)

Especial "Festival de Teatro de Caracas 2011" -1: Una crónica festivalera

2011-11-27T03:21:00.001-04:30

Me uno a la celebración del Festival de Teatro de Caracas. Como críticoteatral pienso que mi labor es una lectura del hecho escénico, más que unjuicio. Por esto, considero que el registro que hace el crítico cuando escribesu lectura o apreciación de un determinado montaje deja memoria del quehacerteatral. Esa es la razón de esta crónica.

La primera semana del festival ha servido de vitrina para la presentaciónde espectáculos premiados como Penitentesde Elio Palencia, montaje realizado por la agrupación Teatrela en la sala JuanaSujo de la Casa del Artista. Su contundente propuesta en contra de losprejuicios y la manipulación de los medios de comunicación volvió a retumbar,gracias la pertinente dirección de Costa Palamides.

Otro trabajo digno de mención es Contrael progreso, texto de Esteve Soler y dirección de Juan José Martín, presentadopor el grupo Escena de Caracas en la Sala Rajatabla. Un oportuno montaje acercade cómo el progreso se vuelve en contra del ser humano.

El teatro de vanguardia tuvo un digno representante en la Sala Rajatablacon Crónicas Palahniuk de TeatroForte, dirección de Vladimir Vera. Sus monólogos descarnados y contrarios amoral tradicional volvieron a perturbar al público.

Por su parte, el teatro para niños dijo presente con El popol vuh, versión y producción de Xiomara Moreno para suagrupación homónima y dirección de Javier Moreno, que se escenificó en elTeatro Principal. Este trabajo maravilla a adultos y niños por igual debido a laclaridad y pertinencia estética de su vestuario y ambientación, además de laapropiada recreación del origen del ser humano según la cultura Maya.

Asimismo, el género de títeres tuvo su espacio con el colectivo Tempo,proveniente del Estado Portuguesa, que presentó La abominable historia de Mr. Punch, dirección de Eduardo Di Mauro,en el espacio ArteNativo y en el Nuevo “Nuevo Circo”. La pieza está dirigida aun público adulto debido a su contenido sexual y de violencia, sin embargoaprovecha poco esta circunstancia porque se siente que no quierenextralimitarse en el lenguaje.

Como se ve, el festival permite la confrontacióncon diversas propuestas escénicas.

(Para el Diario Ciudad Ccs)

Occidente teatral (II de II)

2011-11-27T03:13:00.001-04:30

El XXIX Festival de Teatro de Occidente culminócon la presentación de un abanico de propuestas que demuestran la pluralidaddel evento.

Entre ellas, el público pudo disfrutar de losdivertidos espectáculos de “clown” y pantomima: Las aventuras de Clauss, proveniente de Barquisimeto, y Germán, elmimo, de México. Asimismo, el teatro de títeres estuvo presente con Un botón en mi cabeza del grupo Arribaslas hu!manos, de Chile.

De Caracas, se presentaron las agrupaciones LaBacante y Teartes con Paria y Doce cosas imposibles antes del desayuno,respectivamente. Con una estética que posee un fuerte contenido plástico, ambosmontajes demuestran cómo la dramaturgia y la puesta en escena nacen de laexperimentación, sin bien el primero logra manejar mejor la progresióndramática que el segundo.

Los mejores trabajos vinieron desde Argentina.Petaka teatro presentó Menguada, la hora,versión de César Rojas del cuento “La hora menguada” de Gallegos, dirigido porJesús Gómez. El mismo Gómez y Javier Otero, venezolanos residenciados en BuenosAires, asumieron el riesgo de interpretar dos personajes femeninos. La obrapresenta el drama de Amelia y Enriqueta, dos hermanas que conviven en espera deun hijo que no regresa y cuya maternidad es la causa de un odio reprimido.Apropiada dirección, claridad estética y actuaciones orgánicas se conjugan enla propuesta.

El colectivo Solo por hoy llevó a escena: Gadst, texto y dirección de FacundoAgrelo. A partir del suceso cotidiano de un televisor que se daña, una parejade esposos revela sus carencias y deseos. La dirección propone elreordenamiento constante de los elementos escénicos para resaltar cadasituación que se desarrolla en la obra. Esto refleja un trabajo profundamenteteatral que adquiere consistencia gracias a las actuaciones de Mariana Cavalliy Enzo Ordeig, quienes ofrecen un manejo correcto de las intenciones, la energíay la corporalidad.

Otra propuesta fue Marat + Sade, versión de Alfonso Sastre de la obra Peter Weiss,escenificada por Minimal teatro, de España. El texto que diserta sobre larevolución presentó deficiencias en la escena debido a que todavía es untrabajo en proceso. También, aprecié Larevuelta de l@s idiotas, de Des acuerdo teatro y Teatro del Cronopio, deEcuador. La feminidad es el tema central en un trabajo bien cohesionado.

Esta edición queda para el recuerdo porquedemuestra el compromiso de sus organizadores. Nada detiene al teatro, a suspromotores y, especialmente, a sus creadores. Por eso, el año que viene se cumplen30 años de un festival que continua en pro de las artes escénicas venezolanas.

Funciones: 15, 16, 17, 18 y 19 de Noviembre de 2011 (Publicado en el Diario Tal Cual)

Occidente teatral (I de II)

2011-11-27T02:59:00.001-04:30

El Festival de Teatrode Occidente, organizado por la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa,regresa en su edición número 29 como una vitrina para la exhibición deespectáculos regionales, naciones e internacionales. Como es costumbre, elEstado Portuguesa y, específicamente, la ciudad de Guanare es la sede principaldel evento que, además, cuenta con Barinas, Cojedes y Yaracuy como co-sedes.

En Guanare, losespacios del festival son las Salas Federico Collado y Alberto Ravara delComplejo Cultural “Herman Lejter”, la carpa “Cacao” instalada por la CompañíaNacional de Circo y la Escuela de Teatro José Antonio Páez.

En la Sala AlbertoRavara, pude hacer una segunda lectura del espectáculo llevado a escena lacompañía organizadora del festival: El desconocido, texto de Tomás Jurado Zabala, producción de Julián Ramos y dirección de CarlosArroyo. Había cotejado este montaje en Caracas, pero verlo en su espaciooriginal permite otro análisis.

La mayor virtud deltexto reside en presentar al Libertador como un desconocido, debido a quemuchas situaciones de su vida se han tergiversado. De ahí que la historiacentral de unos presos que ensayan una obra sobre Bolívar por órdenessuperiores tiene muchas maneras de interpretarse.

La puesta en escenatiene tres niveles de lectura. Un nivel simbólico que se ve en el espacioescénico y en el vestuario casi militar, un nivel expresionista que se percibeen la forma de componer, como dos payasos, los personajes del Funcionario decultura y del Director de la cárcel, y un nivel de revelación de la teatralidadque busca una posición crítica por parte del espectador.

En la Sala FedericoCollado, la misma compañía presentó el trabajo final de su Taller permanente deformación actoral: Alegría y Mapulín deCarlos Giménez, producción de Julián Ramos y dirección de Aníbal Grunn. Estemontaje para toda la familia toca temas como la censura, el militarismo y lapérdida de la individualidad a través del viaje que emprenden dos amigos al“País de nunca acabar”, si bien terminan por descubrir la magia del teatro. Sedestaca el desparpajo y la honestidad de los jóvenes formados en el taller.

En la carpa “Cacao”, elCirco Social de Portuguesa presentó: Mestizaje,un espectáculo que muestra el encuentro y desencuentro entre los indígenas y losespañoles a través del uso de códigos circenses. La trama se desarrolla en diversosnúmeros, con una propuesta corporal que permite lucir las extraordinariascondiciones físicas de los intérpretes.

En resumen, ha sido un comienzo variado para unfestival que año tras año tiene como lema: poner en movimiento al occidente delpaís.

Funciones: 12 y 13 de Noviembre de 2011 (Publicado en el Diario Tal Cual)

Especial "Festival de Teatro de Occidente 2011" - 8: Una edición más que se despide

2011-11-22T13:01:00.001-04:30

El XXIX Festival de Teatro de Occidente culmina con la presentación de unabanico de propuestas que demuestran la pluralidad del evento.

Desde Argentina, la agrupación Solo por hoy montó Gadst, dramaturgia y dirección de Facundo Agrelo. A partir delsuceso cotidiano de un televisor que se daña, una pareja de esposos revela suscarencias y deseos. La dirección propone el reordenamiento constante de loselementos escénicos para resaltar cada situación que se desarrolla en la obra.Una escena empieza, se desarrolla, se corta, se reordena el espacio y se cambiala utilería para empezar la escena siguiente sin perder la carga emocional dela anterior. Esto captura la atención del espectador y le da una atmósfera acada momento, sin perder la atmósfera mayor que ofrece la progresión dramáticadel texto.

Las actuaciones de Mariana Cavalli y Enzo Ordeig ofrecen un manejo correctode las intenciones, la energía y la corporalidad. Cavalli emplea cabalmente laintensidad y la sutileza cuando lo que requiere el personaje y Ordeig luce unanotable gestualidad que transmite el estado interior de su rol. Una revisión dela cohesión con el vestuario terminaría por complementar este contundentetrabajo que sorprendió para bien a todos los asistentes a la función. ¡Bravopor Solo por hoy!

Minimal teatro, de España, llevó a escena la versión de Alfonso Sastre dela obra de Peter Weiss: Marat + Sade,dirigida por Miguel Ponce. El deseo de libertad individual y sexual estápresente en un texto que teoriza sobre la revolución francesa pero que reflejacualquier revolución que haya sucedido o suceda en el mundo.

El montaje tiene aires de trabajo en proceso porque todavía hay mucho queajustar. Se reconoce una planta de movimientos clara y que desplaza a losactores de un lado a otro para armar la historia. La dirección emplea larevelación de la teatralidad acompañada de la propuesta de utilizar solamente ados actores para interpretar todos los personajes de la obra. Los actores pasan de un personaje a otro con el uso de elementos básicos devestuario, además de aprovechar una utilería múltiple que rodea el escenariopara recrear las situaciones. Debe ajustarse la precisión en el uso y ubicaciónde todos los elementos para que no retrase el ritmo.

En el plano interpretativo, los actores todavía no diferencian lospersonajes. Se reconoce un disfrute en la representación, pero debe marcarsemás la energía de cada rol y el paso entre un rol y otro. Esto facilitaría queel público reconozca los personajes que aparecen en escena. Federico Castillomaneja una correcta corporalidad pero debe tomar en cuenta el trabajo vocal queluce débil y Miguel Ponce tiene un correcto tono vocal y puede reforzar más laexpresión del cuerpo.

En definitiva, un montaje que le falta mucho por recorrer.

Después de una primera presentación problemática, Des acuerdo Teatro y Teatrodel Cronopio, de Ecuador, presentaron Larevuelta de l@s idiotas, creación dramatúrgica de Guido Navarro, AndreaMoreno y Yasna Vivanco, con dirección de Guido Navarro. La obra propone una lectura de la feminidad a partir de la historia de dosángeles caídos que deben superar varias pruebas para intentar regresar alcielo. El erotismo, la sexualidad, el machismo y la no violencia son temas quese tratan en una obra donde se discute la relación con un ser supremo.

El montaje propone una invasión del escenario a través del cuerpo yexpresividad del actor. Cada escena tiene su sentido, una atmósfera particulary se reconoce, no solo por el vestuario y el texto, sino por una formaespecífica de gesticulación. La voz es un complemento de la energía queirradia el cuerpo. El vestuario delineacon pertinencia cada rol que asumen las actrices y se convierte en un símbolodel significado real de cada situación que experimentan. De igual manera, elfondo del escenario se integra al tema central de la propuesta.

Las actuaciones de Andrea Moreno y Yasna Vivanco demuestran un encomiableuso de la corporalidad y logran veracidad dentro de la forma irreal que proponencon su voz. Esto demuestra que la organicidad se logra a través de la veracidadque se adquiere en vivir y sentir lo que se representa, independientemente delo falso que parezca.

Un trabajo que se agradece por todo lo que significa y por su franqueza.

Otra actividad que se realizó en el marco del festival fue el foro crítico.Con la coordinación de Tomás Jurado Zabala, los críticos Carlos Herrera,Alberto Ojeda y mi persona fuimos los encargados de conversar con la mayoría delas agrupaciones para conocer el trasfondo del hecho escénico y ofreceropiniones acerca de la recepción de los espectáculos. Temas como la afluenciadel público, la necesidad del “dramaturgista”, la revisión de las estéticas ylas condiciones de producción surgieron para demostrar una vez más que elteatro es algo vivo.

Esta edición queda para el recuerdo porque demuestrael compromiso de sus organizadores. Nada detiene al teatro, a sus promotores y,especialmente, a sus creadores. Por eso, el año que viene se cumplen 30 años deun festival que continua en pro de las artes escénicas venezolanas.

Funciones: 19 de Noviembre de 2011, los tres montajes.

Especial "Festival de Teatro de Occidente 2011" - 7: Mímica, monstruos y farsantes

2011-11-22T12:09:00.001-04:30

La edición 29 del Festival de teatro de Occidente entra en su recta final.

Desde México, Germán “el mimo” trajo un espectáculo con diversas rutinasque capturaron por igual a niños y adultos. El control corporal y elaprovechamiento del espacio permitieron que el público se deleitara con un buentrabajo de pantomima.

Batahola teatro, del Estado Portuguesa, presentó Monstruos en el closet, ogros bajo la cama, de Gustavo Ott,dirigido por Elvis Collado. La obra es una recreación simbólica de losatentados a la torres gemelas ocurridos el 11 de septiembre de 2001. La torrenorte y la torre sur cobran vida para relatarnos lo que sucedió ese día através de un fuerte contenido poético. Sin embargo, el texto me parece unacreación oportunista porque aprovecha el decenio de los atentados sin plantearnada nuevo y pretende vincular la violencia de este hecho con otros de distintaíndole. Más allá del cristal con que se mire, la violencia es violencia pero elfuerte contenido ideológico que subyace, hace que caiga en el terreno de lamanipulación.

La obra coloca en escena varios testimonios de pasajeros de los aviones, desus familiares, de los bomberos, en definitiva, de seres humanos que tuvieronvinculación directa con el suceso. Esto, más la narración simbólica de lastorres, crea un discurso poco dramático que presenta fragmentos que pretendenconducir obligatoriamente al espectador hacia un estado de conexión emocional. Además, el estilo narrativo le resta fuerza a la obra y crea problemas para la puesta enescena.

Con un texto poco teatral, la dirección debe realizar una puesta quemedianamente posea teatralidad. Collado propone desplazamientos constantes,simetría y equilibrio sobre el escenario para darle un sentido a cada parte dela pieza. No obstante, lucen forzados y poco creíbles por la forma que estáescrito el texto. Del mismo modo, la estética no encaja con lo que se dice. Eluso de ropa deportiva y de dos sillas para representar a las torres y demás personajes parece descontextualizado. Recomiendo orientar todo hacia unapropuesta arquitectónica que permita dar el tono simbólico que poseen lospersonajes y para que se comprenda que, al mismo tiempo, se interpretanotros.

Las actuaciones tienen altibajos. Mayeli Delfín y Josmary Aponterepresentan a las dos torres con fuerza, si bien la última es más efectiva quela primera. Ambas deben trabajar mejor las transiciones y no dejar siempre eltono alto al finalizar cada frase, pero sobre todo no deben forzar la exteriorizaciónde los sentimientos porque caen en la falsedad.

Teatro Moriche, de Cantaura, llevó a escena Inmundos farsantes, texto y dirección de Will Meza. Un trabajosin grandes pretensiones que quiere reflejar la viveza del latinoamericano.Rescato la honestidad de los intérpretes jóvenes, pero es necesario revisar eltexto y la dirección para no hacer evidente una temática en la que podríaprofundizarse. Además, podrían realizar una limpieza en lo estético para daruniformidad a los elementos escenográficos y al vestuario.

Queda por ver qué tienen preparado los últimos espectáculos.

Funciones: 18 de Noviembre de 2011, los tres montajes.

Especial "Festival de Teatro de Occidente 2011" - 6: Hermanas menguadas y la muerte de Allende

2011-11-19T16:20:00.001-04:30

ElXXIX Festival de Teatro de Occidente prosigue con montajes que ofrecen variedadestética y múltiples lecturas.

Laagrupación Petaka Teatro, de Argentina, presentó Menguada, la hora, versión de César Rojas del cuento “La hora menguada”de Rómulo Gallegos, interpretada por Jesús Gómez y Javier Otero, y dirigida porel primero. Ambos son venezolanos residenciados en Argentina y asumieron el riesgode interpretar dos personajes femeninos. La obra presenta el drama de Amelia yEnriqueta, dos hermanas que conviven en espera de un hijo que no regresa y cuyamaternidad es la causa de un odio reprimido.

Apropiadadirección, claridad estética y actuaciones orgánicas se conjugan en lapropuesta. La dirección delimita correctamente el espacio y demarca conprecisión el desplazamiento y las transiciones de los actores, sin perder elritmo. Una adecuada estética simbólica se percibe en los elementosescenográficos de líneas rígidas y colores térreos que se complementan con los recursos de utilería. Además, el vestuario proyecta cabalmente laforma de ser de los personajes. Los actores interpretan a las hermanas sin caeren el amaneramiento y falsedad vocal. Los personajes se componen a través de ladelicadeza del gesto en las manos, la verticalidad en la espalda, un peinadosimple y el uso de la misma voz del actor con el matiz justo. También, lograncontrolar el tránsito entre los momentos de intensidad donde la acción físicaes necesaria y de sutileza donde es más importante la intención del texto.

Hastaahora, ha sido uno de los mejores montajes que se ha presentado en estaedición del festival

LaFundación José Ignacio Cabrujas, proveniente del Estado Carabobo, llevó aescena el monólogo Allende, texto deRodolfo Quebleen y dirección de Williams Urdaneta. Elautor emplea documentos y grabaciones obtenidas del 11 de septiembre de 1973 para recrear la últimas horas de vida del presidentechileno Salvador Allende.

RobertoMoll asume el papel de Allende. Su extraordinaria capacidad interpretativa lepermite manejar correctamente la intensidad durante las diferentes situacionespor las que pasa el personaje. Ofrece la fuerza necesaria como el Allende quelucha por los desposeídos, sin embargo toma menos en cuenta su lado humano. Cuandohabla de su esposa, amante e hijas no deja que la emoción fluya y se desarrolle,algo que le conectaría aun más con el personaje y con cualquier espectador Ladirección puede revisar esto.

Lapropuesta escenográfica busca reflejar el despacho del chileno, aunque no tieneuniformidad estética. Es importante que haya correspondencia entre las tresmesas que están sobre el escenario, debido a que solamente el escritoriocentral tiene un estilo cercano a la época, al igual que solo dos de lassillas. Los aparatos telefónicos y de radio están mejor seleccionados. Por suparte, el vestuario sí es coherente con la imagen que se tiene del presidente.

Eldesplazamiento escénico ofrece variedad y cohesión con cada situación que viveAllende. No obstante, la iluminación luce plana y poco significante. No hay undiseño lumínico que evidencie el estado emocional del personaje, salvo elmomento en que se acerca al público y se sienta en la platea.

Porotro lado, es importante revisar la necesidad o no de los videos y fotografíasque se proyectan al final junto a un emotivo acompañamiento musical. Esto restafuerza al desenlace porque la frase final del texto es contundente. Colocarlosal principio podría ser más pertinente y ubicaría al público en el contextoreal de la situación.

Endefinitiva, un día para el recuerdo.

Funciones: 17 de Noviembre de 2011, ambos montajes.

Especial "Festival de Teatro de Occidente 2011" - 5: Humanidad y plasticidad

2011-11-19T16:06:00.001-04:30

La agrupación “Arriba las Hu!manos” de Chile presentó el espectáculo detíteres: Un botón en mi cabeza,creado y dirigido Enrique Crohare y Laura Mac Laughlin. En una historiasencilla que toca el tema de la individualidad: Clott es un niño que perdió asus padres en un accidente y vive con su hermana y abuelo, pero se sientedespreciado por llevar un botón en la cabeza.

El montaje aprovecha todos los mecanismos del teatro de títeres para evidenciarcon ellos situaciones y experiencias muy humanas. Se observa una extraordinariamanipulación de los muñecos y los objetos que se emplean, sin embargo muchosmomentos de la historia se diluyen. Es necesario concretar más el argumento yno desviarse o alargar algunas escenas que aportan poco al conflicto central.Pese a esto, resalto el uso de la revelación de la teatralidad que conecta al espectadorcon el hecho escénico y la capacidad para emocionar al público con lossentimientos que reflejan los personajes.

El grupo Teartes de Caracas llevó a escena: Doce cosas imposibles antes del desayuno, un trabajo queescenifica fragmentos de “Alicia en el país de las maravillas” y “A través delespejo” de Lewis Carroll, además de otros textos que tienen vinculación con lahistoria central en la que una joven llamada Alicia irrumpe en una tierrairreal. Para un futuro, podría revisarse la relación entre los fragmentos escogidos en aras de alcanzar una ilación dramática que sea más efectiva en términos de premisa y conflicto.

La dirección de Jericó Montilla propone la escenificación a partir de una propuesta plásticaque se percibe en el vestuario. Es imposible desvincular el diseño de vestuariode la representación porque ambos se complementan. De las doce escenas en lasque se desarrolla la trama, las que poseen mayor claridad estética en lacreación de nuevos referentes visuales y coherencia con el trabajo de dirección,son las siguientes: Para la oruga, un grupo de actores se viste con batas yusa abanicos que aluden al oriente del mundo. Su movimiento de danza balinesalogra una armonía coreográfica que es encomiable. El gato de Chesire estáataviado con un traje de plata y negro. Flota en el aire gracias al efecto dedos sombrillas decoradas con espirales que dan vueltas. El Sombrerero loco usaun traje de tonos marrones con corbatas que cuelgan, la Liebre de marzo es unactor que se viste como ama de casa y el Lirón se cubre con un sombrero y unaruana que dan el tono justo al personaje. Los tres realizan un hilarante yenergético juego contaste de traslado de sillas en línea recta para representarla mesa en la que sucede originalmente la acción. Humpty Dumpty es unpresentador de show que se rodea de porristas. Su desplazamiento se demarca deacuerdo al discurrir de sus argumentos. La Reina de corazones y su séquito dereinas son interpretadas indistintamente por actores o actrices que se vistencon faldas y una pechera que indican la condición femenina de los personajes,además de usar vistosos sombreros. El encuentro con ellas ocurre para presentarel conflicto final entre Alicia y su necesidad de irse de ese mundomaravilloso.

En las actuaciones, el elenco presenta diferentes niveles. Destaco eltrabajo de los actores que ofrecen cohesión entre voz y cuerpo en susdiferentes roles, a saber: Gabriel Agüero, Héctor Castro, Abel García, OswaldoMaccio y Orlando Paredes. Por su parte, Luis Alfredo Ramírez posee un buencontrol corporal, aunque los textos que dice son los más complicados dedecodificar, y Angélica Robles da la fuerza necesaria a su actuación.

Alicia es interpretada por tres actrices: Marcela Lunar, Ángela Meléndez ySain-ma Rada. Esto significa que cualquier persona puede ser el reflejo deAlicia, de acuerdo a las situaciones que le toque vivir. De las tres, resaltoel trabajo de Rada quien se conecta más con la veracidad e intensidad del rol sin perder la condiciónreal dentro de la locura que la rodea, mientras que Lunar y Meléndez debenevitar la forma cotidiana de hablar y ofrecer fuerza en los matices. Las tresmanejan cabalmente su cuerpo en los momentos que exige la propuesta.

En definitiva, una atractiva propuesta plástico-escénica que refleja elnuevo camino que transita este colectivo.

Funciones: 16 de Noviembre de 2011, ambos montajes.

Especial "Festival de Teatro de Occidente 2011" - 4: Un payaso como aventurero, un artista como paria

2011-11-18T16:18:00.001-04:30

El XXIX Festival de Teatro de Occidente avanza con presentaciones de mayorcalidad y profundidad.

Teatro Latente de Barquisimeto realizó el espectáculo Las aventuras de Clauss. En el más puro espíritu del “clown”,Héctor Liscano presenta una serie de rutinas en las que usa la pantomima, unamarioneta, la magia, el malabarismo, la globoflexia y el diábolo. Como elpersonaje Clauss, Liscano atrapa al público, no solamente porque invita a subiral escenario a varios espectadores para que participen con él, sino porquetambién demuestra extraordinarias condiciones en distintos ámbitos de las artesescénicas.

Este unipersonal se convirtió en un gran descubrimiento dentro delfestival.

El Teatro La Bacante presentó Paria,montaje teatral basado en aforismos de Cioran, con dramaturgia, producción ydirección de Diana Peñalver. El abandono a dios, el reconocimiento que losagrado se puede encontrar en el teatro, la limitación a la creación, lacensura al arte, la falsa caridad y la manipulación por parte del poder son lostemas de este trabajo.

En el plano de la dramaturgia, se parte de un coro que presenta elespectáculo y vincula el inicio con el teatro griego. Con el uso máscaras ylargas gabardinas, el coro expone la premisa inicial del abandono a dios.Luego, los actores se despojan de la imagen anterior para convertirse en lospersonajes de la historia central. Un asesinato producto de una prohibición esel punto de partida del argumento. Al principio, esto causa extrañeza ydesconcierto porque el público debe ir descubriendo y digiriendo poco a poco latrama. Con la vida circense como trasfondo, los recuerdos de Almitamía, unajoven inocente, se hacen reales y se comprende la causa de la muerte: Paria,una mujer cantante, rompe la norma de prohibición de la música no marcial. Parafinalizar, el crimen es recreado nuevamente como un círculo que cierra sutrayecto.

En lo estético, el montaje posee el uso llamativo de lo plástico. Laescenografía es el boceto en blanco y negro de una ciudad que podría sercualquier urbe del mundo. Varias puertas giratorias facilitan la entrada ysalida de los personajes. El vestuario tiene correspondencia con laambientación. El coro mantiene el esquema visual de lo escenográfico en suvestimenta y los demás trajes reflejan el espíritu de lo circense con un mayorcolorido y el uso del retazo y la enmienda.

En lo actoral, se destaca Lismar Ramírez que compone con buen manejo de latensión corporal y cohesión vocal a Almitamía. Es secundada por Diana Peñalvercomo la suelta e intensa Paria. Por su parte, Jericó Montilla, Abel García,Orlando Paredes y Marcos Suniaga ofrecen una buena correlación entre voz ycuerpo en todos sus roles.

Siempre se agradecen las propuestas de esta agrupación porque son productode la investigación antes de la escena, para la confrontación escénica y lareflexión durante y después de la escenificación.

Sean artistas, actores, payasos, aventureros o parias, los hombres ymujeres de teatro siguen demostrando su talento en el festival.

Funciones: 15 de Noviembre de 2011, ambos montajes.

Especial "Festival de Teatro de Occidente 2011" - 3: La revuelta del público y una batalla robada

2011-11-18T16:10:00.001-04:30

El tercer día de presentaciones en el Festival de Teatro de Occidente tuvomuchos altibajos.

La carpa “Cacao” fue lugar de una situación bochornosa. La presentación de La revuelta de los idiotas, co-producciónde los grupos Des acuerdo Teatro y Teatro Cronopio de Ecuador, fue víctima deun público agresivo y desconocedor de hecho teatral. Esto me lleva areflexionar sobre varios puntos.

Para comenzar, la carpa estuvo destinada en su mayoría a la exhibición detrabajos circenses en los primeros días del festival, por eso pienso que elpúblico que ocasionó la situación esperaba ver algo con el mismo estilo. Ensegundo lugar, me encontré con una audiencia poco educada y que parece haberasistido con la única intención de sabotear la representación. Es lamentableque los habitantes del sector donde se encuentra la carpa no comprendan elvalor que tiene el teatro, aunque sea como medio de entretenimiento. Porúltimo, queda esperar que dichas agrupaciones se reconcilien con Venezuela ysus pobladores en otra presentación que les permita ofrecer su propuesta escénica.

En el ámbito del montaje, lo sucedido durante la función no permitió que meconectara con el trabajo, aunque vi en escena a dos actrices que hicieron loimposible por controlar al público y que optaron por continuar a pesar de losinconvenientes. Esta decisión depuró a la audiencia e hizo que se quedaran enla platea aquellos interesados en ver la historia que se contaba. De lo pococon lo que pude conectarme, aprecié una propuesta en términos simbólicos dondese alcanza un nivel superior de expresividad corporal, el empleo de juegoscoreográficos y el tránsito por diversas situaciones en la que se teorizabasobre la conexión entre los seres humanos y un ser supremo.

El Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela(IIAVE) y su red de Teatro de los invisibles presentó: ¿Quién nos robó esa batalla?, de César Rengifo con dirección deAlberto Ravara. El texto pone en escena a varios veteranos de la Guerra de Independenciaque se quejan por no haber podido participar en la Batalla de Ayacucho. Durantela celebración de la victoria, las premoniciones y los sueños se hacenpresenten para indicar que, en un tiempo futuro, los habitantes de la repúblicaya constituida han olvidado la gesta.

La puesta en escena cambia el sentido dramático original del texto y lolleva hacia situaciones de comicidad. Esto es válido de hacerse con cualquiertexto, sin embargo el marcado acento realista de la dramaturgia de Rengifo haceque la propuesta de IIAVE luzca forzada y sin correspondencia estética. Además,la forma de componer los personajes y de vestirlos no se vincula con la premisade la obra, especialmente, en los roles de los Encopetados que se convierten enseres esperpénticos que parecen simbolizar la muerte.

Las actuaciones tienen diferentes niveles energéticos que no terminan deintegrarse. Es necesario mantener un equilibrio entre las intervenciones del actor que lleve la acción en un momento determinado y las reaccionesde los demás intérpretes. Esto es importante para que se comprenda el sentidodel texto. Por eso, hay que controlar las interjecciones, gritos y evitar quese agreguen constantemente textos que no están escritos. El elenco posee buenaenergía en lo individual, mas no en lo grupal.

El festival continúa…

Funciones: 14 de Noviembre de 2011, ambos montajes.

Especial "Festival de Teatro de Occidente 2011" - 2: Mestizaje circense y el viaje de Alegría y Mapulín

2011-11-16T16:01:00.001-04:30

El Festival de Teatro de Occidente continúa con espectáculos de diferentesgéneros.

En la carpa “Cacao”, el Circo Social de Portuguesa presentó el espectáculo circenseMestizaje. A partir del encuentro ydesencuentro entre los aborígenes y los españoles, la agrupación crea untrabajo escénico que utilizas los códigos del circo y, a la vez, cuenta lahistoria de la colonización.

El espectáculo comienza con mago que nos invita a trasladarnos a través desus actos de ilusión a una época remota. Luego, se presenta una coreografíaque muestra la presencia del indígena en su territorio original. Con lairrupción del español se crea el conflicto y, posteriormente de la lucha por lariqueza, se produce la mezcla entre razas.

Esta trama es desarrollada con una propuesta corporal en la que lascargadas, el equilibrismo y distintos ejercicios sobre guaya permiten lucir lasextraordinarias condiciones físicas de los intérpretes. Destaco el vestuarioque estiliza y refleja con propiedad la vestimenta de ambas razas.

Este grupo sorprende por su compromiso y claridad estética.

En la Sala Federico Collado, la Compañía Regional de Portuguesa presentó laproducción del Taller permanente de formación actoral: Alegría y Mapulín de Carlos Giménez, producción de Julián Ramos ydirección de Aníbal Grunn. En este trabajo para toda la familia, dos amigosllamados: Señora Mapulín y Señor Alegría, intentan llegar al "País de nuncaacabar” pero no lo consiguen. Se encuentran con diversos personajes queinterrumpen su trayecto hasta que descubren que con la magia del teatro puedenalcanzar lo que deseen.

El texto toca temas vigentes en la sociedad venezolana como la censura, elmilitarismo y la falta de individualidad. Los protagonistas se topan con Laseñora de la censura, como muchas personas sienten que deben limitar susopiniones. Luego, se encuentran con el Soldado que busca un General, al igualque muchos ciudadanos buscan desesperadamente alguien que los mande, y cuando elque manda es él, empieza el abuso de poder. A continuación, ambos personajesven cómo varios dobles los imitan y les hacen perder su individualidad. Finalmente,aparece la magia para demostrar que el teatro es el mejor medio para explotarla imaginación.

La dirección propone una interpretación donde los personajes sobrepasan elrealismo, mientras que el vestuario posee un variado juego de colores, al igual que lailuminación. Todo esto facilita la conexión con el público infantil que asistea la representación. Además, propone un espacio vacío que los actores llenancon un bien logrado juego de desplazamientos donde las marchas, filas,diagonales y otras combinaciones ofrecen variedad visual.

El trabajo actoral tiene un buen manejo de la energía. A la cabeza delelenco se encuentra Edilsa Montilla, como la Señora Mapulín, porque da la fuerzay el matiz justo a cada frase. Le sigue Roimber Peraza, como el Señor Alegría,quien maneja de forma pertinente su cuerpo y voz, aunque debe cuidar elequilibrio entre el paso de una situación a otra.

Se destaca el desparpajo y la honestidad de los jóvenes formados en eltaller: Carla Arroyo, Génesis Guanay, Rosa Grisman, Isdania Maluenga, MilagrosMontaña, Karelis Salazar, Alex Azócar y Yohan Vargas. La única recomendaciónque se les puede dar a ellos es que siempre deben estar atentos al manejo delcontenido orgánico para que cada uno de sus textos tenga la intensidadnecesaria y que eviten mecanizar su actuación.

En resumen, adultos y niños disfrutan por igual de untrabajo bien hecho.

Funciones: 12 y 13 de Noviembre de 2011, respectivamente.

Especial "Festival de teatro de occidente 2011" - 1: El desconocido Bolívar

2011-11-16T15:53:00.001-04:30

El Festival de Teatro de Occidente regresa en su edición número 29 como unavitrina para la exhibición de espectáculos regionales, naciones einternacionales. En la ciudad de Guanare, como sede principal, los espacios delfestival son las Salas Federico Collado y Alberto Ravara del Complejo Cultural"Herman Lejter", la carpa “Cacao” instalada por la Compañía Nacional de Circo yla Escuela de Teatro José Antonio Páez.

En la Sala Alberto Ravara, la Compañía Regional de Teatro de Portuguesallevó a escena El desconocido deTomás Jurado Zabala, con producción de Julián Ramos y dirección de CarlosArroyo. En días previos al llamado “Caracazo”, ocurrido el 27 de febrero de1989, un grupo de presos ensaya una obra que toca diversos momentos de la vidade Bolívar. La pieza es escrita por un periodista detenido debido a sus ideaspolíticas y fue encargada por el llamado Funcionario Cultura que, junto alapoyo del Director de la cárcel, desea ser reconocido por el presidente.

La mayor virtud del texto está presentar a Bolívar como un desconocido,debido a que muchas situaciones de su vida se han tergiversado. De igual forma,se destaca el paralelismo entre la libertad interior que buscan los presos altrabajar en la obra y la libertad exterior que exigió el pueblo al salir aprotestar en las calles durante el “Caracazo”. Ambos son el reflejo de losciudadanos de un país a quienes imponen cambios y dan órdenes sin razón, lo quecausa acciones, a veces extremas, en búsqueda de la libertad.

El montaje tienes tres niveles de lectura en la puesta en escena. El primernivel es el simbólico en el que el desplazamiento actoral está delimitado porun gran rectángulo en cuyos bordes transitan el Funcionario de Cultura y elDirector de la Cárcel, mientras que los presos utilizan la parte central. Estodemarca el poder que manda a los internos y que invade sus espacios cuandoquiere imponerse sobre ellos. También, se observa en el vestuario de los presosquienes parecen convertirse en militares que deben seguir las órdenes de sussuperiores sin quejarse.

El segundo nivel es el expresionista que se percibe en la vestimenta,maquillaje e interpretación del Funcionario y del Director. Ambos se conviertenen dos “clown” que llevan hasta el extremo el abuso de poder, si bien estánhaciendo el ridículo en el fondo, como dos payasos que pretenden controlar lalibertad de pensamiento. Además, los presos llevan rayas verticales maquilladasen sus caras como indicador de las rejas que coartan su libertad y de unamanera limitada de ver. Aunque el Periodista intenta librarse de esas rejas,está limitado, al igual que el público que solamente tiene en su memoria lahistoria que le han contado de Bolívar.

El tercer nivel es la revelación de la teatralidad. Los actores se sientanen ambos lados del escenario para esperar su entrada a escena y para colocarseelementos de vestuario. Esto le indica al público que está viendo teatro, queasiste a una representación y que debería observar de manera crítica lo que vesobre el escenario. Sin embargo, no hay forma de predecir las relaciones que sepueden establecer entre lo que se ve en escena y el entorno inmediato. De igualmanera, este nivel se percibe en la entrada, traslado y salida de los objetos,lo que sucede frente a los ojos de los espectadores.

Estos niveles se integran para conformar un montaje redondo en lo estético.

En las actuaciones, se destaca la intensidad y manejo de los matices deAníbal Grunn, como el Funcionario de Cultura, porque equilibra la forma externadel personaje y el contenido orgánico. Es secundado por Julián Ramos, como elDirector de la cárcel, porque dirige correctamente su interpretación hacia elterreno de lo bufonesco y por Jesús Plaza, como el preso Corredeivile, quien ofreceun encomiable manejo de las intenciones. Por su parte, Edilsa Montilla yWilfredo Peraza logran la fuerza necesaria es los roles de Manuela y elPeriodista, respectivamente. Job Jurado Guevara da el tono justo a Eldesconocido, aunque debe estar atento a su trabajo vocal. Finalmente, Efraín Castillo,William Ocanto y Roimber Peraza son pertinentes sus actuaciones.

En definitiva, esta compañía sigue arriesgándose concada espectáculo que presenta.

Función: 12 de Noviembre de 2011

La Reina vino con sueños frustrados

2011-11-14T15:59:00.001-04:30

En el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, Tumbarrancho teatro presenta Vino la Reina de Karin Valecillos, conproducción general de Patrizia Fusco y dirección de Jesús Carreño.

En un país que estaba a la expectativa con los conciertos del grupo Queenen 1981, un empresario que ve su oportunidad de riqueza, un joven que desea quesu condición sexual sea aceptada por su padre, un mensajero que intenta enamorara una secretaria y una anarquista que quiere demostrar su determinación son lascuatro historias que coinciden en un show televisivo. Ninguno logra lo quequiere porque el cambio que esperan alcanzar en sus vidas es arruinado por lainesperada muerte de Rómulo Betancourt.

La dirección plantea una puesta en escena simbolista que divide elescenario en cuatro espacios donde se presenta cada situación para luegoemplear todo el espacio en el show y la resolución de cada trama. Sin embargo, lasentradas y salidas de los personajes lucen forzadas, al igual que el incorrectouso del piso y la obligación de que los actores se vean frente a frente, en vezde adaptarse a la distribución de la sala.

El diseño de vestuario de Samantha Castillo refleja correctamente la época y la dirección de arte de Rober Calzadilla propone una escenografíasimple y simbólica acorde con la dirección de Carreño, mientras que la dirección musical de AbiramBrizuela da la ambientación justa a la obra.

En las actuaciones, el mejor trabajo es ofrecido por Vicente Peña como elmensajero José porque logra una admirable composición en la que integra lovocal, las intenciones y los gestos. Es secundado por Alejandro Díaz queaprovecha la sutileza de los gestos y matices para demostrar la sexualidad deClarkson. Elvis Chaveinte se percibe correcto y firme como el empresario Gerardo,al igual que Israel Moreno en sus dos roles. Giovanny García equilibra demanera pertinente la fuerza de Tomás que se debate entre su posición anarquistay la admiración a Queen.

Asimismo, Omaira Abinadé demuestra un buen manejo de las intenciones como lasufrida madre Noreida. Por su parte, Indira Jiménez como la secretaria Judi yPatrizia Fusco como la presentadora Mirna Manaure ofrecen dos interpretacionescabales y justas, mientras que Zuly Méndez como la aprendiz de anarquista Liberposee la imagen del personaje pero requiere mayor intensidad vocal y debereforzar los matices.

Hastaahora, este es el proyecto más ambicioso que ha presentado la agrupación y,pese a los detalles, salió airosa porque el montaje posee un aire de nostalgia,como en todos los trabajos que ha presentado, que nos hace pensar en un paísdonde los sueños frustrados están a la orden del día.

Función: 30 de Octubre de 2011

Diez años en las comunidades (II de II)

2011-11-06T02:36:00.000-04:30

Culminó ladécima edición de la Muestra de Teatro y Títeres en las comunidades de Caracas,organizada por el Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte enVenezuela (IIAVE). En ella, diversas agrupaciones del interior y del exterior tuvieronla oportunidad de exhibir sus espectáculos.

Una de ellas fuela agrupación teatral Coordinación de Yaracuy que presentó Eemarü el camino, producción general de Lusvio Ramírez y direcciónde Francisco Salazar. La ofrenda, el ritual, los olores y sabores confluyen eneste fascinante unipersonal que muestra varias historias en torno al origen delmito de María Lionza. El trabajo actoral de Elsy Loyo es muy completo en todoslos sentidos porque ofrece organicidad, manejo vocal y, sobre todo, corporal enel tránsito de una situación a otra.

Por su parte, elgrupo Moriche llevó a escena Inmundosfarsantes y Puerto teatro representó Lotería.Ambas agrupaciones, provenientes de Anzoátegui, demostraron el crecientetalento joven que existe en las regiones. El primer trabajo es muy sencillo ypodría explotar más la temática de la viveza venezolana, mientras que en elsegundo los actores mostraron honestidad, aunque no poseían la edad yexperiencia que requerían los personajes.

Desde España, elteatro Emer-gente de Catalunya montó un pretendido homenaje a Picasso llamado Pintora y poeta, dirigido por RosalíaMartínez Ortega. A partir de una trama poco original de una pintora obsesionadacon su trabajo, el montaje adolece de una estructura dramática que se soporte.Además, la puesta en escena estuvo cargada de elementos gratuitos como undesnudo, largas escenas de sexo sugerido y textos poéticos irrelevantes, lo quedemuestra que el teatro requiere seriedad, compromiso y, en especial, claridadestética para realizarse.

Teatro D’ dos deCuba realizó el montaje Acuememe deManuel Martínez, dirección de Julio César Ramírez. Este unipersonal tiene como base un textodesestructurado y nostálgico acerca de la historia de La habana. Betsy Rodríguezdiferencia cada personaje que interpreta en su tono justo y real. Con unapuesta en escena que valora el paso de un rol a otro, una revisión o versióndel texto redondearía el espectáculo.

De Caracas, Sezaproducciones realizó una versión de textos de Franca Rame y Darío Fó llamada Los varones como hijos del silencio,dirigida por Néstor González. Con una bien lograda actuación orgánica de YonyiGutiérrez, la simbología del comienzo y la desnudez deben revisarse.

Endefinitiva, son 10 años de trabajo continuo para mantener la presencia de lasartes escénicas en las parroquias caraqueñas.

Funciones: 18, 19, 22, 24, 25 y 26 de Octubre de 2011

Diez años en las comunidades (I de II)

2011-11-06T02:22:00.003-04:30

El Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela(IIAVE) organiza la décima edición de la Muestra Internacional de Teatro yTíteres en las comunidades de Caracas. Como es tradición, el mes de octubre seconvierte en una fiesta teatral que se instala en las parroquias caraqueñas. Elrecién restaurado Teatro Principal, la Sala Experimental del CELARG y la SalaAltosf de Parque Central sirven de sede para los trabajos de sala, mientras quemúltiples espacios de instituciones educativas, casas de la cultura, parques,plazas y la Sala CADAFE se convierten en escenarios para el teatro infantil, decalle, títeres, marionetas y artes circenses.

Dentro del teatro para adultos, está la Compañía Regional de Teatro dePortuguesa que presentó El desconocidode Tomás Jurado Zabala, dirigido por Carlos Arroyo. En la obra, un grupo dereos ensaya y representa la vida de Bolívar en días previos al 27 de febrero de1989. La dirección propone una estética expresionista para resaltar el sentidodel texto que trata sobre la censura del arte y el abuso del poder. Se destacanlas actuaciones de Aníbal Grunn, Edilsa Montilla y Jesús Plaza.

Kabré teatro llevó a escena Lasbejarano, escrita y dirigida por Wilfredo Tortosa. A partir de laexistencia real de tres hermanas reposteras en la Caracas independentista, tresactores se travisten para ofrecer una lección de historia donde se logracabalmente la hilaridad.

El colectivo IIAVE – Teatro de los invisibles montó ¿Quién nos robó esa batalla? de César Rengifo con dirección deAlberto Ravara. Esta representación de varios personajes que coinciden en lacelebración por la victoria en la Batalla de Ayacucho requiere mayor rigor. Esnecesario equilibrar varios excesos de la puesta en escena que no reflejan laintención del texto y depurar los matices y el trabajo vocal de los actores,aunque poseen buena energía.

Desde Argentina, la Compañía Municipal Oncativo trajo Hermanas siamesas de Mariana Trajtemberg, versión libre y direcciónde Mario Arietto. Dos hermanas de edad avanzada sobreviven vigilando yentregando listas de los traidores a funcionarios de la dictadura militar. Conun acabado estilo naturalista en la dirección y las actuaciones de Susana Loosy Nélida Pontte, el montaje nos recuerda la importancia de la memoria conmomentos donde se rompe la teatralidad y se habla directamente al público.

Porotro lado, los trabajos de los grupos Mandrágora de Argentina, El mundo alrevés de Colombia y Babalawos de Perú han podido apreciarse dentro de unamuestra que busca mantener la conexión fundamental entre el ser humano y elarte.

Funciones: 10, 13, 14 y 15 de Octubre de 2011

Escándalos chejovianos

2011-11-06T02:17:00.001-04:30

En la Sala Cabrujas de la Fundación Cultural Chacao, el grupo teatralEmergente de Caracas presenta Escándalospersonales, espectáculo basado en cuentos y obras breves del escritor rusoAnton Chéjov, producido y dirigido por Jesús Delgado.

Mientras reflexiona acerca de la suma de instantes que es la existenciahumana, el mismo Chéjov conduce al público a lo largo de cinco historias cuyospersonajes aparecen como si cobraran vida delante de sus ojos. Larepresentación del escritor es realizada con firmeza por Gerardo Soto con unencomiable manejo de lo vocal y lo corporal.

La primera historia es “El estornudo”. Un trabajador de ministerio se veenvuelto en una curiosa situación llevada al extremo. La actuación de GermánAnzola como Cherviakov logra la verdad en todos los sentidos y Carlos Clemares eseficaz como El general.

“La institutriz” muestra la diferencia de clases en una situacióndesagradable de abuso de poder y docilidad. Marisol Da Silva y Stella Guerreroofrecen las intenciones necesarias como La señora y Julia, respectivamente.

En “El arreglo”, Chéjov de 19 años recibe un regalo sexual por parte de supadre. Gerardo Soto interpreta con veracidad al Padre, junto al emotivo FulvioQuintana como Antosha y al trabajo correcto de Ivonne Vela como Nina.

“La audición” presenta a una actriz joven que supera todos loscontratiempos para demostrar su talento. Soto mantiene su actuación cabal comoEl escritor y Patricia Pacheco proporciona una pertinente interpretacióncargada de sentimientos como Nina.

Por su parte, la comedia “El oso” es el trabajo menos logrado. La sutilezade las situaciones debe trabajarse mejor, al igual que los matices, las pausasy la intensidad de cada rol.

En general, la dirección conduce cabalmente la narrativa corta teatralizaday la representación de las piezas. Equilibra el escenario y determina conhabilidad los desplazamientos de los personajes. Esto se complementa con unacoreografía que marca el inicio y en la que los actores se dejan guiar comomarionetas dispuestas a interpretar sus roles.

Con una ambientación e iluminación sencillas, el montaje adquiereconsistencia gracias al diseño y realización de vestuario de Joaquín Nández queda el tono justo a cada personaje con el empleo de colores y estilos quediferencian a cada clase social, aparte de ataviar a Chéjov con un fino traje amodo de presentador.

Coneste espectáculo, el grupo ha conseguido el apoyo del público. Esto demuestraque es el más completo que ha presentado en su corta trayectoria y, además, leindica el camino que debe seguir hacia la consolidación de una estética propia.

Función: 21 de octubre de 2011

Canibalismo dorado y sabores agridulces

2011-11-06T02:01:00.000-04:30

Canibalismo: En la Sala Anna Julia Rojas de Unearte, laagrupación Río Teatro Caribe presenta Machetecaníbal con dramaturgia de Francisco Denis y Arved Schultze, producción deSusana López y dirección de Francisco Denis. El mito de “El Dorado” es el puntode partida para la interrelación entre cuatro historias en las que unacampesina es raptada por indígenas, el alemán Felipe Von Hutten se lanza a latarea de encontrar la famosa ciudad de oro, el tirano Lope de Aguirre habla delos excesos que cometió y una periodista descubre la verdad acerca de la plantade procesamiento del caucho llamada Fordlandia.

El barroco y realismo mágico, estéticas propias de Latinoamérica, se hacenpresentes para vincular épocas, espacios y personajes. Dividido en dos actos,el montaje está cargado de intensidad y ritmo gracias a la expresividadcorporal, el empleo de diversos objetos, lo audiovisual y la música del grupoQuinto Aguacate. Sin embargo, la energía se pierde con la extraña y pocooriginal parte final dedicada a Fordlandia, el único punto débil. Por su parte,las interpretaciones de Susana López, Vera Linares, Osleida Pérez, DixonDacosta, Mauricio Gómez y Pastor Oviedo demuestran veracidad y compromiso.

En definitiva, un interesante experimento teatral como acostumbra presentareste colectivo.

Función: 7 de Octubre de 2011

Sabores: En su sala homónima, el grupo Rajatabla presentaAgridulce de Glener Morales conproducción general de Williams López y dirección de Rufino Dorta como parte dela Segunda Muestra de Dramaturgia Nacional en homenaje a Rodolfo Santana. Conuna historia discontinua, se habla de una época pasada donde “el sabor de lasquerencias”, como indica el subtítulo de la pieza, es agridulce debido a los conceptosmorales que se poseían.

Un hombre que recibe una petición, otro de conceptos rígidos, una mujer quesufre porque no ha tenido hijos, otra cuyo matrimonio se he desmoronado y unajoven que pasa de niña a mujer son los personajes de un drama inconcluso. No secomprenden las razones, solamente hay consecuencias en un texto sin acciónescénica y tan codificado que limita la función comunicacional propia delteatro.

Al partir de esta limitación, la dirección hace poco al proponer una puestaen escena simbólica que no decodifica el texto y, por lo tanto, no resuelve susproblemas estructurales. Con el uso desigual de una escenografía de desnivelesy un apropiado vestuario de época, los actores se limitan a decir conintensidad lo que le corresponde.

Mepregunto, ¿por qué esta agrupación escoge un texto desvinculado de su línea detrabajo y que podría perjudicar la asistencia del público a su sala?

Función: 8 de Octubre de 2011

Noviciado musical venezolano

2011-10-13T13:20:00.001-04:30

En la Sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño, Escena Plus producciones, Showcenter e Interart presentaron el musical La novicia rebelde con producción ejecutiva de Luis Bravo, producción general de Claudia Salazar y dirección general de Vicente Albarracín. A partir de la música, letra y libreto original de The sound of music (El sonido de la música), la producción venezolana cuenta la historia de la novicia que fue enviada a trabajar como institutriz de siete hijos de un capitán de marina y encontró el amor.

La dirección general propone una adecuada puesta en escena que integra cada elemento, desplaza de forma lógica a los actores y crea una sorprendente composición de movimientos para los cambios de ambientación que suceden frente al público, junto a la eficaz dirección coreográfica de Luz Urdaneta.

Por su parte, el diseño de escenografía de Edwin Erminy sirve para diferenciar apropiadamente cada espacio de la acción con el uso de módulos que se trasladan de un lado a otro y se complementan con la tramoya. Sus colores en tonos pasteles ofrecen un fondo propicio para distinguir el vestuario diseñado por Raquel Ríos. Cada traje diferencia correctamente a cada personaje en su forma y empleo de la tonalidad. En cambio, el diseño de iluminación de Ángel Ancona luce tímido y plano para un musical.

La música es ya clásica dentro del género y, en este caso, mantiene la energía necesaria gracias a la dirección musical de Elisa Vegas y el acompañamiento de la Orquesta sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho.

Las actuaciones están equilibradas y correctas para representar a personajes claramente definidos dentro de la trama. Mariaca Semprún como María Rainer aprovecha al máximo sus dotes vocales y da el tono justo a la hora de manejar las intenciones. Rolando Padilla, Gustavo Rodríguez y Julio Alcázar son pertinentes en sus roles del Capitán Von Trapp, Max Detweiler y el mayordomo Franz, respectivamente. De igual manera, Fanny Arjona como la Baronesa Elsa Schraeder y Maritza Briceño como Frau Schmidt, el ama de llaves, se perciben acertadas. Se destaca Lucy Ferrero que ofrece una emotiva interpretación como la Madre superiora. El más débil de la función fue Lester Arias como Rolf Gruber que lució desconcentrado y sin los matices requeridos. Por otro lado, la historia no tuviera razón de ser sin los hijos del Capitán Von Trapp que brindan inocencia y veracidad con Natalia Román, Emily Caraballo y Cristian Quintana a la cabeza.

Con todo el esfuerzo y costos que implica la realización de una producción como esta, siempre se agradece la presencia de un musical en la cartelera teatral venezolana.

Función: 2 de Octubre de 2011

Dominación lúdica y divinidad actoral

2011-10-13T13:06:00.003-04:30

Dominación: En el teatrino del Laboratorio Anna Julia Rojas, la agrupación Horus Teatro presentó El juego de Mariela Romero con producción ejecutiva de Orlando Alfonzo y dirección de Jaime Feliu Cervi. Como parte del ciclo aniversario “Se ve solamente lo que tú quieras ver, 5 años, 5 obras”, se presenta este montaje de un texto ya clásico para el teatro venezolano en el que dos mujeres de nombre Ana crean juegos de dominación y dependencia.

La dirección da la importancia a cada escena de juego, aunque el espacio no ayuda para ello. Hay situaciones que se pierden debido a la cercanía del público y al trabajo frontal de las actrices, además de no aprovechar el fondo del escenario.

Por otro lado, la estética no se acopla a las situaciones. El uso de retazos de tela y pinturas no adquiere mayor relevancia, así como el vestuario desaliñado. Solamente, la ambientación de hilos cruzados simboliza la imposibilidad de escapar.

En las actuaciones, Patricia Ramírez como Ana I ofrece buenos momentos de desenfado, aunque debe matizar mejor porque se percibe plana en su mayoría. En cambio, Stephania Nevado como Ana II matiza cabalmente sin perder la intención de su personaje.

Como se ve, un trabajo con altibajos de un grupo joven que poco a poco gana terreno en el panorama teatral.

Divinidad: En la sala Luis Peraza, sede del Taller Experimental de Teatro, se presentó Divino Pastor Góngora, producción mexicana de La Coperacha y El Arte de los Títeres A.C. con dramaturgia de Jaime Chabaud y dirección de Javier Serrano. El espectáculo es un unipersonal cuyo título alude al nombre de un actor ficticio de La Nueva España del siglo XVIII. Divino interpreta, narra y canta su vida y su arte mientras está encerrado en una mazmorra y en espera de ser ejecutado por llevar una vida licenciosa y, supuestamente, apoyar la independencia.

La dramaturgia maneja cabalmente el lenguaje de la época en las situaciones que presenta y que van aumentando en tensión. Cada situación posee un tiempo y espacio determinado que adquiere sentido con el ir y venir de las divagaciones del personaje, causadas por su destino inminente y en las que se utiliza la metateatralidad.

La dirección se encarga de remarcar cada acción dramática y equilibrar el paso de una a otra. Para ello, se apoya en el diseño de iluminación del mismo director y la música original y escenofonía de Rommel Winkler.

Por supuesto, todo esto no tendría sentido sin la comprometida interpretación de Héctor Caro que da el tono justo a cada situación y aprovecha al máximo cada rol que asume. Su expresión del cuerpo es maleable y su voz ofrece una amplia variedad de matices.

En definitiva, un admirable trabajo teatral.

Funciones: 23 y 25 de Septiembre de 2011, respectivamente

Que así sea la discriminación

2011-10-13T13:03:00.002-04:30

En la Sala experimental del Celarg, la agrupación Teatro Forte presenta Amen del catalán Carlos Be con adaptación y dirección de Vladimir Vera. La discriminación y la homosexualidad son el punto de partida para hablar de la falsa fe de la iglesia católica, la violación de menores, la manipulación de los medios, la no aceptación de la realidad y el fusilamiento de Federico García Lorca.

El texto es una muestra de la dramaturgia europea contemporánea en la que se deja de lado el modelo clásico por la fragmentación y desestructuración de las acciones. Por esto, la representación causa una sensación de extrañeza. Las situaciones se presentan pero no se desarrollan, los conflictos se presentan pero no se solucionan, los planteamientos comienzan pero no concluyen. Claro, las situaciones, los conflictos y planteamientos giran en torno a un solo tema: la discriminación y la homosexualidad; un tema en desarrollo, que aun no tiene solución, que no ha concluido.

La dirección aprovecha esta forma vanguardista del texto para hacer evidente la teatralidad. Los actores deambulan por la escena mientras ejecutan un rol, se cambian de vestuario o apoyan lo que sucede con acciones, gestos, sonidos e imágenes corporales que remiten a pinturas famosas. El paso de una acción a otra, de un personaje a otro es patente. No se abandona la idea de que se está haciendo teatro y no se pierde la condición de actor.

En lo estético, este grupo posee un estilo en el que lo audiovisual apoya la escena y se usa un vestuario de elementos reciclados, de trozos de tela y de formas asimétricas. Este caso no es la excepción. Las imágenes que presentan sirven para reforzar las visiones sobre el tema discriminatorio y el vestuario refleja a cuatro personajes homosexuales que se encargan de representar todos los roles del texto. Además de la edición de video de Wilmer Martus y del diseño y elaboración de vestuario de Fedora Freites, la dirección de arte e iluminación de Gala Garrido Lozada complementa lo anterior con un contraste de luces y sombras.

Los actores presentan los personajes, más que sentirlos o interpretarlos. Fedora Freites, Yuruby Soto, Elvis Chaveinte y Paul Gámez transitan entre cada rol y, por ende, entre cada situación mostrando las emociones necesarias sin dejarse llevar por ellas, salvo en dos o tres momentos que lo requieren como el relato de una violación o el asesinato de García Lorca. Todos manejan bien el cuerpo y la voz.

Una advertencia al público: no encontrarse con el típico teatro y la extrañeza que se siente puede llevar a la aceptación o al rechazo, aunque ambos le conducirán a una reflexión sobre el tema.

Función: 18 de Septiembre de 2011

Teatro en la Isla de Margarita

2011-10-13T12:58:00.000-04:30

Aunque la mayoría del teatro venezolano se concentra en la Zona Metropolitana de Caracas, es bueno conocer y valorar aquel que se realiza en otras partes del país. Así que, por diversas razones viajeras y familiares, considero importante hablar del teatro en la Isla de Margarita. Destino turístico nacional e internacional por excelencia, en Margarita se presentan con regularidad los espectáculos más exitosos que se realizan en Caracas y que incluyen en sus elencos a actores que, en su mayoría, han trabajado en la televisión venezolana. Sin embargo, voy a comentar del otro teatro, del teatro que nace y se presenta en la isla.

Un sitio que ha cobrado importancia dentro del movimiento cultural y, por ende, teatral es la Casa de la Cultura Pueblo de La Mar Ramón Vásquez Brito en Porlamar. Para el teatro, esta casa cuenta con la Sala Inocente Carreño. Junto a ella, se encuentran dos salas de exposiciones, una de usos múltiples, una de conferencias y un salón de ensayo. Con el auspicio de esta fundación, se está celebrando actualmente el Segundo Encuentro Escenas que rinde homenaje a una figura importante del teatro margariteño: José Salas. Las agrupaciones participantes son: Nuevo Elenco, Reflejos, Pequeño Teatro de Los Robles, El murmullo de las venas y Las Ruinas del Teatro.

Otro lugar conocido es el Pequeño Teatro de Los Robles que se encuentra en el sector al que debe su nombre. Además de servir como espacio de presentación, esta institución tiene su agrupación estable y ofrece talleres.

De igual manera, el Complejo Cultural Teatro Simón Bolívar de Juan Griego es un punto tradicional en la región insular. Aparte de organizar un festival de artes integradas y de tener varias agrupaciones dancísticas y teatrales como residentes; el Museo de Arte Moderno de Margarita, el Fondo Editorial Los ojos de la lechuza y el Centro Internacional de la Imagen forman parte del complejo.

Por otro lado, se encuentra el Centro de Artes Omar Carreño de La Asunción. Este centro es la sede del Instituto Autónomo de Cultura de la Gobernación de Nueva Esparta y posee una sala de conciertos, una galería y un espacio alternativo para las artes.

Como se ve, Margarita ofrece una variedad de espacios con programación cultural que puede complementar las consabidas actividades playeras y de consumo. Una parte importante de esa programación es el teatro que se crea en la isla por encima del que viaja de Caracas. Queda de parte de los turistas y habitantes equilibrar entre lo local y lo foráneo. Lo que es indiscutible es el necesario apoyo del Estado, sin embargo éste todavía tiene una gran deuda con el sector teatral venezolano.

La locura que cambió el destino del país

2011-09-20T13:22:00.001-04:30

En el Teatro Trasnocho, MJM Producciones presenta Diógenes y las camisas voladoras de Javier Vidal, con producción general de Margarita Lamas y dirección de Moisés Guevara.

La pieza recrea un momento crucial de la historia de Venezuela en el que Diógenes Escalante, candidato a la presidencia, muestra indicios de locura cuando cree que sus camisas salieron volando por la ventana. Esta situación cambió el futuro del país debido a que Escalante tenía el apoyo de todos los sectores del país en el año de 1945. Su renuncia a la candidatura fue algo inevitable y se convirtió en una de las causas de los dos golpes de Estado que se sucedieron en tres años, es decir, que por culpa de una enfermedad (en este caso mental) Venezuela se vio envuelta en la inestabilidad política.

El texto comienza con el momento de locura de Escalante para luego presentar los sucesos previos en los que su secretario privado y coleguita, un periodista que contrata como asesor, se convierten en los testigos e informantes de su estado mental. La progresión dramática se mantiene dentro de lo estándar, si bien algunas situaciones carecen de acción teatral como la discusión en torno a la gastronomía venezolana. Pese a esto, Vidal crea un texto reflexivo y bien estructurado.

La dirección mueve a los actores lo necesario para el desarrollo de las acciones y mantiene el estatismo en otros momentos. Destaca la forma en que se revela la teatralidad con el uso de un podio donde el secretario y coleguita ubican a la audiencia en la fecha de la acción e indican lo que sucederá, además de emplear dos sillones donde esperan para entrar a escena. La escenografía y el vestuario diseñados por Fernando Calzadilla se complementan al presentar una ambientación que refleja la habitación del hotel que se reconoce iconográficamente por una gran imagen del Ávila al fondo y varios trajes cuyos estilos muestran la época de la acción.

En las actuaciones, Javier Vidal ofrece una atinada interpretación como Diógenes Escalante. Equilibra apropiadamente el paso de la conciencia hasta la locura, aunque en los momentos de mayor fuerza pierde un poco el acento y los matices que emplea correctamente en las primeras escenas. José Miguel Dao como Ramón J. Velásquez “coleguita” maneja de forma encomiable lo vocal y lo corporal en su trabajo. Por su parte, Jan Vidal Restifo como Hugo Orozco, el secretario, tiene momentos de franqueza pero requiere más intensidad y veracidad para brindar las intenciones del personaje.

En definitiva, una bien lograda reflexión histórica de un personaje cuya locura cambió lo que, posiblemente, habría sido un mejor destino para el país.

Función: 21 de Agosto de 2011

El petróleo es el poder

2011-09-20T13:20:00.001-04:30

El Grupo actoral 80 presenta Petroleros suicidas de Ibsen Martínez, producida por Carolina Rincón y dirigida por Héctor Manrique, en la Sala de Conciertos del Centro Cultural BOD CORPBANCA. El reencuentro de un ex matrimonio sirve de punto de partida para que surjan los recuerdos de las causas de la separación con la industria petrolera venezolana de trasfondo.

En un texto estructurado con relatos, “flashback” y recreación de situaciones, Martínez refleja la forma de pensar del venezolano. Cuenta la leyenda urbana de los suicidios de diversos ejecutivos petroleros, luego de su despido en televisión. Pero, en este país particular, nadie se suicidó como ocurrió en otros sitios por culpa de la crisis económica mundial. Es tan particular que un paro petrolero y de trabajadores de grandes dimensiones, no consiguió su objetivo. Pareciera que el venezolano sobrevive en las condiciones más adversas.

Nos presenta al venezolano que aprovecha la cuota de poder que tenga. Si el petróleo te da la posibilidad de obtener el dinero para ocultar una muerte, para pagar extorsiones, para el sicariato o para viajar por el exterior con todos los beneficios, como hacen los personajes de la obra, pues se aprovecha. También vemos al venezolano que desea que “lo pongan donde ahí” y que, sin haber hecho ningún mérito, lo logra.

En correspondencia con el texto, la dirección se presenta entre lo simbólico y la revelación de la teatralidad. Los personajes principales entran y salen según se necesite, pero los secundarios permanecen en escena. Los elementos escenográficos se trasladan frente a la vista de la audiencia. El diseño de escenografía de Edwin Erminy propone como ambientación un almacén de archivos de tonos grises que se complementa con la iluminación de lámparas y focos tradicionales, diseñada por José Jiménez. El vestuario de Eva Ivanyi delinea a cada personaje, si bien podría integrarse más a lo grisáceo.

En las actuaciones, Fabiola Colmenares e Iván Tamayo ofrecen un manejo correcto de la intensidad y las intenciones como Natalia y Cayetano, respectivamente. Luis Abreu como el Coronel Arroyo Valera aprovecha sus intervenciones al brindar los matices necesarios. Resalta el trabajo de Dimas González como Alexis “Mayimbe” Espósito porque compone de forma excepcional un personaje donde lo corporal y lo vocal van de la mano.

“¿Qué tendrá en petróleo que envenena?” es la frase final del texto que retumba en la mente de los espectadores. El petróleo simboliza el poder en Venezuela y su particular forma de envenenar continuará porque es, prácticamente, nuestro único medio de sustento económico.

Función: 27 de Agosto de 2011

Teatro en el centro de Caracas

2011-09-20T13:17:00.001-04:30

Los teatros del centro caraqueño han reabierto con diferentes espectáculos de entrada libre. Precisamente, Fundarte y la Compañía Nacional de Teatro presentan Bolívar doméstico de Roberto Azuaje, con dirección de Adolfo Nittoli, en el Teatro Municipal. En la pieza, Bolívar adulto cuenta a Joaquín Posada sobre su primer amor y su vida doméstica, a través del “flashback” cinematográfico. Con el uso erróneo de algunas expresiones actuales, las situaciones son propias de un melodrama.

Para el cuento inicial, el empleo los pasillos de la platea es innecesario porque se pierde la visual de los actores. Tampoco parece necesaria la espectacularidad del final cuando se pretende la desmitificación del héroe. Para la historia de Bolívar joven, los desplazamientos tienen como pauta el equilibrio que determina un gran mueble central y las líneas convergentes que forman varios paneles laterales. Esto, junto a la presencia de la entrada posterior, ofrece una puesta en escena muy “limpia” pero que requiere mayor precisión en los actores para que eviten solaparse unos con otros. No obstante, el diseño de escenografía de Héctor Becerra es aprovechado.

Por otro lado, el diseño de vestuario de Jenif Tovar es muy desigual. Su mayor virtud es el uso de estilos más contemporáneos, anacrónicos y algunos rasgos de época para la vida de Bolívar joven. Esto se corresponde con la idea de desmitificar, aunque no refleja el cambio de tiempo y de lugar que se da entre las escenas. En la ropa masculina mantiene una tonalidad de colores, salvo la incompresible gabardina azul de Bolívar que rompe la línea estética. De igual forma, sucede con la ropa femenina en la que no hay una moda definida en María Teresa ni en María Francisca. En contraste, la época real se percibe en Joaquín Posada que está vestido a la usanza de principios del siglo XIX y en Bolívar adulto que usa su característico traje militar.

En las actuaciones, José Luis Useche rompe con la desmitificación debido a la forma impostada que asume como Bolívar adulto, mientras que Fernando Moreno ofrece una correcta naturalidad como Bolívar joven. César Bencid como el Márquez de Ustáriz y Salomón Adames como Don Bernardo son pertinentes en sus trabajos, al igual que María Brito como María Francisca y Elvis Chaveinte como Pedro Rodríguez. Se destaca la franqueza de María Alejandra Tellis como Hipólita y de Giovanny García como Joaquín Posada. El trabajo más débil es el de Adriana Gavini como María Teresa del Toro porque se queda en la simple demostración de los sentimientos.

Habrá que esperar para ver si este circuito teatral se reactiva de una vez por todas.

Función: 20 de Agosto de 2011

Visión y pasión teatral (II de II)

2011-08-20T03:38:00.003-04:30

Culminó la octava edición del Festival Teatral de Autor (Festea) dedicada a la dramaturgia de Javier Moreno, Elio Palencia y Paul Williams. Pathmon producciones, como ente organizador, realizó talleres, charlas, foros críticos y, en especial, facilitó la presencia de grupos de jóvenes teatreros.

Barón Rampante de México realizó el montaje de Penitentes de Palencia, dirigido por Jean Paul Carstensen. A partir de la recreación de la muerte de un sacerdote en un hotel de Caracas, la propuesta deja de lado el realismo del texto para evidenciar el trasfondo homosexual a través del simbolismo del vestuario conformado por unas pesadas faldas y de la expresividad corporal con la que se desplazan los actores. Sobreponiéndose a la falta de un actor que no pudo entrar al país por problemas burocráticos, Rodrigo Canchola y el mismo Carstensen manejaron cabalmente sus intenciones con el apoyo del venezolano Delbis Cardona, aunque el ritmo tuvo altibajos.

También de México, Imaginartes presentó Coloquio de hipócritas de Williams con diseño de escenografía, vestuario, actuaciones y dirección de Rodrigo Canchola y Sotero Castrejón. Dos amigos, enamorados de la misma mujer, se mienten mutuamente para herirse y sobrellevar la traición. El trabajo posee tres niveles que conforman un espectáculo redondo: una interpretación cargada de farsa y rompimientos que acentúan el texto, una planta de movimientos donde hacen gala de lo corporal y deshacen la vinculación texto – gesto, y una ambientación onírica que se complementa con el vestuario de toques infantiles.

Lafratta Teatro de Maracay trajo Las tijeras de Williams con producción de Firelley Fernández y apropiada dirección de Hans Velásquez. Las actuaciones de Daifra Blanco y Daniel Vásquez ofrecen la veracidad e intensidad necesarias como la pareja de esposos que pretende comunicarse para escapar del tedio, aunque establecen un juego de víctima y victimario en sus conversaciones fragmentadas.

De las agrupaciones invitadas, destacó Jóvenes Actores de Vargas con El cáliz amargo de una santera de Jan Thomas Mora, dirigida por Maigualida Gamero. El catolicismo y el espiritismo chocan en las figuras de dos hermanos. Con un texto que presenta un conflicto claro pero carente de acción teatral, la sugerente ambientación expresionista adquiere significado gracias a las comprometidas actuaciones de Marytere Buitrago, Carlos del Castillo y Javier De Vita.

La siguiente edición del festival estará dedicada al llamado “teatro del absurdo” en la que se rendirá homenaje al francés Jean Genet, el rumano Eugene Ionesco y el inglés Harold Pinter.

Funciones: 1, 2, 4 y 6 de Agosto de 2011

Visión y pasión teatral (I de II)

2011-08-20T03:34:00.004-04:30

La octava edición del Festival Teatral de Autor (Festea), organizada por Pathmon producciones, se celebró en el Teatro Alberto de Paz y Mateos como sede principal. Este encuentro de carácter anual se realizó una vez más para que agrupaciones de jóvenes creadores exhiban sus trabajos. Con el nombre de “Dramaturgia venezolana en acción: Tres visiones, una pasión”, el festival estuvo dedicado a Javier Moreno, Elio Palencia y Paul Williams.

Para la inauguración, Pathmon presentó Combatientes del español Antonio Hernández Centeno con dirección de Maigualida Gamero. Con un texto reiterativo y sin una premisa clara sobre la psicología militarista y los excesos de la guerra, la puesta en escena debe dejar de lado el realismo para hacer énfasis en el simbolismo que se propuso en la escena inicial y que daría mayor contundencia a las siguientes. Las actuaciones de José Gregorio Franquiz y Carlos Alberto Sánchez requieren mayor fuerza, mientras que Yohana Bello debe diferenciar sus tres personajes.

El grupo Arte latente llevó a escena Invasión de Paul Williams, producida por Zenahit Contreras y dirigida por Dionys Fuentes. En el futuro, una pareja de esposos de clase alta, apoderados por la pasividad que produce la tecnología, se da cuenta que los androides que hacen las tareas de la casa deciden rebelarse. Con una ambientación sencilla y una apropiada selección musical, la dirección debe subrayar la tensión creciente que plantea el texto. En las actuaciones, Marlon Hernández se percibe muy pasivo, Ana Márquez es más pertinente pero puede cuidar su corporalidad y Carlos Calderón como los androides maneja excepcionalmente su cuerpo.

También de Williams, Sobretablas de Venezuela representó Cuatro locos de este mundo con dirección de Jennifer Morales. Cuatro seres humanos pretenden comprobar que no están locos pero sus acciones y el mundo que los rodea demuestran lo contrario. Uno de los textos más contundentes del festival, se convirtió en el espectáculo mejor logrado. La adecuada estética expresionista que se refleja en la ambientación, el vestuario y la iluminación; se complementa con el encomiable trabajo actoral de Paola Baroferre, Yuri Pita, Zammy Jiménez y la misma Morales.

El Teatro de la Penumbra montó Muchinga, escrita y dirigida por Javier Moreno. Una serie de enredos amorosos tienen lugar en La guaira durante 1915. Con una puesta en escena que parte del espacio vacío, el texto, cargado de recursos literarios, no se comprende porque la interpretación actoral no ofrece los matices necesarios.

En definitiva, fueron cuatro trabajos disímiles para el comienzo del festival.

Funciones: 25, 26, 27 y 28 de Julio de 2011

Intolerancia religiosa

2011-08-20T03:26:00.001-04:30

En la sala de conciertos de Unearte, el grupo La silla rodante presentó El insólito y verídico caso de la peluca del fraile, escrita y dirigida por Carlos Sánchez Delgado. En la Caracas de finales del Siglo XVIII, un fraile decide usar peluca para ocultar la calvicie por la que ha sido objeto de burla dentro de su congregación. A partir de este peculiar acontecimiento real, el autor refleja cómo la intolerancia y el deseo de libertad individual no es algo contemporáneo.

La recreación de la historia del padre Josef Hidalgo presenta el conflicto inicial que aumenta con el paso del tiempo hasta convertirse en un suceso de importancia para el poder ejecutivo y el entorno social de Caracas. La escogencia de los momentos claves y un uso correcto de la progresión dramática conforman una pieza bien escrita.

Al contrario de lo anterior, la resolución estética del montaje es muy pobre. No hay correspondencia entre el sentido simbólico del dispositivo escénico con el uso deslucido de unas mesitas y algunos elementos reales como pan. No se comprende si el vestuario es de época o contemporáneo porque algunos personajes usan una especie de hábito y otros trajes, además que la realización de los hábitos está muy mal resuelta. La música religiosa es lo único idóneo.

En las actuaciones, se destaca el trabajo de Abraham Veronese como Fray Rodríguez, contraparte del padre Josef, porque ofrece la fuerza necesaria. De igual manera, Carlos del Castillo debido al manejo corporal y vocal que ofrece como El gobernador. El mismo Carlos Sánchez Delgado asume el rol protagonista en el que logra varios momentos de profunda franqueza, aunque debe controlar la exageración de los gestos porque convierten el drama que vive el padre en una comedia.

Por otro lado, José Luis Gámez como El maestro y Joel Herrera como El novicio son cabales en sus roles. No así, Eduardo Carrero que se percibe forzado como Fray Ibarra, pero pertinente como El obispo. Francisco Niño como El lego y Somar Toro como El custodio pueden ofrecer variedad de matices dentro de su burla constante, mientras que Nill Quijano tuvo la responsabilidad de interpretar a Fray de la Peña por causas de fuerza mayor sin lograr el ritmo necesario porque necesitaba leer para expresar sus textos.

Los problemas estéticos del montaje demuestran una vez más algo común en el panorama teatral venezolano: los dramaturgos deben llevar a escena sus piezas porque pocas agrupaciones del país se interesan por ellas. Esto no quiere decir que el autor de una obra no pueda realizar un trabajo digno con su creación, pero otro director podría ofrecer una lectura más amplia de lo que se plantea.

Función: 30 de Julio de 2011

La voz de Cabrujas

2011-08-04T00:09:00.002-04:30

Cultura Chacao rinde homenaje al escritor y director José Ignacio Cabrujas con el espectáculo Cabrujas: la voz que resuena, creado a partir de una idea original y del guión escrito por Yoyiana Ahumada con producción general de Iván Oropeza y dirección de Francisco Salazar. Con el aniversario número 444 de Caracas como marco, esta institución adscrita a la Alcaldía del Municipio Chacao pretende reconstruir la memoria y rescatar del olvido a este venezolano.

A lo largo de cuatro estaciones, el público puede apreciar una recreación del nacimiento de Cabrujas en forma de radio novela, una presentación audiovisual de su manera de concebir la telenovela, una muestra de su pasión por la ópera con su trayectoria como complemento y, por último, la escenificación de fragmentos de sus piezas teatrales: Venezuela barata y Profundo.

El trabajo tiene el espíritu del “performance” por el aprovechamiento del espacio y la distribución del público, sin embargo deja de lado el carácter improvisado de esta forma escénica. El guión y la dirección ofrecen una estructura sencilla pero efectiva para abarcar diversas facetas de la vida de Cabrujas.

En la primera estación llamada “El hijo pródigo de Catia”, el estilo primitivo de la radio novela me traslada a una época de relaciones humanas más simples. El espectáculo radiofónico se complementa con la labor cabal de las actrices: Norma Monasterios, Ana González y María José Mata.

La segunda estación es “La telenovela, el espectáculo del sentimiento”, un documental que revela la concepción que Cabrujas tenía del género más famoso de Latinoamérica. Con la adecuada presentación de Norma Monasterios y Domingo Balducci, veo con nostalgia imágenes del escritor y de sus creaciones televisivas con opiniones que se vuelven hilarantes porque reflejan una forma particular de criticar a la “novela rosa” que, a mi juicio, sigue menospreciando la inteligencia de los televidentes en la actualidad.

El mismo Balducci es el guía para “Dos entradas para Tosca”, la tercera estación. La lectura en off de una carta por parte de Isabel Palacios y la música operática se integran frente a un gran mural que resume la trayectoria de Cabrujas.

Finalmente, el teatro hace su aparición en la última estación. Los fragmentos de las dos piezas que se exhiben vuelven a demostrar la vigencia y capacidad visionaria del creador, gracias a las acertadas interpretaciones de Ana González, María José Mata, Norma Monasterios, Ángel Chávez, César Augusto Roa y Steve Rosas.

Para apreciar esa voz que resuena, hay que acercarse al espacio que lleva el mismo nombre de homenajeado: la Sala Cabrujas.

Función: 22 de Julio de 2011

Cuentos y cavidades

2011-07-26T11:32:00.002-04:30

Cuentos: En el Espacio Plural del Trasnocho, el Teatro del Contrajuego presenta Q & Q: Queens and queers, último espectáculo del ciclo Mala conducta. En el montaje se escenifican los cuentos de Tennessee Williams: "El chulo asesino y la loca enclosetada", "Caramelo", "El deseo y el masajista negro" y "Dos en la vida loca". Con producción de Rossana Hernández; la traducción, versión y dirección fueron realizadas por Julio Bouley.

La propuesta es la más atrevida de todos los trabajos presentados para la celebración del centenario del autor. Aunque ya no es algo vanguardista en el teatro, los actores asumen el riesgo de permanecer desnudos durante toda la representación para acentuar el contenido homoerótico de los relatos.

A través de la recreación de los personajes, la dirección plantea un reforzamiento y demostración de la gestualidad para contar cada historia. Destacan las coreografías que abren, enlazan y cierran los cuentos porque aprovechan al máximo las versiones de la canción “Fever”.

En las actuaciones, la fuerza y el matiz oportuno de Carlos Arráiz y Julio Bouley contrastan con la poca intensidad de Pablo Andrade, Darwin Barroeta y Armando Díaz. Además, siendo la narración la base del espectáculo, los cinco actores deben mejorar la precisión en el decir para que el trabajo sea redondo.

Cavidades: En el horario vespertino del mismo Espacio Plural, Xiomara Moreno Producciones celebra 19 años de trayectoria con Nueve huecos, escrita y dirigida por Javier Moreno. Con producción general de Xiomara Moreno y con Nelson Lehman como productor encargado, la pieza presenta a un hombre con deseos de ser escritor y una mujer arribista que irrumpe en su apartamento porque no tiene donde vivir. Luego de la manipulación mutua a través del sexo, la convivencia se va haciendo insoportable porque él revela sus carencias y ella demuestra verdaderamente quién es.

De forma apropiada, la dirección impone el ritmo escénico a través del desplazamiento constante de los actores. La escenografía diseñada por Valentina Herz es sencilla y está constituida por un sofá y un banco que adquieren diversas posiciones para reflejar los espacios del apartamento. La música de Mladen Horvat crea una atmósfera opresiva que va aumentando a medida que se desarrolla el conflicto.

El trabajo actoral es cabal. Mientras Mayte Parias como Dalia va aumentando de intensidad y los gestos acompañan sus intenciones, Raúl Hernández como Raúl va degradándose cada vez más sin perder los matices necesarios.

Nueve huecos son las cavidades del ser humano, un ser que pierde su humanidad en una sociedad donde nos destruimos unos a otros.

Funciones: 17 de Julio de 2011, ambas obras

Cuentística Williams

2011-07-26T11:24:00.004-04:30

En el Espacio Plural del Trasnocho Cultural continúa la celebración del centenario del nacimiento del dramaturgo norteamericano Tennessee Williams con la presentación por parte del Teatro del Contrajuego de tres espectáculos basados en sus cuentos. Hasta ahora, han presentado: Mujeres poseídas y Tenn/Tom, dirigidos por Ricardo Nortier y Juan José Martín, respectivamente.

Para la puesta en escena de estos trabajos, la representación de una obra narrativa conllevó complicaciones. Ambos directores tomaron la decisión de honrar la forma de contar de Williams sin realizar una adaptación que elimine la fuerza de las imágenes que se describen. Por eso, cada cuento es narrado más que representado hasta lograr un trabajo dentro de los límites de lo teatral.

En Mujeres poseídas se escenificaron los relatos: "Una manzana regalada", "El reino de la tierra" y "El inventario de Fontana Bella". Éstos tienen en común la presencia de unos personajes femeninos muy particulares, algo típico en la dramaturgia de Williams. Nortier crea una velada nocturna a cuatro voces donde los actores, ataviados con una apropiada apariencia de cabaret, narran historias de amor y sexo, mientras un pianista complementa la atmósfera con sus interpretaciones. En el trabajo actoral, resaltan las interpretaciones de Carmen La Roche y Haydeé Faverola donde la veracidad vocal y corporal están presentes. Por su parte, Nathalie Cortéz se percibe atinada en sus gestos e intenciones y Elvis Chaveinte se muestra pertinente, si bien debe romper con la forma pausada y naturalista que repite en otras actuaciones.

Tenn/Tom estuvo conformado por fragmentos de las memorias del autor y las narraciones: "Grand", "Retrato de una chica de cristal" y "Hombre traer esto carretera arriba". De contenido autobiográfico, la correspondencia entre lo que cuenta el personaje Tom y la vida del escritor: Tenn (de ahí el nombre del espectáculo) es comprendida solamnente si se es conocedor de su trayectoria. Martín propone una puesta en escena equilibrada y convencional que revela la teatralidad, donde el público puede observar el cambio y distribución de los elementos escénicos, el cambio de vestuario y la entrada y salida de personajes. En las actuaciones, se destaca la franqueza y manejo corporal de Gabriel Agüero, secundado por los adecuados trabajos de Aura Rivas y Julio Bouley, aunque sin la veracidad orgánica del primero. Por otro lado, Ana Melo se muestra más comedida en su interpretación sin aprovechar al máximo el personaje del segundo cuento.

En definitiva, dos trabajos disímiles para honrar con propiedad a este reconocido escritor.

Funciones: 26 de junio y 9 de Julio de 2011, respectivamente

Costumbrismo teatral venezolano

2011-07-26T11:20:00.001-04:30

En el Teatro Luis Peraza, el Taller Experimental del Teatro presenta El rompimiento de Rafael Guinand, dirigido por Guillermo Díaz Yuma. Con el reto de montar una pieza representada en muchas ocasiones por otros grupos, la agrupación asume este “Sainete” (obra corta de carácter costumbrista y de corte humorístico) que presenta el peso de las tradiciones familiares, la irrupción de lo moderno, la deshonestidad y el chisme entre personajes populares.

La dirección propone una estética realista acorde con espíritu del texto. La puesta en escena busca el equilibrio en la distribución y el desplazamiento escénico de los actores, aunque es necesario cuidar la correspondencia entre las entradas y salidas de los personajes porque algunos salen por un lado y entran por otro sin razón alguna. La estética propuesta se apoya en los apropiados diseños de escenografía de Manuel Chourio y de vestuario de Omar Borges que ubican la acción en la época de la llamada “Caracas de antier” donde los colores pasteles y de tonalidad terrosa destacan visualmente.

Las actuaciones son la mayor virtud del montaje debido a la buena energía que maneja el elenco. La interpretación parece partir de la expresión corporal para crear el personaje, si bien no deja de lado la presencia de lo coloquial en la forma del hablar como parte esencial del texto. Mónica Quintero como Ramona y Yazel Parra como Tomasita se perciben pertinentes en sus trabajos, pero deben estar atentas a moderar la rapidez de la articulación vocal para que cada palabra tenga su matiz. Entre tanto, Louani Rivero maneja una eficiente corporalidad y gestualidad facial en su composición de Catalina Mijares.

Por su parte, el desempeño del elenco masculino es más uniforme. Carlos Sánchez Torrealba como Hilario hace gala de una integración vocal y corporal con la que aprovecha la actitud del personaje. Además, juega al desequilibrio y a la demostración de cada acción con un gesto para alcanzar satisfactorios niveles de hilaridad en la audiencia. Alí Rondón como Esparragosa propone un manejo contenido de la voz, sin dejar de lado los matices, y equilibra el uso de la expresividad corporal para reflejar la deshonestidad y las verdaderas intenciones del personaje en los momentos que lo requieren. Por último, Héctor Castro realiza una interpretación cabal de Braulio al emplear una simpleza de gestos.

Es de hacer notar que el Taller Experimental del Teatro parece haber entrado en una nueva etapa debido a que sus últimos dos trabajos surgen a partir de textos de dos autores venezolanos, uno costumbrista y otro contemporáneo, algo particular en su trayectoria.

Función: 3 de Julio de 2011

Interclubes para el teatro (II)

2011-07-07T20:48:00.002-04:30

Culminó el XIX Festival de Teatro Interclubes, organizado por el Centro Italo Venezolano de Caracas. Dentro de las agrupaciones participantes, sobresalió el grupo Histrionis del Centro Social Italo Venezolano de Valencia que presentó De drama a la carcajada, el mejor espectáculo del encuentro, conformado por los textos: El Cristo de las violetas de Andrés Eloy Blanco y Las Muñoz Marín van de compras de Aquiles Nazoa. Con dirección de Eduardo Sanoja, este trabajo fue el más honesto del festival porque logró la atmósfera necesaria en la primera obra y mostró una hilarante versión de la segunda. Se destacaron las actuaciones de Susana Kleczynski, Estefania Bracaglia y Jessica Meléndez.

El grupo Scenic del Centro Catalán realizó el montaje de Fuga de Jordi Galcerán con una encomiable dirección actoral de Eduardo Gulino. El ritmo de la comedia se hizo presente en un texto que plantea que los líderes políticos son tan estafadores como el pueblo y donde Arturo Rodríguez se lució como el ex ministro Isidro Galí. Con una acertada musicalización, la dirección de arte fue su punto débil.

Por otro lado, Los Comediantes del Club Puerto Azul llevaron a escena una irregular versión de La rosa tatuada de Tennessee Williams con dirección de Daniel Uribe y el grupo Jeff Levy Caracas Play House exhibió Guantánamo de V. Brittain y G. Slovo con plausible puesta en escena de Vladimir Vera y simbólica escenografía de Carlos Pollack.

Entre otros grupos, se encuentra El Nuevo Grupo del C.S.C.D Hebraica que realizó un trabajo convencional de Un espíritu burlón de Noel Coward, Teatlantes del Hogar Canario Venezolano que escenificó Titania, reina mía de Orlando Alonso, una innecesaria versión de un clásico de Shakespeare con buenas actuaciones, y el Teatro Ensayo de La Lagunita Country Club que presentó El caso de la mujer asesinadita de Miguel Mihura con una buena dirección de un texto envejecido.
Por su parte, las agrupaciones Lusoescena del Centro Portugués, Trampallan de la Hermandad Gallega, Aequilibrium del Club Santa Paula y el colectivo de la Casa Italia de Maracay presentaron los trabajos más débiles y estéticamente peor resueltos del festival. Es importante que sus directores replanteen la línea de trabajo en beneficio de sus actores y para que los miembros de sus clubes asistan a ver buen teatro.

Como festival de carácter competitivo, el Interclubes despierta pasiones en los integrantes de los grupos que buscan reconocimiento. Si esto se convierte en la única razón para participar en él, se desvirtúa su sentido: compartir e integrar una vez al año, a través del teatro, a los clubes del país.

Funciones: 11, 12, 14, 15, 16, 17, 18, 19, 20, 22 y 23 de Junio de 2011

¿Civilización contra barbarie?

2011-06-28T12:46:00.002-04:30

En el Aula magna de la Universidad Central de Venezuela, la Fundación Venezuela viva presentó su producción musical Orinoco, versión libre de Doña Bárbara de Rómulo Gallegos. Este espectáculo cuenta con Carolina Lizarraga en la dirección general, la dirección musical de César Orozco, coreográfica de Daniela Tugues, teatral de Vicente Albarracín, coral de Alejandro Zavala, técnica de Antonio Mejía y de sonido de Rafael Rondón.

A lo largo de dos actos, se presentan los momentos más representativos de la novela de Gallegos contados con el apoyo de la narración en off, los conflictos entre los protagonistas, la música, el canto y el baile. El libreto logra resumir la historia pero reduce mucho la temática central de civilización contra barbarie, representada en Santos Luzardo y Doña Bárbara, respectivamente.

Con una dirección escénica convencional y simple, la mayor virtud del espectáculo es el trabajo coreográfico donde el joropo es el centro. Se mantiene la esencia del baile con sus pasos y figuras típicas, aunque se lleva a una forma estilizada. En contraste con esto, se encuentra el uso incorrecto del flamenco y de una “bailaora” para representar a Doña Bárbara. Este personaje es un ícono de la literatura venezolana y refleja el espíritu recio del llanero en la figura de una mujer, por lo tanto esta escogencia estética fue una mala decisión. Además, la interpretación de Daniela Tugues es muy débil porque no maneja la intensidad y veracidad necesaria en sus textos, y luce incómoda en su postura corporal y desplazamiento escénico.

Por su parte, Alejandro Zavala es pertinente como Santos Luzardo, si bien debe concatenar las intenciones y la expresión corporal. Carla Urquiola como Marisela y Juan Carlos Páez como Pajarote sobresalen en sus trabajos actorales y de canto.

Junto a una estupenda iluminación, la escenografía de Edwin Erminy ofrece una ambientación apropiada con la ubicación de la vida y civilización hacia un lado del escenario y la muerte y barbarie hacia el otro. El diseño de vestuario de Justo Gómez, Lilian Matheus y Omaira Loreto es adecuado dentro del estilo estilizado del musical, destacándose los trajes de la Caracas de principios del siglo XX y la simpleza de la forma de vestir de la gente del llano.

Para concluir, es importante que los creadores de Orinoco orienten cada vez más su trabajo hacia el verdadero sentido de las danzas folklóricas venezolanas y dejen de lado las danzas españolas que, a mi parecer, desvirtuaron su anterior trabajo “Venezuela viva” en el que abusaron del flamenco y vendieron, en el exterior, una imagen errónea de la diversidad cultural del país.

Función: 19 de Junio de 2011

Interclubes para el teatro

2011-06-28T12:42:00.001-04:30

Las agrupaciones teatrales de los diferentes clubes de Caracas y algunos del interior de país, se reúnen nuevamente para realizar el XIX Festival de Teatro Interclubes. En esta ocasión, su organización está a cargo del Centro Italo Venezolano de Caracas cuyo trabajo fue el ganador en la edición pasada. Además, el festival lleva el nombre de Marcella Mosca como un homenaje a quien es pionera de las actividades culturales de dicha institución.

Este encuentro se ha vuelto algo tradicional dentro de las diversas labores que realizan los clubes y se ha constituido es uno de los pocos festivales de teatro que quedan en la ciudad. Dentro del mismo, se podrán disfrutar de trabajos realizados por los colectivos de la Casa Italia de Maracay, el Centro social, cultural y deportivo Hebraica, Caracas Theater club, Centro Italo Venezolano de Valencia, la Hermandad Gallega, el Centro portugués, Club puerto azul, Centro catalán, Club Santa Paula, Hogar Canario y la Lagunita country club.

Para la inauguración, el grupo Maschere del Centro Italo Venezolano presentó La posadera de Carlo Goldoni, producida por Armilda Quintana y dirigida por Giovanni Reali. Acostumbrada a lidiar con los enredos amorosos, Mirandolina es una ingeniosa dueña de una posada en la que dos huéspedes, un marqués ridículo y un caballero invulnerable al amor, son seducidos por su forma de ser.

El espacio escénico es determinante del desarrollo de la acción. Un escenario estándar se une a una pasarela central para ofrecer variedad a la puesta en escena. La dirección se apoya en esto para estructurar el desplazamiento de los actores de tal forma que las situaciones más relevantes se desarrollan a lo largo del pasillo central. Por otro lado, se percibe una buena conducción de la expresión corporal de los intérpretes, algo necesario en este tipo de texto clásico.

Junto a personajes de la “comedia del arte”, acróbatas y bailarines, las actuaciones de Ángela Di Rienzo y Armilda Quintana como máscaras presentadoras del espectáculo son pertinentes. Se destaca la interpretación de Antonio Urdaneta como el Marqués porque maneja con pericia la expresividad corporal y vocal, secundado por Juan Carlos Guedes como el Caballero. Por su parte, Raquel Cisneros expresa correctamente las intenciones de Mirandolina y Natale la Rocca se apoya en el uso del cuerpo para crear un divertido y oportuno Fabrizio. No puedo dejar de resaltar la apropiada ambientación y, especialmente, el espectacular diseño de vestuario de Ramón Góliz que aprovecha favorablemente los colores y las texturas.

En definitiva, un buen inicio para un festival que promete.

Función: 10 de Junio de 2011

El progreso se vuelve en contra

2011-06-28T12:39:00.000-04:30

En el foso de la Sala Anna Julia Rojas de la Universidad Nacional Experimental de las Artes, la agrupación Escena de Caracas presentó Contra el progreso del catalán Esteve Soler, con producción artística de Karla Fermín y dirección de Juan José Martín. El montaje está conformado por siete obras cortas acerca de situaciones de la vida contemporánea que critican la manera en que el progreso se vuelve en contra del ser humano.

Las historias que se desarrollan tratan de una manzana gigantesca en una cocina, una maestra que ve cómo los personajes de caperucita roja cobran vida, dos amigos que discuten porque uno de ellos crea una nueva religión, un contrato de matrimonio a tiempo determinado, un herido que espera en vano una ambulancia, una mendiga de piel oscura que sale del televisor y la confesión de una foca que realiza un espeluznante trabajo. Con un marcado tono de humor negro, se critica la acumulación de bienes materiales, la educación mediocre, el fanatismo religioso, las relaciones amorosas actuales, la falta de solidaridad, la alineación de los medios de comunicación y la matanza de animales.

La dirección propone una estética que revela las convenciones teatrales para que el público reflexione sobre el planteamiento de cada obra. Para obtener esto, delimita los desplazamientos de los actores y se concentra en el texto, aunque crea pequeñas escenas donde el juego físico está presente y que sirven de enlace entre las obras. Esto se integra a la atmósfera grisácea que ofrece la escenografía diseñada y realizada por Héctor Becerra y que se logra con la presencia del plástico en todos los elementos escénicos. El toque final lo da el diseño y realización de vestuario a cargo de Nadeschda Makagonow porque atavía de forma pertinente a cada personaje.

Por su parte, el trabajo actoral implica un reto debido a que todos los personajes son realizados por dos actores y dos actrices. Cada uno de ellos representa, al menos, cuatro personajes diferentes y deben pasar de uno al otro a veces en cuestión de segundos. Betsabé Correa, Nadeschda Makagonow, Delbis Cardona y Rafael Gil se compenetran a cabalidad entre ellos y con sus roles, ofreciendo la intensidad apropiada dentro de la forma natural que asumen y cargados del desenfado necesario que permite hacer evidente el sarcasmo que presenta el texto.

Para concluir, me parece necesario destacar cómo este trabajo se circunscribe en la línea estética de una agrupación que ha conseguido un lenguaje particular a través de la mezcla entre el trabajo físico, sin menospreciar lo vocal, y la escogencia de textos que expresen algo a la sociedad venezolana.

Función: 4 de Junio de 2011

Reinterpretar un clásico

2011-06-28T12:32:00.002-04:30

En la sala experimental del Celarg, la agrupación Teartes presenta Doce cosas imposibles antes del desayuno con dirección de Jericó Montilla. A partir de la selección de textos de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo del inglés Lewis Carroll, Montilla crea un espectáculo que escenifica la conocida historia de Alicia y su irrupción en una tierra fantástica.

Apoyado en el uso de un encomiable diseño de vestuario, el punto más fuerte del montaje teatral es la reinterpretación y resolución escénica de varias partes emblemáticas de las obras de Carroll. En este sentido, destacan el encuentro de Alicia con la oruga cuyo cuerpo es formado por varios actores vestidos con batas japonesas y con abanicos que sirven para aparentar el movimiento propio de este insecto. De igual forma, resalta el juego de sillas entre el sombrerero loco, la liebre de marzo y el lirón; las sombrillas giratorias con espirales durante la conversación con el gato de Cheshire; el uso del travestismo a través de batas de baño y paños en la cabeza de las flores; el estilo de presentador de espectáculos con porristas de Humpty Dumpty; y, especialmente, el encuentro con la reina de corazones y su séquito de reinas.

En contraste con lo anterior, el principio y el final de la obra son los puntos más débiles. El conejo blanco abre y cierra la obra con una apariencia que parece simbolizar el poder como aquel personaje que lleva a Alicia a caer en el país de las maravillas, sin embargo la escogencia de sus textos y sus acciones se quedan en el terreno de lo abstracto. Esto sucede también con el trabajo coreográfico, cercano a la danza contemporánea, y con los textos que sirven de paso y enlace entre cada una de las doce escenas principales, al igual que lo que ocurre en la casa de la duquesa y el diálogo con la falsa tortuga donde la densidad de la narrativa de Carroll se muestra pero no se comprende.

En la actuación, sobresalen los actores que interpretan, con veracidad, el complicado texto en varios personajes. Entre ellos se encuentran: José Pablo Álvarez con énfasis en su trabajo del sombrerero loco, Gabriel Agüero en la reina de corazones y el lirón, Abel García como la liebre de marzo y Héctor Castro como el gato de Cheshire. Por su parte, Angélica Robles y Orlando Paredes se perciben pertinentes en sus trabajos; mientras que Luis Alfredo Ramírez propone una forma parsimoniosa de asumir al conejo blanco sin decodificar el texto. El rol de Alicia lo realizan Ángela Meléndez, Sain-ma Rada y Marcela Lunar sin la intensidad y credibilidad necesarias.

En definitiva, una forma personal de escenificar esta historia con altas y bajas.

Función: 29 de Mayo de 2011

Arte, consumismo y censura

2011-05-26T01:00:00.001-04:30

La agrupación Teatro Forte presenta Goya del español Rodrigo García con dirección de Vladimir Vera. La dirección cambia el sexo original del personaje para que sea una mujer cercana a los 40 años, símbolo de la Latinoamérica matriarcal, la que desea que sus hijos conozcan la pintura de Goya en vez de ir a un parque temático de Disney y, por eso, comparte una noche de droga, alcohol y comida española junto a ellos y a un filósofo alemán de moda.

La puesta en escena es quizás la más comedida y convencional que le he visto a este director frente a sus dos últimos trabajos realizados. Resuelve la discusión entre la madre y sus hijos con desplazamientos laterales sobre el escenario y hace que el personaje reflexione bordeando al público. Su propuesta más clara se percibe cuando la mujer va despojándose poco a poco de su abigarrado atuendo para revelarse como es en realidad. El trabajo actoral lo realiza Fedora Freites cuya interpretación fluye con el manejo del tono y la intensidad necesaria, luego de librarse de varias tensiones iniciales.

A lo largo del monólogo, se presentan declaraciones en video en las que varias personalidades ofrecen puntos de vista discordantes, jocosos o reflexivos en torno a Goya y su pintura. El contraste de estas participaciones con lo que plantea la pieza amplía las lecturas del contenido. Estos videos fueron apropiadamente intervenidos por Salomón Eidelman para no romper con la estética del montaje. Por su parte, la musicalización de Valeria García complementa y refuerza la atmósfera de la escena.

Este trabajo se presentaría en la Sala José Ignacio Cabrujas de la Fundación cultural Chacao pero la agrupación decidió suspender la temporada debido a la censura impuesta por la Dirección Artística de la institución. La causa de la censura fue la ambientación de la sala con una exposición de imágenes de desnudos masculinos tomadas por el reconocido fotógrafo y artista plástico Nelson Garrido. Al parecer la continuidad de la temporada estaba supeditada al retiro de las fotografías, algo que el grupo no aceptó. El arte no negocia.

La obra es una crítica a la sociedad alienada que se deja influir por el consumismo y, sobre todo, a aquellas personas que poseen un desconocimiento del significado real del arte y de la reflexión de lo contemporáneo pero pretenden demostrar que sí. Irónicamente, este último planteamiento refleja el sentido de la posición asumida por dicha dirección artística en un país que limita cada vez más los espacios al arte y, especialmente, al teatro.

Ahora, el montaje podrá disfrutarse sin censura en la Organización Nelson Garrido (ONG) de Las Acacias.

Función: 20 de Mayo de 2011

Un tranvía llamado Latinoamérica

2011-05-26T00:56:00.001-04:30

En la celebración de los 100 años del nacimiento del escritor norteamericano Tennessee Williams que se realiza en el Trasnocho Cultural, Hebu Teatro presenta Un tranvía llamado deseo en el Espacio Plural, con producción ejecutiva de Diana Volpe, producción general de María Gabriela Díaz y dirección de Orlando Arocha.

Esta obra es un clásico dentro del teatro universal. Sin embargo, la historia de la perturbada Blanche Dubois que se va a vivir con su hermana Stella y su esposo Stanley es ubicada en un barrio latinoamericano para darle una dimensión mayor al entorno que rodea el argumento. Los vecinos adquieren gran importancia y se convierten en seres que se pueden encontrar en cualquier sector popular de este subcontinente, con énfasis en Venezuela. La música estridente, los ritmos de moda, el chisme, el sexo sin pudor, los celos, las peleas, los insultos y la lucha de clases se unen a los temas del autor. Esto alude a una crítica de esa manera de vivir y, aunque, los personajes se conmueven con el drama de Blanche ¿serán capaces de cambiar?

La propuesta de dirección vuelve a poner en la palestra la discusión entre el sentido de las obras consideradas como teatro clásico y su revisión. En este trabajo, Blanche mantiene su esencia, Stella es muy venezolana y Stanley es Brasilero; y sus escenas, en conjunto, no rompen con el contenido de la obra. Habría que ajustar otras, como la violación, para que el efecto sea mayor.

El dispositivo escenográfico realizado por Espacio Adentro resuelve los diferentes ambientes que requiere la trama, aunque su distribución no es la más idónea porque las condiciones de la sala no se prestan para ello. El vestuario de Raquel Ríos propone los códigos propios de la forma de vestir en los sectores populares, pero deja a Blanche de época como símbolo de que se quedó en el pasado.

En las actuaciones, Diana Volpe vuelve a demostrar su experiencia al emplear los gestos precisos y el equilibrio de las intenciones como Blanche. Ricardo Nortier ofrece un uso correcto de la fuerza trepidante y del machismo que representa Stanley. Resalto el trabajo de Rossana Hernández como Stella porque ofrece un buen manejo de una amplia gama de emociones. Por su parte, los demás actores realizan de forma eficaz su trabajo. Entre ellos se encuentran: Simona Chirinos, Djamil Jassir, Paul Gámez, Dallas Aguiar, Jesús Cova, Javier Figuera y Pablo Andrade.

Para los puristas del teatro, este montaje desvirtúa la intención de la obra, si bien su finalidad claramente transgresora abre el campo a nuevas lecturas de la obra de Williams y asume un riesgo que, desde mi punto de vista, debe aplaudirse.

Función: 15 de Mayo de 2011

La poesía vence a la violencia

2011-05-12T15:21:00.000-04:30

El teatro San Martín de Caracas y textoteatro, su agrupación residente, presentan en su sala principal: Lírica, escrita por Gustavo Ott con producción general de David Villegas y dirección de Luis Domingo González. Mientras ocurren las réplicas de un terremoto, Abril López y Norway González son dos madres que discuten con La directora de una escuela porque desean que sus hijos dejen de estudiar juntos y rompan su amistad. La trama se desarrolla hasta descubrir que sus destinos se cruzaron por un suceso violento que vincula a los padres de sus hijos.

A través de la recreación de hechos ocurridos en una escuela de la zona de San Martín, el autor plantea cómo el amor y la amistad reflejados en las creaciones poéticas en conjunto de dos niños de 9 años pueden superar el odio y la venganza que ocasiona la violencia. El terremoto que rodea el argumento central se convierte en la metáfora de la naturaleza violenta que llevamos en los genes y que parece aumentar cada vez más en el país. Las madres protagonistas son incapaces de ver más allá de sus deseos de venganza, mientras que sus hijos se sobreponen a lo acontecido.

La dirección se vale del concepto escenográfico de Domingo Cova que refleja a cabalidad la dirección de la escuela. Aprovecha la distribución en diagonal de los elementos para conducir el desplazamiento de los personajes. Además, acentúa varias partes del texto a través del uso del proscenio y del fondo del escenario. Esto se logra también con el diseño de iluminación, realizado por el mismo director, aunque deben corregirse algunas fallas porque en algunos momentos no se percibe el rostro de las actrices. Todo se complementa con la oportuna musicalización de Alfonso Ramírez.

En la parte actoral, María Brito como La directora ofrece un adecuada interpretación porque emplea las intenciones necesarias, al igual que Verónica Arellano como Abril López debido al manejo que propone de los diferentes matices. Se destaca Carolina Torres que presenta el ritmo, intensidad y veracidad que se requieren en la composición de Norway González.

Con este trabajo, el teatro celebra 18 años de funcionamiento e inicia el “Proyecto burgueses” cuyo objetivo es, como indica el programa de mano, “...crear vínculos participativos, teatrales y literarios con la comunidad que rodea al Teatro San Martín.”

Hace tiempo que no se presentaba en este teatro una obra con este conveniente nivel de producción y que, particularmente, se relacionara con su entorno inmediato para conmover de la forma en que lo hace. Por eso, el proyecto parece ser uno de los más llamativos dentro de los que han propuesto en los últimos años.

Función: 6 de Mayo de 2011

Una poética de la desaparición

2011-05-12T15:19:00.000-04:30

En la sala experimental del Celarg, la agrupación Scenik arte presenta Desaparecidos, basada en textos del poeta y dramaturgo español Federico García Lorca y del escritor uruguayo Carlos Liscano. La obra cuenta con producción ejecutiva de Mariana Calderón, dirección artística de Luis Villegas y dirección general de Daniel López.

Tres historias acerca de personas desaparecidas por causa de la guerra o de la dictadura son el punto de partida: el asesinato y desaparición de Federico García Lorca, el secuestro y tortura de dos jóvenes, María y Bernardo, y una madre que no sabe el destino de su hija desaparecida por más de 20 años.

El texto presenta las historias en paralelo a través de la descripción de los hechos que realizan los personajes, salvo García Lorca que dice partes de su creación poética. Está conformado por una serie de monólogos aislados que se presentan de manera fragmentada y se entrecruzan para brindar diversos puntos de vista de un mismo tema. Por estas razones, carece de la acción teatral que da el diálogo.

La dirección propone una estética simbolista con el uso de pocos elementos escenográficos y se concentra en resolver la acción teatral con la entrada, desplazamiento y salida de García Lorca y la Madre siempre en iguales términos. Las vivencias de María y Bernardo son aprovechadas para que los actores realicen las acciones de tortura durante la representación, lo que se convierte en la parte más contundente de todo el montaje. Es importante destacar el apropiado diseño de iluminación de David Blanco, la utilización de videos realizados por Lv diseños que apoyan el drama y sirven como contexto a cada personaje, y la coreografía de flamenco de Jhonn Molina que proporciona un enérgico final a la obra.

En las actuaciones, Mariana Calderón como María y Luis Villegas como Bernardo alcanzan la intensidad necesaria e intenciones para transmitir las atrocidades que se viven con la tortura de dos seres humanos. De igual forma, lo hace Flor Colmenares como la Madre, símbolo de todas aquellas mujeres que han sufrido por la desaparición de sus seres queridos en cualquier guerra o dictadura, y que conmueve a la audiencia por la manera en que asume su drama. Por su parte, Carlos Núñez como Federico García Lorca requiere mayor fuerza en cada una de sus intervenciones y ofrecer el matiz necesario en el contenido poético de su texto, aunque posee la imagen del personaje.

De la reflexión surgen preguntas como: ¿hasta cuándo la tortura, muerte y desaparición de seres humanos seguirán siendo atrocidades que se cometan en el mundo? ¿Cuándo los seres humanos se verán unos a otros como iguales?

Función: 29 de Abril de 2011

Cabaret a la venezolana

2011-05-12T15:16:00.000-04:30

En la sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño, Magno producciones presentó Cabaret, producción de Carlos Audrines, ejemplar dirección musical de Armando Lovera y versión al español y dirección general de César Sierra a partir del libreto de Joe Masterhoof, la música de Jhon Kander y las letras de Fred Ebb.

El “Kit kat club” es un cabaret que sirve como lugar de encuentro y de libertad en un Berlín que empieza a sentir los cambios que se avecinan con la importancia que Hitler van adquiriendo en Alemania. La libertad que pregona el cabaret es esencialmente sexual, algo que se remarca más en esta versión y alcanza su punto máximo en la frase “Vive y deja vivir” que expresa el maestro de ceremonias del club. Ésta contrasta con el libertinaje que demuestra Sally, la cantante más destacada del lugar, quien va a vivir con Cliff, un joven norteamericano que desea convertirse en escritor. Ambos comparten una habitación en la posada de Fräulein Schneider donde coinciden con otros personajes.

En lo estético, la escenografía de Héctor Becerra resuelve con pocos elementos la ambientación de cada sitio donde se desarrolla la acción. El vestuario de Altagracia Martínez ofrece las texturas y gama de colores pertinentes para delinear cada personaje. Asimismo, la iluminación de Ernesto Pinto logra con precisión las atmósferas de cada escena. Es necesario destacar la labor coreográfica de Vittorio Marson que armoniza el trabajo del elenco y, en especial, de los llamados chicos y chicas del “Kit kat club”.

A la cabeza de las actuaciones, se encuentra la intensidad y el manejo corporal de Luis Fernández que aprovecha las posibilidades de un personaje como Emcee, el maestro de ceremonias que lleva al público a través de la historia y concluye el espectáculo con contundencia. A la par, se perciben Francis Rueda como Fräulein Schneider y Cayito Aponte como Herr Schultz que conmueven a la audiencia con la franqueza en que asumen una historia de amor imposible por las circunstancias históricas, además de conducirse adecuadamente en el canto. Por su parte, Karl Hoffman realiza una apropiada interpretación como Ernst Ludwig, mientras que Mena Napolitano demuestra buen manejo vocal para el canto aunque no así en su rol como Fräulein Kost porque necesita mayor energía y veracidad en lo que dice. Del mismo modo, sucede con Adrian Delgado como Cliff que podría ofrecer más fuerza y verdad. Por último, resalto el trabajo de Naty Martínez que se luce en sus dotes vocales y manejo de las intenciones como Sally.

Un musical en la cartelera teatral venezolana siempre se agradece, especialmente si se realiza con compromiso.

Función: 16 de Abril de 2011

Amistad devaluada

2011-05-12T15:12:00.000-04:30

En el Teatro Trasnocho, el Grupo Actoral 80 presenta Baraka de la holandesa María Goos, producida por Carolina Rincón y dirigida por Héctor Manrique. La obra coloca en escena a Pedro, trabajador homosexual de una alcaldía que quiere demostrar que varios cuadros de un pintor famoso son de su posesión porque es parte del pago de la caja de ahorro. Juan, un político ambicioso que desea ser ministro, se va a vivir con él porque se separa de su esposa. Ambos se reencuentran con Tom, un abogado drogadicto que trabaja en publicidad, y Martin, un director de teatro que ha caído en la mediocridad. Con más de 20 años siendo amigos, los cuatro hombres se reúnen para tratar de resolver el problema de Pedro, aunque descubrirán que su amistad ya no significa nada.

La dirección propone el desarrollo de las escenas con un ritmo en aumento que se apoya en los desplazamientos constantes de los actores. En varios momentos, esto es apropiado para el logro del equilibrio escénico y desarrollo de la historia, sin embargo es excesivo en otros porque rompe la vinculación entre texto y acción. Además, hay instantes de mucha intensidad durante la representación que se justifica por las situaciones desarrolladas, pero es necesario no perder el sentido de la escena y equilibrar con propiedad las intervenciones de cada uno para que el público escuche lo que se dice.

Por su parte, la ambientación representa con eficacia la sala de un apartamento que mezcla una diversidad de estilos con cada uno de sus muebles. Quizás, la escogencia de otro color para el piso resaltaría más los elementos escenográficos.

En las actuaciones, Iván Tamayo se luce con la creación del personaje Tom porque llega hasta el patetismo al aprovecharse de gestos reiterativos e intensos y un conveniente manejo vocal para reflejar la perturbación que produce su adicción. Junto a él, se encuentra la apropiada expresividad vocal y corporal de Javier Vidal como Pedro, la interpretación pertinente de Carlos Cruz como Juan y la energía persistente de Héctor Manrique como Martin.

A pesar que este tema ha sido tratado otras veces por el grupo, nunca ha sido tan desesperanzador. El tono de comedia agridulce está siempre presente y comprender que los intereses personales dañan la amistad está detrás de las risas del público.

Este es el segundo montaje que el Grupo Actoral 80 realiza con autogestión en este año. Parece dejar atrás la polémica decisión que tomó el Ministerio de la Cultura de dejarlo sin subsidio, al igual que hizo con otra agrupaciones calificadas de “perniciosas”, si bien esto no mermó su capacidad y entusiasmo para seguir haciendo buen teatro.

Función: 10 de Abril de 2011

Jóvenes teatreros en la Red

2011-04-07T02:41:00.002-04:30

Por iniciativa del actor y director Oswaldo Maccio, se creó un grupo a través de la red social “Facebook” que busca congregar a creadores jóvenes de cualquier rama del quehacer teatral. “Teatreros” es el nombre tentativo que Maccio le colocó y que refleja la forma que se usa para denominar a la gente de este medio, aunque otros prefieran “teatristas".

El grupo fue creado en Febrero del presente año y cuenta con más de 700 miembros. Al principio causó extrañeza entre la cantidad de personas que fueron agregadas sin consultar si querían o no participar en él, luego terminó por convertirse en una plataforma para la reflexión. Como indican sus organizadores, el objetivo es aprovechar el Internet para establecer un movimiento que los reivindique como profesionales del teatro, ya sean directores, actores, escenógrafos, iluminadores, etc.

De lo virtual pasaron a lo real con la primera reunión que se realizó a finales de Marzo en el Nuevo “Nuevo circo” de Caracas y que busca sentar las bases para convertirse en figura jurídica. A través de mesas de trabajo, voceros y participaciones individuales, el encuentro sirvió para discutir sobre el sector teatral.

Se comenzó con el reconocimiento de cada uno, sus expectativas, proyecciones y objetivos. Esto fue la base para replantear el nombre del movimiento, su propósito, la inclusión de todos aquellos que quieran participar y la escogencia de delegados. Sin embargo, el rumbo cambió porque “…es imposible conseguir en una sola reunión lo que el sector teatro ha tratado de conseguir en años”, como indica la agenda que los organizadores me hicieron llegar.

A la cabeza de todo esto están Maccio, Jericó Montilla y Dalia Castellanos, mientras que la asistencia de unas 40 personas a la cita indica que el ánimo para reflexionar acerca del teatro como profesión existe en los jóvenes creadores. Por eso, la invitación es a participar en las discusiones en el “muro” del grupo virtual y, en especial, con propuestas en las reuniones que se harán.

Para la próxima reunión de Abril, se han planteado revisar las coincidencias y diferencias con otras asociaciones, uniones o sindicatos y que servirán como punto de partida para el tipo de agrupación que quieren. Además, desean crear una base de datos de los profesionales y grupos de teatro, y proponer estrategias para un plan de acción.

Queda preguntarse si los jóvenes teatreros ampliarán la convocatoria a los experimentados porque en el medio siempre se ha escuchado acerca de los desencuentros entre estos últimos, sin olvidar que también se dice que el problema del estancamiento del teatro venezolano es la falta de unión.

Astucia y mitología

2011-04-07T02:34:00.002-04:30

Astucia: En la Sala Cabrujas de la Fundación Cultural Chacao, se presenta el Grupo Teatral Emergente de Caracas con La maña, escrita por el argentino Damián Dreizik y dirigida por Jesús Delgado. La obra trata el tema de la reflexión, la necesidad y la supervivencia de un náufrago abandonado en una isla desierta. ¿Por qué un dramaturgo toca una historia desarrollada hasta el cansancio en la literatura y el cine? Pues, porque quiere usar el humor. Sin embargo, la dirección concentra su atención en la parte reflexiva y perturbadora de la soledad que elimina la originalidad del texto. No resaltar el evidente sentido humorístico, convierte este trabajo en un lugar común.

La ambientación minimalista es apropiada porque delimita a la acción en un círculo ubicado al final de un largo sobrepiso que representa al mar. La iluminación es pertinente pese al limitado equipamiento de la sala, pero es necesario evitar tantos “blackout” porque tienden a confundir el final de la representación. La actuación de Manuel Trotta mantiene un matiz plano para la mayoría de las situaciones, aunque logra apropiados momentos de intensidad que se refuerzan con la tensión y distensión del cuerpo.

En definitiva, el humor era necesario.

Mitología: En el Teatro Luis Peraza, el Taller Experimental de Teatro realiza el montaje de Yocasta, escrita por León Febres-Cordero y dirigida por Santiago Sánchez. La pieza recrea el mito de Eteocles y Polinices, hijos de Edipo, que murieron asesinándose entre ellos. Acompañados por su hermana Antígona, los hermanos en conflicto discurren acerca de si deben o no matarse nuevamente. Con una visión contemporánea, el autor mezcla tiempos y lugares para recalcar que el mito no cambia y que la humanidad está condenada a matarse una y otra vez, como estos hermanos, hasta que alguien reconozca el sufrimiento del otro.

La dirección apuesta, en su mayoría, al estatismo de los actores y emplea tres lámparas que ofrecen un efecto constante de luz y sombra. Además, propone una actuación contenida que limita los gestos y las emociones porque busca un sentido de la verdad a través de la interioridad. Solamente Alí Rondón como Eteocles parece comprender y manejar esta propuesta, mientras que Areani Rondón como Antígona orienta su interpretación a la tensión de sus manos y Oswaldo Maccio como Polinices se concentra en decir de forma correcta el texto. En lo estético, detalles como el sonido de la tarima cuando se camina sobre ella o el material y acabado de la cortina trasera podrían haberse armonizado con el estilo pulcro del sofá, las lámparas y el vestuario.

Si los mitos no cambian, ¿el teatro sí?

Funciones: 26 y 27 de Marzo de 2011, respectivamente

Cultura reveladora

2011-04-07T02:31:00.002-04:30

En el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, el Grupo Actoral 80 presenta Acto cultural escrita por José Ignacio Cabrujas, producida por Carolina Rincón y dirigida por Héctor Manrique.

Como la mayoría de la obras de este autor, ésta es considerada un clásico del teatro venezolano. En ella, la junta directiva de la Sociedad Luis Pasteur del San Rafael de Ejido celebra sus cincuenta años con el acto cultural en el que representan el drama: "Colón Cristóbal, el genovés alucinado". Esta escenificación acerca del llamado descubrimiento de América, servirá como punto de partida para que los seis directivos de la sociedad develen los conflictos que los agobian.

Es conocido por todos que la dramaturgia de Cabrujas es teatro de texto, de ahí que la dirección de este montaje sea acertada porque da mayor relevancia a la comprensión del contenido y al manejo de los matices. Al apoyarse en esto, los demás elementos complementan lo que se dice en escena. El mismo Manrique diseña un sencillo espacio escénico que ofrece el fondo necesario para el estilo realista de la pieza. Por su parte, el vestuario de Eva Ivanyi ubica temporalmente a los personajes en los años 20 del siglo pasado y resuelve la época propia del drama que ponen en escena. Resalto la música compuesta por Aquiles Báez que invade el escenario para crear varias atmósferas que se integran a las actuaciones.

El trabajo actoral está equilibrado. Cada actor se luce en su papel, comandados por el manejo corporal y fuerza vocal de Juvel Vielma como Amadeo Mier y la soltura de Samantha Castillo como Herminia Briceño. Asimismo, destaco la intensidad de Daniel Rodríguez como Cosme Paraima, la veracidad de Melissa Wolf como Antonieta Parissí, la pertinencia de Juan Vicente Pérez como Francisco Xavier y la franqueza de Angélica Arteaga como Purificación Chocano.

Todo el montaje lleva a la reflexión acerca de los arquetipos que están presentes en nuestro inconsciente colectivo. ¿Acaso, los venezolanos seremos habladores, lujuriosos, bromistas, limitados, tímidos y dependientes de nuestras madres como los personajes de la obra? ¿Nos aprovechamos de esas formas de ser para evadir los problemas? De igual forma, la representación sugiere la vinculación que podría existir entre los venezolanos y su historia. ¿Es que los acontecimientos del pasado nos han servido para aprender y, especialmente, para revelar cómo somos en realidad? Cada quien tendrá su respuesta, pero lo cierto es que Cabrujas era un visionario y esta obra posee una vigencia que sorprende por su capacidad de reflejar al país.

En definitiva, un espectáculo que no tiene desperdicio.

Función: 19 de Marzo de 2011

Sueños poéticos

2011-04-07T02:26:00.004-04:30

La agrupación Rajatabla celebra sus 40 años con la segunda muestra de dramaturgia nacional en homenaje a Rodolfo Santana. La fecha de su fundación coincidió con la temporada del quinto montaje de la muestra: Mi reino por un sueño, escrita por José Antonio Barrios y dirigida por Costa Palamides. La vida y poesía del Cumanés José Antonio Ramos Sucre es el eje central del espectáculo.

En diez escenas, Barrios se concentra en sucesos importantes de la existencia de Ramos Sucre. Parte de lo coercitiva que fue su madre Rita Sucre en la infancia, pasa por la estadía con su tío el Padre Ramos en Carúpano, la amistad con el poeta Cruz Salmerón Acosta, el insomnio que lo agobiaba, el proceso de escritura de su lírica y la sombra de su antepasado Antonio José de Sucre, hasta llegar a su suicidio. En varias escenas, el dramaturgo propone un coro griego que dice poemas representativos del escritor, vinculados con la trama que se desarrolla. Por la forma en que recrea y avanza la historia, el texto presenta un buen manejo de la progresión dramática, sin embargo la puesta en escena rompe con esto.

El concepto de la dirección reorganiza las escenas y empieza la obra con el encuentro final e imaginario entre Ramos Sucre y Salmerón Acosta. Luego, divide otras escenas para presentarlas en diferentes momentos, aumenta la intervención del coro y agrega personajes que el poeta Cumanés nombra en sus creaciones. Todo esto perjudica el desarrollo del argumento original y hace incomprensible la premisa del texto, lo que se acentúa con el uso excesivo del coro, de los personajes dobles y de las Moiras porque desvía la atención. Igual sucede con el desplazamiento constante de la actriz vestida de blanco que interpreta varios personajes, aunque parecen siempre el mismo.

El diseño de escenografía de Héctor Becerra es funcional para apoyar los símbolos de la representación. El vestuario de Silvia Inés Vallejo es discordante porque está a medio camino entre el realismo de los personajes principales y la fantasía onírica de los secundarios. Además, su realización no fue favorable porque son evidentes los detalles de mala costura.

En las actuaciones, destaco a Gabriel Agüero como el Alter ego por la efectividad en que maneja las palabras y la franqueza de Abilio Torres como Cruz Salmerón Acosta, joven. No así, el trabajo de Elvis Chaveinte como Ramos Sucre debido a que se le hace cuesta arriba interpretar la lírica explícita del texto, aunque alcanza la intensidad necesaria en las escenas finales. Un punto a favor, es el acoplamiento del coro que pronuncia y canta los poemas con destreza vocal y fuerza.

Pese a los altibajos, Rajatabla conmemora un año más de trayectoria.

Función: 13 de Marzo de 2011

Mareas juveniles

2011-04-07T02:16:00.001-04:30

En el Teatro Trasnocho, la agrupación Skena presenta La ola, dirigida por Armando Álvarez. La obra se basa en el guión de la película alemana homónima del 2008, sustentada en la historia real de un proyecto escolar que, en torno a la autocracia, llevó a cabo un profesor norteamericano. La experiencia consistió en convertir al grupo de estudiantes en un movimiento que reflejara a cualquier régimen dirigido por un hombre con los preceptos del poder por la acción, la comunidad y la vestimenta, sin prever las terribles consecuencias que trajo. La película se sitúa en Alemania, mientras que la versión teatral venezolana emplea los nombres germánicos, aunque elimina personajes, suprime situaciones y adapta otras para resolver las diferencias del lenguaje teatral.

La dirección ofrece su mayor virtud en la variedad de desplazamientos y espacios que crea con dos hileras de mesas y sillas que, al principio, se ubican a ambos lados de la escena. Además, se vale de lo audiovisual para facilitar el desarrollo de la historia porque, a través de varios aparatos televisivos, permite mostrar acciones que no podrían hacerse sobre el escenario, lo que concentra la trama en el salón de clases. Sin embargo, como en trabajos anteriores, Álvarez da demasiada libertad a los actores para la improvisación. Si el argumento, el conflicto y la resolución de La ola indican que, sin lugar a dudas, es un drama; cuando los actores abusan de los gestos y frases agregadas para hacer reír cambian el sentido real del texto, alargan innecesariamente el tiempo de representación y desvían la atención del público a la comedia.

Basilio Álvarez interpreta al Profesor Rainer Weiner, el líder del proyecto. Su actuación se percibe artificial porque asume la imagen común de lo que cree que es un docente maduro con estilo moderno y juvenil, asimismo se siente sobreactuado en la parte final en la que exagera su locura por el poder. Por su parte, Catherina Cardozo y Juan Carlos Ogando son pertinentes en los roles de Anna y el Profesor Wieland, respectivamente. De los actores jóvenes, destaco a Valentina Rizo como la contestataria Mona por su forma intensa de asumir el personaje y a Teo Gutiérrez como el perturbado Tim por la veracidad en que compone su rol. El resto tiene que limitar la dañina libertad de creer que bromear constantemente es parte del teatro, aunque resalto el desparpajo de la energía propia de su edad.

Pese a su larga temporada de éxitos, si en este montaje se hubiera advertido que el tema central es la manipulación de los jóvenes producto de su inherente desorientación, el impactante final tendría un mayor significado.

Función: 2 de Marzo de 2011

Del amor y su banalización

2011-04-07T02:09:00.002-04:30

En el teatro de la Asociación Cultural Humboldt de San Bernardino, se presenta Un informe sobre la banalidad del amor del argentino Mario Diament, producida y dirigida por Luigi Sciamanna. La obra se inspira en la relación amorosa entre el filósofo alemán Martín Heidegger y su alumna de origen judío Hannah Arendt. A lo largo de cinco actos, Diament recrea hábilmente el nexo que, por más de 25 años, mantuvieron estos pensadores claves del siglo XX. El autor se mantiene en el terreno de la ficción, como aclara su nota del programa de mano, aunque a mi juicio construye un tratado verosímil acerca del pequeño universo que Heidegger y Arendt intentaron construir alrededor del ineludible mundo del Nazismo. La adhesión del filósofo a la ideas del Nacional Socialismo y su aparente rechazo a las raíces de la pensadora terminaron con el vínculo de admiración mutua que los unía, convirtiendo al amor en algo banal.

Como director, Sciamanna propone una estética simbolista que, gracias al diseño del espacio escénico de Carlos Agell, le facilita la representación de los diferentes lugares donde ocurren las acciones en cada acto. La iluminación de Manuel Troconis es la mayor debilidad de la puesta en escena debido a que abusa de las sombras por momentos y no propone nada durante el estatismo de los personajes, mientras que el vestuario de Raquel Ríos maneja pertinentemente la época y el paso del tiempo de los actos.

En las actuaciones, Sciamanna da vida a Heidegger con franqueza en sus matices vocales y soltura en la expresión corporal. Su gran logro consiste en la evolución del personaje desde la madurez hasta la vejez, lo que se aprecia en el arqueo de la espalda al principio y el progresivo encorvamiento al final. Mariaca Semprún interpreta a Arendt. Al inicio, ofrece una búsqueda de la verdad en la voz, sin embargo debe controlar los gestos porque parecen más de una mujer contemporánea que de una joven de los años 20 del siglo pasado; tanto en las poses que adopta de pie como en la forma de reaccionar con palmadas en las piernas cuando transmite el enfado. Pese a esto, logra equilibrar ambos aspectos en el cuarto acto cuando es inevitable la separación de los dos amantes, su mejor momento en intensidad y veracidad. No obstante, en el acto final, se percibe forzada como una Arendt de más edad, especialmente en su manejo vocal.

Para finalizar, considero necesario reflexionar en torno a la idea expresada por Heidegger que desestima las atrocidades cometidas por los seguidores de Hitler si éstas son realizadas para alcanzar un “bien mayor”. ¿Es tan fácil hacerse el ciego frente al desmoronamiento de un país?

Función: 26 de Febrero de 2011

Vacas esquizofrénicas

2011-04-07T02:05:00.002-04:30

En la sala experimental del CELARG, el Teatro del Contrajuego presentó el trabajo: Hay que tirar las vacas por el barranco, una experiencia de “teatro testimonial” a partir del libro Las voces en el laberinto: historias reales sobre la esquizofrenia del catalán Ricard Ruiz Garzón. Cuatro directores guían a igual número de actores para estremecer al público con una especie de conferencia donde los límites entre realidad y ficción casi se diluyen. Esto sucede porque la propuesta incluye la participación de dos de los directores como presentadores de cada personaje como si en verdad se asistiera a un auditorio donde dos enfermos y dos parientes presentan su relación con la esquizofrenia a un panel de especialistas. De la misma manera, el hecho que se mantenga encendida la luz de sala y la presencia de los directores - presentadores y de los otros actores - personajes en los laterales mientras uno de estos últimos se dirige a los asistentes, sirve para restringir la ilusión teatral y ofrecer más verosimilitud. También, esto ocurre gracias a las comprometidas actuaciones del elenco.

Los testimonios presentados son de una madre cuyo hijo se suicidó, una joven que cuenta sus problemas como si fueran una historia de princesas, una mujer afectada porque su esposo y su hermano están enfermos, y un científico que logró manejar su trastorno. Diana Volpe, Magaly Serrano, Haydee Faverola y Ricardo Nortier representan estos personajes, respectivamente. El mayor reto de la actuación es superado debido a que cada uno de ellos debe permanecer en un solo sitio mientras ofrece su testimonio frente a un micrófono. Es así como la voz, las expresiones faciales y el uso de las manos se convierten en el vehículo actoral. Hay que resaltar la forma como Volpe maneja las intenciones; la gama de entonaciones vocales de Serrano y su capacidad de conmovernos con el llanto; la angustia que Faverola refleja en sus manos y movimientos repetitivos; y la intensidad que invade poco a poco el cuerpo de Nortier.

Por otro lado, en necesario destacar la sabia orientación y acoplada labor que de seguro llevaron a cabo los directores: Orlando Arocha con Volpe, Juan José Martín con Serrano y Julio Bouley con Faverola, junto a Nortier que prefirió auto dirigirse sin que ello restara a la obra. Con una propuesta como esta queda demostrado que con pocos recursos y claridad estética se puede hacer buen teatro. Como bien dice el programa de mano, pacientes y parientes son víctimas por igual de la enfermedad y, con el montaje teatral, el público podría ver sus miedos y angustias al vincularse con esta situación en “el espacio de lo humano.”

Función: 17 de Febrero de 2011

Un breve receso (II)

2010-04-25T03:48:00.002-04:30

Continúo con los trabajos que he apreciado en los primeros meses del año. En la sala principal del Teatro San Martín presencié La calle del infierno del español Antonio Onetti, de la agrupación Afrodiartes y dirigido por Verónica Arellano. La pieza presenta a Juani, Toñi y Paqui, tres cajeras de supermercado, revelan sus anhelos, traiciones y verdades a lo largo de varias situaciones que pretenden descubrir qué sucedió para que Juani cayera de la Rueda de la fortuna del parque de diversiones llamado como el título. La puesta en escena resuelve con originalidad cada situación y ofrece variedad, sin embargo es necesario limpiar algunos excesos de gestos, música y movimientos que lucen injustificados. Esto puede suceder debido a que es el primer trabajo de esta directora, si bien tiene una larga trayectoria como actriz, debido a que se pretende llevar a escena todas las ideas que se vienen acumulando a lo largo del tiempo, esto debe corregirse y así conseguir con cada nueva obra un lenguaje particular dentro de lo que requiera el texto. En la dirección actoral se percibe mayor pertinencia por el buen desenvolvimiento de las actrices con Claudia Nieto como Juani a la cabeza que logra presentar una extensa gama de emociones, Carolina Torres que da el tono justo y de hilaridad a Paqui, e Irabé Seguias como Toñi que logra la composición de personaje más destacada por su manejo de voz y cuerpo. La iluminación de Gerónimo Reyes consigue las atmósferas adecuadas y el vestuario sencillo pero claro concuerdan con lo anterior para alcanzar el divetimento del público a través la energía de las emociones femeninas.

En la Sala Anna Julia Rojas de Unearte, el sistema Profeser (Profesionales en Servicio) presentó un nuevo montaje profesional, curso que deben realizar actores, productores y diseñadores y que concluye con la obra. En esta oportunidad, llevaron a escena Venezuela güele a oro, sainete de Andrés Eloy Blanco y Miguel Otero Silva, dirigido por Juan José Martín. En esta pieza costumbrista, un trío de norteamericanos llegan al país para comprobar si las calles de nuestra tierra huelen a oro, así varios personajes criollos los guiarán para descubrir el origen del olor. Con un fino humor, los autores se burlan de las autoridades, de la política, de los poetas de la época de los 40 del siglo pasado, la desigualdad y la explotación petrolera, lo que termina por convertirse en un texto de profunda vigencia que si cambiara nombres y situaciones actuales se convertiría en un reflejo de la situación actual del país. La puesta en escena es imaginativa por la forma en que la entrada y salida de los personajes se carga de comicidad, aprovechando pequeños elementos de escenografía para cambiar de ambiente en cada escena y equilibrar con la posición de cada actor. Entre los graduandos actores destacan: Dewis Durán como Sherlock Morrow que se mantiene con energía y veracidad en toda la obra, Salvador Cavano como Mujiquita debido a su forma vocal de crear el personaje, secundados por Ricardo Lugo como Morrocobrero, Fernando Lozada como Morrockfeller, Dalia Castellanos como Joan Crawford, Luis Fernanda Sifontes como Miss Kakatúa y Carlos Cedeño con tres personajes. Antonio Marrero como Chang cumple cabalmente, al igual que Maribel Granadillo como Icotea. El resto del elenco que también forma parte de los graduandos se perciben muy flojos en sus trabajos, lo que conlleva a pensar si en verdad poseían la trayectoria necesaria para haber entrado en este sistema de estudios de dos años. La producción general y artística logra su cometido y el diseño de vestuario de Andrés Eloy Izarra es un gran acierto para definir a cada personaje. Es necesario comentar la forma en que se representan a Hitler, Hiroito, Franco y Mussolini, cuatro inmigrantes, que en esta propuesta se presentan con sus caras gigantescas y cuerpos pequeños como monigotes, que son manejados desde dentro de una especie de armazón por un actor o actriz. En definitiva, original puesta en escena, con actuaciones buenas y regulares y el rescate del género propio de Venezuela: el sainete.

Un breve receso

2010-04-24T02:14:00.000-04:30

Luego de un periodo sin actualizar el blog, regreso con varios comentarios de trabajos que he apreciado desde Enero del presente año. A pesar de la salida de la columna de su publicación semanal en El Nacional, como buen hombre de teatro sigo asistiendo a representaciones de toda índole.
Asistía a una nueva graduación de Taller Nacional de Teatro (TNT) de Rajatabla, agrupación que después de dos años de formación presenta un trabajo que permite acercarse a posibles nuevas figuras del quehacer teatral. Un grupo nutrido de participantes de este programa llevó a escena Ubú rey de Alfred Jarry, bajo la dirección de Rufino Dorta. En escena se destacan los trabajos de Jean Franco De marchi como el Padre Ubú, si bien debe tratar de romper un poco con las intenciones planas en algunos momentos, y Danique Weill como la Madre Ubú, quien ofrece el tono grotesco que posee el personaje. El resto del elenco debe equilibrar más su trabajo de organicidad y veracidad si desea forjarse una carrera en este difícil medio. La puesta en escena se vale de muchos recursos de la comedia física y coloca a dos personajes como tragedia y comedia para que narren la acción, otro personaje que representa las pausas caminando con un paraguas abierto por el escenario y detiene la acción para que los personajes realicen los apartes. Considero que estos recursos son totalmente efectistas y desvían la atención hacia símbolos que no representan nada. Otra propuesta más al estilo Rajatabla.
En la Sala de conciertos de Unearte presencié un homenaje a Elizabeth Schon, a cargo de Guarro teatro, denominado Lo importante es que nos miramos que incluía tres piezas de su autoría: Al unísono, Jamás me miró y la homónima que da nombre a la propuesta. Con Alama Blanco y Jesús Sosa en las actuaciones de estas obras de dos personajes y la dirección de Humberto Ortiz, la primera de ellas se desarrolla dentro de los términos del texto, no obstante las otras dos se perciben mal trabajadas debido a que no ofrecen una comprensión clara de sus premisas. Cabe destacar el acompañamiento en vivo de Kenny Riera al piano porque crea varias atmosferas en cada pieza, además del video que precede a la representación que se constituye en el verdadero homenaje a esta escritora venezolana.
En el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, Hebu teatro presentó La noche de la tríbadas del sueco Per Olov Enquist, dirigida por Costa Palamides. Esta obra pone en escena un ensayo de la compañía del dramaturgo August Strinberg que junto a su esposa Siri y la amante de ésta: Marie David, acompañados del actor Viggo Schiwe, pretenden ensayar La más fuerte, escrita por él y que se convertirá en el detonante de varios resentimientos guardados. Este trabajo se constituye como el más acabado que se ha presentado en la ciudad durante lo que va de año debido a su equilibrio e integración de la propuesta escenográfica, de vestuario, de iluminación, de dirección y especialmente de actuaciones. El trío de actores que desarrollan el conflicto demuestra organicidad, manejo de las intenciones y habilidad para componer y mantener su personaje con Ludwig Pineda a la cabeza como el perturbado Strinberg, Diana Volpe como Siri y Diana Peñalver como Marie David. Elvis Chaveinte como Viggo ofrece una candida y sentimental interpretación. El desplazamiento, utilización del espacio escénico y ritmo apropiado presentan una pertinente puesta en escena. En definitiva, un trabajo muy bien logrado.
En la Sala experimental del Centro Cultural Chacao, el grupo Teatro del Laberinto presentó un espectáculo escénico – musical llamado Segismundo somos todos, (per) versión [como lo denominan en el programa de mano] de La vida es sueño de Calderón de la Barca. En el mismo estilo desmitificador de su anterior trabajo, Ignacio Márquez en la dirección combina la música Rap y la cultura Hip Hop con los versos del texto y convierte al personaje Segismundo, preso en un cárcel por ordenes de su padre el rey, en símbolo de la opresión que podemos sufrir todos por causa de la alineación que impone la sociedad actual. La propuesta se percibe interesante, en especial por la forma en que los versos y el ritmo de este estilo musical son combinados, sin embargo el texto del barroco español es un simple pretexto para presentar, sobre todo como símbolo más alienante, a la comida rápida con la identificación la cadena más importante en el país y su jingle. Arnaldo Mendoza representa al Poderoso, que sería el rey en la pieza original, una especia de alegoría de la alineación que no habla sino que hace los gestos mientras otro actor expresa su texto. Alexander Ramos es el oprimido Segismundo y Nacho Marx (seudónimo del director) da voz al poderoso. Los tres cantan Rap correctamente cargándolo de su léxico propio y están vestidos de manera neutral salvo cuando Mendoza y Ramos son el Poderoso y Segismundo, respectivamente. Además, se proyectan videos de comentarios acerca de la obra de Calderón que podrían calar y distanciar al espectador si no colocarán nombres y profesiones que rayan en lo ridículo y no en algo justificado para la propuesta. La primera media hora del trabajo se presenta bien logrado, pero considero que luego de ella se reitera sin plantear nuevas ideas, lo que puede cansar rápidamente al público. Otra forma de plantear el hecho escénico.

Varias propuestas de los últimos meses

2009-12-29T14:31:00.010-04:30

En la Sala experimental del CELARG, el grupo Prometeo realizó el montaje de La boda de Virgilio Piñera, dirigido por Noel de la Cruz. Flora es una mujer que suspende su boda porque Alberto, su futuro esposo, le cuenta a su mejor amigo que el único defecto que ella tiene son la “tetas” caídas. A partir de esto, los contrayentes y sus mejores amigos desarrollan una serie de escenas en donde de diversas maneras disertan acerca de la suspensión de la boda y del problema físico de ella. Con una clara orientación hacia el teatro del absurdo, la puesta en escena mantiene un ritmo trepidante y de desplazamientos constantes para reflejar el estado interno de los personajes. Con una escenografía cercana al realismo, cada escena se desarrolla a partir de su significado pasando de la simple discusión al canto o de un programa de televisión a un funeral simbólico. Solamente, los actores requieren comprender un poco más acerca de las situaciones de las primeras escenas para que, por encima del simple decir del texto, el público entre de lleno en el conflicto. Posteriormente a esto, esta comprensión fluye más y poco a poco sale a flote la premisa de la obra. Destacan las actuaciones de Jorge Concha como Alberto, que posee una veracidad innata y Franca Peri como Julia, amiga de la protagonista, porque posee una bien manejada hilaridad y gestualidad. Aymara Ramia como Flora puede ofrecer más intensidad, si bien logra buenos momentos y Rogers Lombano como Luis, amigo del protagonista, mantiene una buena energía e intenciones, aunque imposta un poco la voz por momentos. Más allá de estos comentarios, la pieza se sostiene cabalmente y las risas de público no se hacen esperar.

En el Espacio Plural del Trasnocho Cultural se presentó Un día particular de Store Scolla, dirigida por Giovanni Reali. Una mujer y un hombre coinciden porque el ave que ella tenía en una jaula se escapa y llega al apartamento de él. De esta manera, estos seres opuestos se conectan y revelan sus verdaderos sentimientos en un contexto social que los diferencia porque ella cree en un régimen totalitario, mientras él debe salir del país por ser homosexual. La puesta en escena de carácter simbolista se percibe acorde con la atmósfera que posee la pieza, especialmente por la escenografía que representa a los dos apartamentos y que con paredes como rejas refleja la cárcel en la que simbólicamente viven de los personajes, asimismo los tonos grises, que también posee el vestuario, refuerza la melancolía. Se destaca el gran megáfono desde donde las voces del poder se expresan. El miedo a romper el orden establecido es evidente por la forma que se desplazan los personajes dentro de un espacio limitado con pequeños elementos de utilería que facilitan el desarrollo de la trama o que demuestran el tiempo perdido inútilmente, como los libros en el suelo, porque existe un Estado que desprecia al que es diferente. En las actuaciones, Roberta Zanchi sigue ofreciendo la veracidad que la ha caracterizado en otras producciones, en este caso se conecta más profundamente con el personaje. Por su parte, Antonio Urdaneta aprovecha la comunión que existe con su compañera, aunque por momentos su voz adquiere tonos graves que le restan a la naturalidad que requiere el personaje. En definitiva, un trabajo que integra todos los elementos para transmitir un claro mensaje hacia la intolerancia, el abuso del poder y el miedo.

En la Sala Horacio Peterson de Unearte, la agrupación Kayak llevó a escena: A palabras necias, bocas mudas de José Barrera, dirigida por Marco Caridad. Una gitana cuenta la historia de dos enamorados, pero la intervención de un mago torpe les crea más conflictos a ellos. Los enamorados solo viven de su apariencia exterior debido a las recomendaciones de un gucamayo que obliga a Yak a hacer ejercicios y una mariposa que critica a Kay por tener sobrepeso. Para demostrar sus supuestas habilidades, el mago Maximiliano o Max, como quieren que lo llamen, hace que los enamorados queden mudos y así evitar que discutan, de esta forma los convierte en dos autómatas que no son capaces de expresar bien lo que sienten hasta que descubren que el amor es el mejor lenguaje. La puesta en escena se vale de variados recursos para mantener la atención de los niños. Con la música en vivo, interpretada por la misma gitana, y el empleo de títeres y un monigote que son manipulados a la vista del público, los niños presencian los recursos propios del teatro y comprenden la historia que se desarrolla. De igual manera los enamorados se cambian en escena cuando se convierten en una especie mimos porque no pueden hablar. Resalta la claridad del recurso del títere porque el muñeco que es manipulado, como el guacamayo y la mariposa, a su vez manipula para lograr su fin. También Max se convierte en un títere por momentos y aparece Amorsote, un monigote que pretende enamorar a Kay, y al final, al igual que los dioses aparecen en las obras griegas, los padres de Max son dos grandes máscaras que lo ayudan a resolver los enredos que ha creado. Con una escenografía y un vestuario colorido, las actuaciones se presentan equilibradas en todos los sentidos dentro del elenco conformado por: Jeanleigh Fernández, José Barrera, Kellyns Herrera, Marco Caridad y Bárbara Soto. Un original, divertido y bien hecho trabajo para niños.

Funciones: 7, 30 de Noviembre y 5 de Diciembre de 2009 (Respectivamente)

Desde oriente (y II)

2009-11-30T23:31:00.001-04:30

El segundo y tercer día del XXXIV Festival Internacional de Teatro de Oriente presencié una obra de teatro y asistí a una conferencia del maestro Gilberto Pinto.

En Sala Ricardo Lombardi del Complejo Puerto Teatro en Puerto La Cruz se presentó el grupo La Barraca de Ciudad Bolívar con el montaje: Padre Pedro de José Ignacio Serralunga, dirigido por Juan Pagés. En este montaje, el monaguillo de una parroquia viene a confesarse con el padre Pedro para contarle que su mujer está embarazada y que él no puede haber concebido a su hijo debido a que es estéril, de esta manera se da un juego del gato y el ratón para descubrir la verdad acerca de la paternidad del hijo. La puesta en escena propone un desplazamiento equilibrado en todo momento y con un ritmo continuo que mantiene el interés del público, sin embargo la forma en que se proponen los personajes rompe con varios aspectos. Los personajes del monaguillo y del padre son creados a partir de la farsa con vestuarios que acentúan una expresividad corporal cercana a la técnica del “clown” y un maquillaje es este estilo, sin embargo la escenografía y la utilería tiene una estética que claramente se acerca al realismo. Aunque la composición de los personajes funciona porque el público observa de manera crítica el argumento, esto podría reforzarse más sin los elementos realistas. En la interpretación, Eduardo Palacios como el monaguillo tiene una acertada expresión corporal y capacidad para manejar los matices del personaje, además de alcanzar el equilibrio entre la forma farsesca y el contenido orgánico. Lo anterior contrasta con el trabajo de Luis Gabriel Ramírez como el Padre Pedro porque la excesiva impostación vocal le resta credibilidad, de igual forma requiere más concentración cuando escucha a su compañero para que evite repetir el texto de éste con los labios, ya que esto demuestra que mecaniza su actuación. Pese a los contrastes en estética y actuación, la obra se mantiene, divierte y hace pensar en torno a las relaciones humanas.

La conferencia de Gilberto Pinto fue realizada en un salón de la sede de FUNDESBA. Su tema principal fue acerca del teatro artístico social. Al inicio hizo un resumen acerca del teatro que se hacía en la Venezuela desde los 40 hasta la actualidad. Su discurso tomó en cuenta a figuras representativas del teatro venezolano como: Alberto de Paz y Mateos, Jesús Gómez Obregón y Horacio Peterson. De esta forma, relata como en las 40 se pasó del teatro que realizaban las compañías españolas a piezas que rompían el criollismo o localismo, se buscó mejorar el repertorio y se inició una formación en todos los ámbitos. Luego, en los 50, se comienza una dramaturgia propia con César Rengifo y a partir de los 60 se defiende el texto teatral significante con el trabajo de Rodolfo Santana, Isaac Chocrón, Román Chalbaud, José Gabriel Nuñez y el mismo Pinto. Dijo que en la actualidad es cada vez más importante tomar en cuenta que “el teatro es un componente de la salud social y no comercial”, al contrario de como se percibe en la cartelera caraqueña actual. A mi pregunta de cuál es la dramaturgia necesaria, el maestro respondió: la que interpreta la historia.

Por último, no puedo dejar de comentar que queda de parte de las autoridades regionales del Ministerio de la Cultura y de la misma Dirección de Cultura de la Gobernación del Estado Anzoátegui apoyar con mayor rigor al festival con más tradición en el país. Sé que hubo muchas complicaciones para recibir el aporte necesario, lo que hizo que las fechas antes pautadas se cambiaran y que la muestra se redujera.

Es muy fácil dar la cara y decir que se apoya la cultura cuando la realidad es otra, como hizo la encargada de dicho Ministerio en Anzoátegui, además mencionó una frase de Juan Carlos Gené que, seguramente extraída de cualquier publicación de Celcit, fue expresada fuera de contexto. Lo difícil es el trabajo continuo que realizan los creadores, como lo hace Kiddio España al frente del festival cada año.

Función: 14 de Noviembre de 2009

Conferencia: 15 de Noviembre de 2009

Desde oriente (I)

2009-11-30T23:30:00.002-04:30

La edición XXXIV del Festival Internacional de Teatro de Oriente se celebró del 13 al 19 de Noviembre en las ciudades de Barcelona y Puerto La Cruz, Estado Anzoátegui. Además del acostumbrado teatro de sala, con tres espacios, se realizaron presentaciones en varios espacios abiertos que incluyeron a Guanta, Lechería y Anaco, junto a varias comunidades populares de la región. Tuve la oportunidad de estar durante los tres días iniciales para apreciar dos espectáculos y asistir a un conversatorio.

La inauguración estuvo a cargo del Teatro del Secadero, agrupación originaria de la ciudad de Mar de Plata, Argentina. Esta agrupación llevó a escena: Novia en rojo, escrita por Edgar Moreno Uribe y dirigida por Mónica Marchini. Con el monólogo como estructura predominante, salvo algunas interacciones entre los personajes, la pieza tiene como punto central a Esdras, un transexual que se siente perturbado porque no es aceptado después de haberse operado completamente para transformarse de hombre a mujer. A lo largo de varias escenas, el público descubre el pasado y presente del personaje, aunque este descubrimiento carece de progresión dramática, lo que no mantiene el interés en el relato. Cada escena empieza con la evidente perturbación del personaje porque no se acepta su condición, no solo sexual sino de preferencia hacia las mujeres, para luego pasar a un listado de recuerdos que no profundiza en sus planteamientos. Los recuerdos no hacen más que evidenciar los conflictos de Esdras y de ninguna forma el paso de uno a otro logra la necesaria ilación entre escenas, debido a esto el clímax luce artificial y no se resuelve el conflicto central. Por otro lado, queda sin resolución la constante referencia a Manuel que parece ser el interlocutor al que Esdras se dirige. Y, de igual manera, el final no termina de cerrar varios aspectos que se relacionan con la premisa que toma como punto de partida el desprecio hacia el otro, el diferente. ¿Se resuelve o no? ¿Es el pasado o el presente el que perturba? ¿Ambos? ¿Desde qué lugar presenta Esdras su relato? ¿Por qué alguien que conscientemente decidió su cambio de sexo, luego tiene conflictos con ello?

El desplazamiento escénico se presenta reiterativo y monótono. En varias ocasiones, Esdras se traslada y vuelve al mismo sitio restándole fuerza a la puesta en escena, además que dentro de cada escena se realizan blackouts (apagones) que no tienen justificación, ya que al volver la luz el personaje se encuentra en el mismo lugar y posición, no cambia tampoco su intención, por lo que no hay una verdadera transición. El marcado simbolismo del trabajo acrobático de telas con el que dos personajes femeninos acompañan el relato de Esdras se queda en el apropiado manejo de la técnica por encima de la correspondencia estética con el argumento. Solo el comienzo, en el que el público observa al personaje de espaldas sin saber quién y cómo es, sorprende porque cuando Esdras voltea apreciamos su manera de vestir y la importancia de su maquillaje.

En las actuaciones, Mario González propone una apropiada expresividad corporal y tono vocal para componer a Esdras, si bien rompe con los conceptos que van desarrollando la pieza cuando realiza pausas en momentos en los que gramaticalmente no deberían hacerse. Esto no permite al espectador seguir las distintas intenciones que se presenten. Mary Schulze y Claudia Mauriz crean sus personajes a partir de la tensión y distensión propia de la expresión corporal más que hacia lo vocal.

En definitiva, un extraño comienzo para el festival.

Función: 13 de Noviembre de 2009

Comprometidos con el teatro (y II)

2009-10-30T23:57:00.005-04:30

La VIII Muestra Internacional de Teatro y Títeres en las comunidades de Caracas culminó con su variedad de presentaciones en las parroquias caraqueñas y la presencia de grupos nacionales y extranjeros.
La Compañía Regional de Teatro de Portuguesa presentó el monólogo Amalivaca, historia del sacerdote jesuita Felipe Salvatore Gilij versionada por Tomás Jurado Sabala. La puesta en escena recrea el relato de la leyenda de creación de “Los tamanacos” a través del uso de pequeñas figuras y objetos que bajan, aparecen en el suelo o son manipulados por una actriz. La interpretación de Edilsa Montilla ofrece la fuerza y el ritmo necesario para mantener el interés de la audiencia dentro de una ambientación que refleja la iconografía de estos indígenas, junto a un vestuario que se muestra acorde con lo anterior. Un articulado trabajo dirigido por Carlos Arroyo.
Desde México, la Compañía Teatral Creativa Autónoma trajo Hipótesis del sueño, adaptación del cuento “El fusilado” de José Vasconcelos; pieza escrita, actuada y dirigida por Marcos Pérez. Un director decide cambiar completamente su montaje porque piensa que debe realizarlo cómo lo soñó la noche anterior, posteriormente él mismo representa la historia de un soldado antes de morir. La dramaturgia se queda un poco en la narración por encima de la acción teatral, aunque la actuación maneja con propiedad el ritmo, intensidad y organicidad.
La Negra María Teatro de Chile presentó Historias minúsculas de la tierra, el cielo y el mar, inspirada en los cuentos de María José Ferrada. Un pez con luz propia en las profundidades del mar, varios objetos que cobran vida por el viento y una planta carnívora que se rebela en contra de su dueño son tres historias en las que una escritora es inmersa. Este espectáculo de teatro negro deslumbró por la sencillez del argumento, la calidad estética y el apropiado manejo de los recursos de esta forma teatral, lo que hizo que adultos y niños se conectaran totalmente.
La agrupación dancística CIANE, dirigida por Soraya Orta, sorprendió con su propuesta de “danza de altura” denominada Sueños trotantes. En ella, los intérpretes emplearon cargadas y se valieron de zancos tradicionales, junto a otros especiales por su capacidad de rebote, para ofrecer un trabajo donde la técnica de lo coreográfico se vinculó cabalmente con el contenido poético que evocan.
El grupo Oncativo de Argentina llevó a escena Por los peces y por los panes, en el que representan la historia real de dos monjas perseguidas, torturadas y desaparecidas durante la dictadura. La dirección de Mario Arietto propone al movimiento como punto de partida con pequeñas escenas en que el texto es el protagonista. La vinculación con la danza – teatro es evidente, si bien el trabajo corporal y coreográfico se percibe mejor logrado que la interpretación en las escenas.
Con Alberto Ravara a la cabeza, esta muestra contó con un equipo de jóvenes colaboradores que demostraron su compromiso con el medio teatral debido a que facilitan el trabajo a todos los grupos invitados. Además, la muestra amplía la oferta al público y acerca a los habitantes de las parroquias a las diversas manifestaciones del teatro.
Funciones: 11, 13, 16 y 17 de Octubre de 2009

Comprometidos con el teatro (I)

2009-10-30T23:50:00.002-04:30

Desde la semana pasada se ha venido desarrollando la VIII Muestra Internacional de Teatro y Títeres en las comunidades de Caracas, organizada por IIAVE – Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela. Con entrada libre, las salas del grupo Altosf, Casa del Artista, Celarg, Teatro San Martín y Unearte han cedido algunos de sus espacios para las presentaciones, junto a un importante acercamiento a las parroquias capitalinas.

Guarro Teatro inauguró la muestra con El amante del inglés Harold Pinter, dirigida por Francisco Díaz. Un matrimonio plantea un juego psicológico en torno a la figura del amante de la esposa, lo que parece ser la única manera de mantener la relación. Estéticamente, la escenografía se percibe ajustada, lo que facilita el desplazamiento escénico, pero el vestuario rompe con esto. Además, no se logra la finalidad de la progresión dramática por el ritmo cambiante y las actuaciones superficiales.

La agrupación Aplaudid llevó a escena El mundo me queda pequeño de Bruno Mateo, dirigida por Carlos del Castillo. Una actriz en decadencia es acosada por la muerte, esto le hace recordar los errores de su vida y dialoga con ella para convencerla que no debe morir todavía. Con un texto débil por la forma en que no resuelve la situación dramática, la dirección propone diversas acciones que justifiquen la conducta del personaje y coloca en escena a una muerte seductora con gesticulaciones reiterativas. María Elena Duque como Lola se percibe externa al principio, pero luego se conecta completamente, mientras que Dayana López le da una imponente presencia a La Muerte.

El grupo Prometeo representó la versión del cubano Héctor Quintero de Los cuentos del Decamerón, original de Boccaccio, dirigida por Noel de La Cruz. En ella, varios personajes deciden irse de Florencia para escapar de la peste y refugiarse en una villa donde cuentan historias para pasar el tiempo. El montaje es un trabajo honesto por parte de un grupo de participantes de un taller de formación teatral. A través del desparpajo y la irreverencia logran la risa del público, aunque deben ser más rigurosos en la dicción, proyección de voz, expresión corporal y composición del personaje, con algunas excepciones, si su interés es dedicarse al teatro profesionalmente.

El Teatro Estable de Villa de Cura presentó Por el norte con el mar de las Antillas, escrita y dirigida por Orlando Ascanio. Una familia se confiesa frente al público, habla de su vida y de recuerdos con varias referencias históricas de Venezuela. Con una puesta en escena limpia y equilibrada, la dramaturgia no conecta realmente los relatos de cada rol con algunos textos más poéticos que teatrales, si bien las interpretaciones de Larry Castellanos y Luis Enrique Torres poseen la veracidad e intensidad necesaria frente a la exteriorización del resto del elenco.

En el teatro de títeres, los colectivos Babalawos de Perú, el Teatro Nacional de guiñol de Cuba y Don Quijote del Estado Barinas hicieron lo suyo para divertir a adultos y, especialmente, a niños y niñas con la técnica depurada del primero, la sencillez del segundo y la visión estética del tercero.

El compromiso de los organizadores y la receptividad del público han permitido que la muestra continúe.

Funciones: 5, 6, 7, 8, 9 y 10 de Octubre de 2009

Una mujer en una época

2009-10-15T22:57:00.001-04:30

En el Teatro Trasnocho se presentó la agrupación Water People con La peor de todas de Iraida Tapias, dirigida por Juan José Martin. La pieza trata de varios momentos de la vida de Sor Juana Inés de la Cruz, poetisa mexicana que vivió a finales del siglo XVII, considerada como una mujer adelantada para su época. Este extracto de la vida de un personaje real toma como conflicto la creciente incomodidad que ella producía a la iglesia católica por la manera en que interpretaba la biblia, en que opinaba sobre los sermones de otros y en que escribía sus creaciones en diversos géneros literarios. De ahí, que se critique la amistad entre ella y la Virreina María Luisa, relación que pasa de la solidaridad y admiración al amor sugerido entre dos seres del mismo sexo, y se muestre la forma en que el Padre Núñez de Miranda, su confesor, debe lidiar con ella. Con un adecuado manejo de la dramaturgia, la premisa de que viejos paradigmas se imponen por encima de cualquiera que intente romper con ellos se transmite claramente.

La puesta en escena aprovecha la escenografía diseñada por el mismo director en la que Sor Juana se encuentra encerrada en una especie de claustro, construido de madera, por el que se asoma al mundo y desde donde escribe lo que resulta molesto a la iglesia. En este lugar solo interactúan la protagonista y la Virreina, mientras que afuera encontramos a su confesor y al Arzobispo de México. Estos últimos se desplazan alrededor y hasta emplean la parte superior de la gran caja de madera como símbolo del poder que pretende denigrar a una mujer que libera su alma a través de la escritura. El empleo de elementos anacrónicos brinda un aire de contemporaneidad a la estética como una caja de cartón para recoger las creaciones de Sor Juana o micrófonos que permiten dar un tono apacible a la actuación. Asimismo, el diseño lumínico crea las atmósferas que resalta cada escena, en especial durante el efecto de lluvia final que acentúa la emoción de la protagonista.

El diseño de vestuario de Raquel Ríos delinea con certeza a cada personaje, apoyado en el anacronismo de la puesta. Por ejemplo, viste a la Virreina con pantalones y blusas con cierto estilo antiguo, salvo el imponente traje de época que simboliza su estancia en España. Por otro lado, los dos religiosos llevan trajes con varios elementos que destacan su labor y estatus como las estampas de santos para el Padre y un incensario para el Arzobispo. Solo la protagonista lleva el hábito que la caracteriza y, debajo de él, la bata que emplea en la escena culminante.

El trabajo actoral se percibe equilibrado. Rebeca Alemán como Sor Juana demuestra una fuerza contenida en lo vocal y corporal, por la represión que interna y externamente se le impone, y que libera al final, logrando una ajustada composición del personaje. Andreína Blanco como la Virreina y Gerardo Soto como el Padre Nuñez crean con veracidad sus personajes apoyados en las intenciones. Giovanni Reali ofrece una encomiable interpretación en la que la sutilidad de los matices vocales y de los gestos refleja el poder que posee como el Arzobispo de México.

En definitiva, una propuesta que acopla todos los elementos para exhibir, hasta ahora, el mejor trabajo de este grupo.

Función: 27 de Agosto de 2009

Despojados del pasado

2009-09-29T16:24:00.000-04:30

En la Sala de Teatro 1 del Celarg se presenta Imaginarios de Venezuela con El jardín de los cerezos, versión de la obra de Anton Chejov, escrita y dirigida por Juan Carlos Souki. La pieza trata del regreso de Liubov Andreyevna, una mujer de clase alta venida a menos, a la casa donde vivió su infancia y que debe vender para recuperar su estatus. Su antiguo empleado Lopakhin, ahora rico, está dispuesto a comprarla para talar el jardín de cerezos que está en el patio y construir una urbanización. Las hijas de Liubov, su hermano, una amiga y varios criados viven de cerca los acontecimientos con sus conflictos personales.
La versión se divide en 5 cuadros que representan 5 días, no sucesivos, en los que se desarrolla la acción. El lenguaje se actualiza con modismos propios del venezolano, lo que erróneamente haría pensar que todo se desarrolla en el país. Por otro lado no se indica la ubicación geográfica del lugar mientras se hace referencia a Moscú y Paris. De igual manera, luce injustificado el empleo del Rublo como moneda junto a varias referencias en Dólares o el uso del correo como medio de comunicación si lo que se quiere es actualizar el texto.
La puesta en escena propone dos sectores en el escenario. En el fondo se ubica la sala de la casa, un despacho, la sala privada de un restaurant y el cuarto de Liubov. En el proscenio se ubica el cuarto de Anya, el baño y un sitio indefinido donde interactúan Yasha, Dunyasha y Yepikhodov. Por lo tanto, existen dos niveles estéticos. En el primero, los espacios ya preparados se descubren al espectador cuando se levanta una pantalla blanca y, en el segundo, se revela la teatralidad cuando otros personajes colocan los objetos frente a la mirada del público. Además, la pantalla se utiliza para proyectar unas diapositivas que indican cada día de la acción, junto a imágenes que pretenden reforzar la intención de algunas escenas, como el hijo muerto de Liubov o el ecosonograma de un bebé cuando Petya y Anya tienen relaciones, lo que no tiene mayor justificación. Lo mismo sucede con los desnudos que intentan cargar de sensualidad a la propuesta, especialmente en la violación de Liubov por parte de Lopakhin cuando el hecho por sí solo se interpreta de otra forma.
En las actuaciones existe mucha disparidad. Marialejandra Martín como Liubov Andreyevna y Adolfo Cubas como Lopakhin se perciben exteriores. En ambos no se observa la fuerza de las intenciones y el subtexto que lleva cada frase de los personajes. Gabriel Blanco como Petya y Virginia Lancaster como Anya lucen inverosímiles en su interpretación y sin la intensidad necesaria. El mayor logro se encuentra en los personajes secundarios con la veracidad, matices y energía juvenil que Adriana Romero, Giovanny García y Víctor Romero le imprimen a Dunyasha, Yasha y Yepikhodov, respectivamente. Asimismo, Reynaldo Rivas maneja correctamente las intenciones de Gayev, Nathalia Paolini propone la rigidez corporal y vocal que requiere Varya y Carmen La Roche saca provecho de Pishchik con hilaridad y fuerza.
Para finalizar, el paralelismo que se pretende con la realidad del país no es tan claro, si bien se comprende la intención de reflejar la manera en que nos han despojado de algunos símbolos de nuestro pasado cultural.
Función: 30 de Agosto de 2009

Comedia humana de despedida

2009-09-29T16:21:00.000-04:30

El Grupo Theja se despide del Teatro Alberto de Paz y Mateos con la primera parte de La divina comedia, poema original de Dante Alighieri, versionado, producido y dirigido por José Simón Escalona. Con este montaje, la agrupación deja las instalaciones del espacio que fue su sede por más de veinte años, debido a la salida exigida por el Ministerio de la Cultura que se une a la falta del presupuesto necesario para mantener las instalaciones.
El infierno, primera parte de esta obra maestra, es presentado dentro un proyecto que también pretende llevar a escena las otras dos cantigas del poema. La versión trata de darle una estructura teatral a la creación lírica, pero no logra su cometido. El argumento posee un conflicto evidente que es la necesidad de Dante de encontrarse con su amada Beatriz que está en el Paraíso. Para ello, debe ir del vicio, del pecado a la vida virtuosa y su primer obstáculo es el paso por el infierno. En la versión, este paso es un simple paseo con poca teatralidad. Dante es guiado por Virgilio, el antiguo poeta latino al que considera su maestro, por los círculos que conforman el lugar sin más acciones que reconocer a cada personaje y el pecado que lo condena. Trasladarse de un círculo a otro no lleva mayores problemas, ya que el enfrentamiento con cada condenado no se siente como una prueba a superar ni sus almas parecen cargadas de los sentimientos que producen estar en aquel sitio.
La puesta en escena se vale de varios andamios en diferentes niveles. Los protagonistas juegan en su mayoría al estatismo, siendo los personajes secundarios los que se trasladan constantemente para aprovechar el desnivel y así representar cada círculo del infierno. A veces, esto cambia la perspectiva sobre quiénes son en realidad los que caminan para salir de allí. La iluminación se propone con un persistente contraste de luz y sombra, sin embargo podría mostrar mejor los rostros de los actores que se pierden por momentos y hacen imperceptibles sus gestos. El vestuario se percibe ajustado al estilo medieval que procura reflejar, de igual manera la música, si bien las dos canciones usadas se alargan sin necesidad porque rápidamente se comprende su propósito.
El trabajo actoral se percibe desacertado y contrastante con la necesaria veracidad que requiere la propuesta. Eben Renán como Dante se muestra plano de intenciones y con una rigidez corporal que le impide acompañar el texto con la expresión de sus manos. Alonso Santana como Virgilio asume una excesiva impostación vocal que no le permite ofrecer la variedad de matices que posee el personaje.
El resto del elenco exacerba las emociones de sus personajes para quedarse en lo externo. Con interjecciones, gemidos y gritos trata de reflejar el sufrimiento del infierno sin ningún contenido orgánico que lo haga creíble, además solapan el texto de los protagonistas en algunas escenas, mientras que en otras es casi incompresible lo que dicen, tanto en intención como en dicción, cuando se dejan llevar por la exageración y por la impostación de voz.
Pese a los desaciertos, el Theja no traiciona su estética, especialmente en la propuesta visual del montaje, aunque ahora va en búsqueda de nuevos espacios que le permitan continuar con su trayectoria.

Función: 13 de Septiembre de 2009